jueves, 31 de marzo de 2016

The Jangle Band - "Edge of a Dream" (2016)


Los amigos del pop de esencia primaveral, de sortilegios de guitarras brujas, de voces que miman epidermis y melodías que embelesan oídos, los que nos encontramos a gusto con las sonrisas que mutan en canciones o al revés, los que sentimos las tonadas sencillas y naturales como rocío sobre el rostro en el despertar de una siesta veraniega, los que nos enamoramos al son de Rickenbackers y armonías, estribillos y baterías que marcan el paso hacia lo bonito, los que aprendimos a emocionarnos con The Beatles, The Byrds o The Kinks, que años después quisimos continuar en la senda de los colores pastel de la mano de Big Star o Teenage Fanclub, todos los que somos así, estamos en deuda con el sello alicantino Pretty Olivia Records, y yo además con mi compadre Chals conductor del necesario On The Route y que me presentó el sello y a varios de los grupos que por él desfilan como The Wellgreen o Star Trip, ambos han pasado con mucha gloria y sin nada de pena por esta casa.
Y ahora toca el turno a unos australianos, llegados a mi conocimiento también gracias a Chals, y que comandados por Joe Algeri, artista de talento demostrado a pesar de su poca repercusión mediática, responden al nombre de The Jangle Band.
La verdad es que esta razón social ya marca por si sola una declaración de intenciones sobre sus pretensiones artísticas, y estas no son otras que las ya apuntadas en el primer párrafo sobre lo que a algunos nos hace sentir la epidermis en estado de máxima alerta emotiva.
“Edge of a Dream” es el primer título que publican, bajo el sello alicantino, y su escucha no puede resultar más encantadora y refrescante.



No parece tener demasiado sentido ahondar más en consideraciones descriptivas sobre el sonido de The Jangle Band, ya esta todo dicho, lo que seguramente no estará por parte de muchos, es escuchado, y a eso vamos, a la escucha de estos diez temas que nos ofrecen y que completan un catálogo equilibrado y fluido, con diversidad de ritmos y sonidos, dentro de una temática estilística marcada y donde todos los elementos se aunan para lograr un disco excelente y refrescante.
Temas de encendidas armonías vocales como “This soul is not sale” de maravilloso estribillo sixtie y guitarras coloridas y dulces, la excitante “It won’t break”, o la pegadiza "282" que abre la caja del mago.
Si en las mencionadas el sonido brit es el que se lleva la palma, en "I love you too" o "Another light" se fijan en la costa oeste que sonorizasen los McGinn, Clark y compañía antes del verano del amor.



Ecos de aquellos Beatles que empezaban a intuir la psicodelia con "Kill the lovers", y las armonías vocales disueltas en guitarras juguetonas e inocentes, elevan espíritus en "Edge of a dream".
Vuelven aromas brit con la melancólica "Perth", y alegrías ye-yés con acordeones y mucha nostalgia para "Let me breath".
Notas folk, aullidos y frontera para terminar con la bonita balada: "Exile on Murray Street", hermoso final a un disco embriagador de sonidos jangle-pop que rememoran aquello que tanto gusta a los más afines a los murmullos y susurros, aquello que la gente de Pretty Olivia Records nos esta ofreciendo gota a gota, sorbo a sorbo.

Bandcamp donde escuchar y adquirir "Edge of a Dream":
https://prettyoliviarecords.bandcamp.com/album/edge-of-a-dream
Facebook de The Jangle Band:
https://www.facebook.com/janglebrothers/

martes, 29 de marzo de 2016

Primer tema del nuevo disco de Mudcrutch - "Trailer"


Será el próximo 20 de mayo el día que verá la luz el segundo disco de Mudcrutch, la banda de Tom Petty anterior a los Heartbreakers, formada tras la ruptura de aquellos con el sello Shelter Records.
Tras el disco que viese la luz en 2008 y de título homónimo, este año verá la luz: "Mudcrutch 2", continuación de aquél y que llevará al rubio rockero de gira por Estados Unidos a partir del 26 de mayo.
Acompañarán al chico de Florida los habituales: Mike Campbell, Tom Ledon, Benmont Hentch y Randall Marsch.
Y como un acontecimiento de esta índole requiere, aquí tenemos un tema de adelanto al esperado trabajo, una canción marca de la casa, con armónicas, guitarras de las que suenan a gloria y una melodía de esas irresistibles que acostumbran a fabricar los interfectos.
Como será difícil no, lo siguiente, verles por aquí, disfrutémosles en disco, empezando por este "Trailer".



lunes, 28 de marzo de 2016

Golpes Bajos - "A Santa Compaña" (1984)


Esta semana santa ha llegado a mis manos un vinilo cuyo contenido forma parte de mi formación musical, ha sido una sorpresa y muy agradable, pues el casette correspondiente a la publicación del mismo en 1984 fue un regalo de reyes del que suscribe cuando apenas contaba 13 años y la música formaba ya parte imprescindible de mi vida, aún esta en casa aquella cinta.

Me refiero a "A Santa Compaña" de Golpes Bajos, siempre he pensado que cuando en España la música encadenaba novedad tras novedad, cuando los nuevos sonidos empezaban a ser práctica habitual de los grupos de entonces y parecía que ya no había hueco para que saltase la sorpresa, entonces llegaron ellos y sorprendieron a todos, hicieron algo que no había una etiqueta clara a la que suscribirlo, no era tecno a pesar del uso de sintetizadores, mucho menos rock y tampoco new wave, era una especie de pop al que se le pegaban mil y una influencias a las que no se les encontraba un origen claro, pues se observaban desde ritmos caribeños e incluso de samba como en "Colecciono Moscas" o "La Reclusa", a la versión del clásico italiano "Come Prima" revisitado en la voz y fraseo de Germán Copinni, que hizo de su modus operandi frente al micro una de las señas de identidad de esta formación, también caracterizaba su sonido las lineas de bajo y las percusiones programadas típicas del tecno imperante en la época.

Las letras tampoco tenían demasiado en común con el resto de grupos de la movida o el rollo, textos rurales de ataque y mofa al costumbrismo de aldea con sus leyendas, muy evidente en "A Santa Compaña" o al entorno urbano de clase media-baja perfectamente reflejado en "Cena recalentada".
La mentada "Colecciono Moscas" es un claro alegato al vive y deja vivir, que sorprendió por el histrionismo en el discurso de Germán. También recogen la inicial secuencia de canciones y textos más sofisticados apuntada en los primeros temas del grupo: "No mires a los ojos de la gente" y "Malos tiempos para la lírica" en el single de éxito: "Fiesta de los maniquíes".



Originales reinvenciones de cuentos populares en la excelente "Hansel y Gretel" y cortes oscuros y opresivos como la inquietante "Hazme un nueve" forman parte de este sin igual cancionero, sin olvidar un tema como "La Reclusa", sobrecogedor alegato antiviolencia sobre un hombre al límite que descarga sobre su mujer sus debilidades y cobardías, una letra muy madura para una banda tan joven y muy de actualidad por desgracia, un tema sorprendente.
"Escenas olvidadas", que abre el disco, sigue siendo uno de los temas cumbres del grupo, con una estridente y brillante tela de araña sonora a base de acústicas y un texto sugerente.
Las composiciones eran de Teo Cardalda, quien además toca teclas, percusiones o guitarras y co-produce el Lp, presintiéndose en aquel chico de cara casi infantil de entonces la llegada un talento sin igual que no llegó a cuajar como muchos aseguraban con el paso de los años, las letras correspondían a Germán Copinni.



Se habló y se sigue hablando mucho de este disco, también del anterior mini elepé con el que se dieron a conocer, después el ocaso llegó tan rápido como la amanecida, tras meses de gloria publicaron el flojo "Devocionario" que supuso una de las decepciones más demoledoras de la década, los desencuentros entre Teo y Germán, las idas y venidas y la separación, agridulce y un tanto oscura, y desde entonces la leyenda, el recuerdo de un grupo que durante unos meses dominó el panorama español gracias a las composiciones de un joven con cara de niño y las frases de un tipo que cambió los alaridos punk de Siniestro por la surrealista expresión vocal de unas canciones que, al menos a mi, siempre me acompañarán, ahora también en vinilo.

domingo, 27 de marzo de 2016

Los domingos photosong...- Joni Mitchell - "The Jungle Line"


Termina la semana santa, terminan las vacaciones, las procesiones y la visita a iglesias, las saetas y los redobles de tambor, los capuchinos y las películas de romanos en televisión, nos despedimos de Moisés y de Juda Ben Hur hasta el año que viene.
Aunque para muchos lo que termina es el descanso, el relajo en un lugar escogido con mimo para pasar unos días alejado del mundanal ruido, da por finalizado un fin de semana largo para desconectar, disfrutar, hacer turismo cultural, gastronómico o fiestero...en resumen que se acabó lo bueno, dentro de nada tenemos el verano encima para seguir fabricando buenos recuerdos.
Pero en Rock and More...aún tenemos un cartucho en la recámara, una saeta, no una saeta al uso, pero una saeta en cierto modo, la última de esta semana de pasión.
Una saeta en clave de folk, o de folk-jazz en la divina voz de una reina como Joni Mitchell, en su voz y en el sonido en cierto modo claustrofóbico del maravilloso y no siempre bien tratado disco de 1975 "The Hissing of Summer Lawns", un álbum un tanto catedralicio por su sonido de interiores, que me parece que nos viene al pelo para cerrar esta semana santa.
He elegido el tema "The Jungle Line", espero que os guste, y ¡feliz vuelta a todos!!!



jueves, 24 de marzo de 2016

Grant-Lee Phillips - "The Narrows" (2016)


Fue el disco "Fuzzy" de 1993 el que me sirvió de presentación del artista que hoy viene a Rock and More..., Grant-Lee Phillips, entonces comandando su banda Grant Lee Buffalo y dándose a conocer con un disco de americana que hoy es para muchos un clásico imprescindible.
Desde entonces he seguido la carrera de este californiano asentado en Nashville de cerca, artista polifacético, pues además de cantante, compositor y multi-instrumentista, también se dedica a componer para cine y televisión, es artista plástico y actor, famoso por su aparición en la serie "Las Chicas Gilmore".
No es la primera vez que este tipo nos visita, ya protagonizó un post dedicado a su disco de 1998 "Jubilee", todavía como Grant Lee buffalo (pinchar).
Pero volvamos al presente, a este 2016 que nos trae de vuelta al Grant-Lee cantante, después de casi cuatro años sin tener novedades discográficas de él, nos regala este "The Narrows" para deleite general de quien quiera acercarse a su música y también como no, para los incondicionales.
"The Narrows" es un álbum producido por el propio Phillips, con canciones de su puño y letra y grabado en ambiente íntimo, acompañado de Jerry Roe (bajo, banjo, guitarra), Lex Precio (batería) y nuestro amigo que canta y toca practicamente todo; también colaboran en la grabación: Russ Pahl a la pedal steel guitar y Eric Gorfain al violín.


Se nota la influencia de la que es residencia de Grant-Lee desde 2013, el estado de Tennesse, en el sonido dorado y crepuscular, en las atardecidas vislumbradas en las melodías y en los horizontes insinuados en la voz, tranquila y sosegada, de hombre feliz y satisfecho, maduro y sin necesitad de girar la cabeza hacia atrás, sabedor de que los baches quedaron esperando a otros en el camino, perdiéndose en el retrovisor.
los trece cortes señalan a un Grant-Lee Phillips maduro y convencido de su música y de él mismo, trece textos reflexivos, sin estridencias, e introvertidos, sobre la vida en el estado dorado, sobre los días de tranquilos de la plenitud, trece melodías redondas, precisas y libres, de carne y hueso, de las que te crees, de las que posiblemente debería estar ofreciendo Springsteen desde hace unos años.
El disco puede ser acusado de no ofrecer novedades en lo que a producción o sonidos se refiere, pero tiene lo más importante, buenas canciones, realmente buenas, buenísimas.
desde baladas plácidas y cálidas como: "Cry Cry" o "No mercy in July" a otras más de pradera, de rayos de sol perdiéndose en el final del mundo, preciosas coplas como; "Yellow weeds", "Talking on Wight in Hot Spring" o "San Andreas Fault" de aullidos de steel y lirismo que hubiera empastado de lujo con Bruce, hermoso tema, sin olvidar "Smoke and sparks" delicioso primer single del lote; "Find my way" es una introvertida copla de autoconocimiento y madurez que cierra el disco de forma brillante.



Canciones más enraizadas y arcillosas sin perder ternura melódica ni voces acariciadoras, con maderas escoltando cuerdas y esencias country-folk tampoco faltan en tan exquisito cancionero, ejemplo de éstas son: "Moccasin Creek", la radiante y fugaz "Loaded gun" y "Holly Irons",
Y no podían faltar temas eléctricos, más rockeros aunque con el tinte amarillo del sol que ahora alumbra los días del autor, estribillos rodeados de amperios en "Tennessee Rain", "Rolling Pin" de ambiente a pub de carretera y la luminosa "Just another River Town".
Un disco excelente, menos rockero y producido que en otras ocasiones y con el sonido americana impregnado en cada segundo del Lp, con la convicción y la sinceridad sónica y literaria por bandera y el talento de un gran compositor y músico que vuelve por la puerta grande, con una colección de preciosos temas que no pretenden cambiar vidas, pero si solearlas un poco.

miércoles, 23 de marzo de 2016

Eskorbuto - "Anti-Todo" (1986)


La escena punk española no ha sido demasiado prolífica, me refiero al punk germinal, al que crece como plantas de desolación en el asfalto de los suburbios y en los lodos de la marginalidad, de aquél que expandió su capa de rabia y odio por todo el planeta durante una época que termino pronto pero dejo impronta de terrible justicia, predeterminación al ocaso y dones proféticos de un pesimismo que no se aleja demasiado, visto el planeta hoy, del pronosticado por aquellos textos inconexos y nublados por la mezcolanza de sentimientos dañados y dañinos.
A La Banda Trapera del Río, a la que debemos uno de los trabajos más auténticos, crudos y desesperados de la historia de nuestro rock, con aquél mítico y corrosivo debut de título homónimo de 1979, se le suma este "Anti-Todo" de los Santurtzitarras Eskorbuto.
En algo más de 24 horas este trío condenado a la velocidad existencial generó un coctel de nihilismo, auto-destrucción y plasmación de repugnancia a lo que ofrecía la sociedad y la política como pocas veces se ha transcrito en este país.


Todas las canciones escritas por Iosu Espósito, Juanma Suárez y Pako Galán, terceto que conforma la formación en esta época, sin duda la más lúcida y brillante del grupo.
Los textos claman contra una vida con fecha de caducidad y casi apostando por la desaparición como una meta deseable, rugen contra estamentos y costumbres, contra el ser humano como ente decadente, y contra todo lo que se les pone a tiro, y lo hacen con claridad, lenguaje infectado de intención, y lo colocan en estribillos directos y demoledores, con vocación de himnos de cloacas, y siempre con proclamas mesiánicas y dogmáticas.
Y con todos estos ingredientes se cocina, en unos años en los que la situación en la margen izquierda de la ría Bizkaina era más gasolina para la cacerola, un caldo de pesimismo, decadencia, provocación y nihilismo tan venenoso como sugerente, y como se ha visto con las décadas, inapelable y permanente.
Con una producción rudimentaria basada en guitarras distorsionadas que carraspean con rudeza y anarquía, bajos poderosos con lineas a lo Bauhaus, y una batería machacona, todo al servicio de unas melodías mucho más delineadas de lo que cabría esperar; así se van sucediendo puñetazos sonoros como "Historia triste" que señala el final vital como un mal menor a una vida triste y abominable.



"De ti depende" es un exabrupto gritado a un mundo que parece sordo, con cierto tono amenazante y un estribillo muy punk, un tema agresivo. No lo es menos "Es un crimen", todo un alegato contra todos los estamentos de poder, parlamentos, sindicatos...alusiones a poltronas, al paro, a la miseria o a la humillación, se llega a cantar sobre plomo malgastado en cuerpos innecesarios, absolutamente delirante tema que va en la onda de la exageración tan propia del movimiento antisistema.
En cambio "Mata la música", con un bajo casi disco y silbidos tiene un aire funky de delirio discotequero, "Anti-Todo" es un vertiginoso y furioso corte de frenético ritmo y vocalidad descarnada, alegato a la rabia en menos de dos minutos.
Se comentó que "Haciendo Bobadas" tiene como objetivo a la antigua izquierda abertzale, haciendo coincidir las siglas HB, no puedo certificar que así sea, como tampoco el rumor de que "Cuidado" sea un tema que tenía como objetivo a La Polla, que habían acusado al terceto de Santurtzi de robarles una guitarra, lo cierto es que los de Evaristo contestaron a este tema con "El Avestruz", más allá de las anécdotas, este es un tema magnífico, con un bajo galopante y un estribillo pegadizo, uno de los temas más recordados de los Eskorbuto.



"Tamara" tiene una letra que hoy no podría grabarse con toda seguridad, un tema que en mi juventud me encantaba y en el que hoy observo una letra con connotaciones violentas hacia las mujeres que no parece acorde a los tiempos, no obstante es un corte que recuerda a Bauhaus por lo oscuro, sádico y psicótico de su linea de bajo, cantada con veneno y lascivia, una canción inquietante.
La joya de la corona de Eskorbuto y uno de los hitos del punk en castellano es "Cerebros destruidos", tema apocalíptico hacia el hombre, odio, pesimismo y destrucción, con la muerte como elemento de culto, terrible final con ese repetitivo "Ya estáis muertos...".
Finaliza el disco con "Ha llegado el momento (El fin)" donde se apuesta por un final de la humanidad sepultada por su propia fuerza destructiva en una guerra mundial.



Álbum icónico del punk en España, con todos los ingredientes del género y que supone en parte una biografía de los componentes míticos de la banda, el final del que tanto hablaban llegó pronto para Iosu y Juanma, ambos murieron en 1992, víctimas de su adicción a la heroína, Pako siguió un tiempo más con otros componentes, no obstante el grupo tras el mítico 1986 empezó una cuesta abajo musical que iba en paralelo al deterioro de salud de los miembros del grupo, haciendo de sus vidas una canción más, por supuesto, un punk.

martes, 22 de marzo de 2016

53 años de la publicación de "Please, Please Me", mis cinco favoritas.


Aquel disco que se grabó en escasas 10 horas y dio inicio a un capítulo irrepetible en la historia de la música vio la luz tal día como hoy hace 53 años, posiblemente aquella jornada en la que se finiquitaron los 14 temas que conformaron el álbum paso ajena a toda sombra de predicción en torno a lo que ocurriría en los meses posteriores con lo que se estaba cocinando en los estudios de Abbey Road (entonces Estudios EMI de Londres).
Aunque realmente lo que se grabó aquel 11 de febrero fueron solo 10 canciones, los singles que ya estaban sonando a todo trapo en todos sitios ya estaban grabados con anterioridad.
La importancia del disco es evidente y notoria, fue un pistoletazo de salida y causó una conmoción que por espectacular que fuese, solo era el principio de un sueño que a pesar de mi John, sostengo que aún no ha terminado.
Visto con perspectiva no diré que se trate de mi disco favorito de los Fab-Four, ni siquiera de mis favoritos, pero como estos elemento no hicieron álbum malo, y la importancia de este debut es tan flagrante, y encima hoy es su efeméride, pues se me ha ocurrido distraernos de las miserias de este planeta que se derrumba a base de bomba incendiaria y cataclismo de inmoralidad, recordándolo y citando las que para un servidor son las coplas más chulas, a ver que os parece:

1 "I SAW HER STANDING THERE".
Un rock and roll de libro, histérico y adrenalítico, una de las obras rockeras cumbres de la banda y una de las composiciones mas perfectas de Paul, inmortal, con versiones maravillosas, imposible mantenerse impasible ante él.




2 "DO YOU WANT TO KNOW A SECRET".
George cantando con aquella voz hermosa y un tanto ingenua de cuando era tan joven, un tema romántico y un poco naif, simplemente hermosa y mimosa.




3 "TWIST AND SHOUT".
Evidente mejora con respecto a la versión original de Top Notes, la voz de un John acatarrado, donde se escucha la tos de éste y el ritmo feroz que imprimen a la partitura hace de éste clásico una versión de referencia.




4 "BOYS".
Tema recuperado de las sesiones de The Cavern, primer tema que canta Ringo y que además siempre me gustó, que el mítico batería se iniciase como cantante es motivo más que suficiente para que este aquí.




5 "PLEASE PLEASE ME".
Segundo single del grupo, primero en USA y este si que fué el ¡boom! que desencadenó la locura, número 2 en singles en UK y 3 en USA, además será una de las primeras aportaciones decisivas de George Martin al acelerarla y convertirla en un tema single 100%, imposible no bailarla.



lunes, 21 de marzo de 2016

The Who - "Who's Next" (1971) - Artistas de los que nunca había hablado.


La semana pasada se oficializó la parada de The Who en este país para el próximo mes de junio, en Madrid, en ese festival que se presenta este 2016 bautizado como Mad Cool, y en el veterano ARF.
Noticia apabullante para los fans del cuarteto británico, aunque hubiese sido mejor una visita fuera de la programación restrictiva de un festival, pero como se suele decir...- Es lo que hay -.
Inmediatamente me dí cuenta de que nunca había hablado de The Who, y no será que no me gusten, tanto o más que el jamón, es que no había cuadrado, y claro, ¿qué mejor ocasión que ésta?, haciendo coincidir el celebrado anuncio con la primera reseña en este humilde rincón de los Townshend, Daltrey, Moon y Entwistle.
Y eso que desgraciadamente los últimos citados ya no están, y es una catástrofe, pues mucho y muy fino hay que hilar para encontrar y plantear un dúo rítmico mejor que el que formaban el discreto John y el disparatado Keith, absolutamente demoledora su actuación en los temas compuestos por Pete y cantados por Roger, nos conformaremos con estos dos, que evidentemente no es moco de pavo, leyendas vivas y una medio sorda, pero aún al pie de los amplis.
¿Qué disco comentar?...esta era otra, pero tras sesudo interrogante contra mi mismo, me decanto por dos, los que más me gustan por motivos totalmente distintos: "The Who Sell Out" y "Who's Next". Me termino decidiendo por este último para no ser acusado de original y rebuscado.
Pero además es que el grupo estaba en plena explosión creativa y de madurez en cuanto a sus cometidos musicales en aquel 1971, Pete se ha convertido en un compositor de raza, capaz de catalizar musicalmente todo su universo interior, que no es poco ni controvertido, Roger canta como nunca, su instrumento tiene una luz que fulmina tímpanos y acaricia fibras, Keith es el batería más imaginativo y excitante del momento y John con su bajo ata todo con efectividad y talento por carretillas, un bajista de referencia, uno de los más grandes.
"Who's Next" tiene su origen en una ópera rock concebida por Townshend que habría de ser titulada "Lifehouse", imposible de llevar adelante según ciertos individuos y estamentos, acarreó una fuerte controversia, que casi lleva al bueno y complicado Pete a una crisis más profunda de las habituales y que provocó un fuerte enfrentamiento con el productor Kit Lambert, finalmente al guitarrista le tocó ceder y abortar el proyecto, aunque lo desarrollaría parcialmente en futuros trabajos en solitario.
No obstante algo quedó de "Lifehouse", algunas canciones y conceptos que verían la luz en esta obra maestra conducida por un nuevo productor, el gran Glyn Johns.


Destaca en el conjunto el novedoso uso de los sintetizadores y la energía de las guitarras de Townshend, la brillantez y el ataque desaforado de Daltrey, que domina el golpe de glotis de manera tan contundente como el falsete y la media voz de forma tan lírica y sublime, y la base rítmica, intrépida, colorista y nerviosa, brillante y definitiva, en algunos momentos lo más sublime de todo lo irrealmente magistral que encierra este álbum.
Y no podía faltar un tracklist compuesto por nueve temas, ¡que digo temas!!!, nueve diamantes musicales en bruto, perfectos y que aún en estos días resultan modernos, novedosos y que desafiaron modas y tendencias, siempre me ha dado la sensación de que nadie más se vuelve a atrever con un sonido similar al aquí destilado a base de electricidad, sudor, vértigo rítmico y dulzura.
Habar de "Baba O'Riley" y su pionera entrada electrónica, ya mítica, o el violín que araña Dave Arbus al final, la velocidad y el tormentoso sonido de las guitarras de Pete enredándose con la voz derrochada y mezclada con neón (por la luz) de Roger en el estribillo de la imponente "Bargain".
Las acústicas y las esencias campestres de "Love ain't for keeping", el temazo compuesto por Entwistle y titulado "My life" con impronta imperecedera de los parches de Moon, vientos y todo lo habido y por haber.



Pianos con Nicky Hopkins de protagonista, acentos cabareteros y la quebradiza voz de Pete aportada en "The Song is over", continua pulsando teclas el inefable Hopkins en la preciosa: "Getting in tune" de sugerente linea de bajo.
"Going mobile" es un tema de desaforada inercia melódica, base rítmica de otra galaxia y un final rompedor, temazo total y definitivo.
De "Behind blue eyes" poco se puede decir que no lo diga la canción en si misma, una melodía perfecta y una producción impecable, sentimientos dibujados a fuego sobre las voces y un lirismo pocas veces tan logrado, con arranque eléctrico que convierte el tema en firma de la casa, la cara y la cruz de un grupo total.
Y nos dan puerta con un trallazo de esos inapelables, de los que se llevan por delante a todo quisqui, un tema absolutamente desbordante: "Won't get fooled again".
Más vale tarde que nunca, y bien merece la ocasión un primer post sobre The Who, tras algo más de cuatro años con Addi dando la lata por la blogosfera y aún no nos los había traído, disfrutaremos de su legado y ahora también de su directo, y en verano por estos lares.



domingo, 20 de marzo de 2016

Los domingos photosong - Miguel Ríos - "Reina de la Noche"


Últimamente los horarios en el curro me están haciendo la puñeta a la hora de asistir a conciertos, se amontonan todos los que deseo ver en días de curro, por lo cual o no tengo tiempo para verlo entero o para cuando quiero llegar esta terminando, un asco oiga.
El caso es que los hecho de menos, y mucho, tengo entradas para unos cuantos y he tenido que pedir días de vacaciones para poder verlos como dios manda, que se le va a hacer...
Así que he pensado para este retorno a la sección fotográficomusical con un directo, uno de campanillas al que le tengo un especial cariño, pues siempre digo que tal vez, es posible, que el disco que más veces he escuchado en mi vida sea el "Rock & Ríos" de don Miguel Ríos, cuando con muy pocos añitos empezaba a enloquecer por esto del rock and roll.
Vamos con uno de mis temas favoritos que sonaba de vértigo en aquel mítico concierto: "Reina de la Noche"
Feliz domingo!!!


sábado, 19 de marzo de 2016

Doce bandas valencianas de postín para celebrar el día del padre y de Valencia.


Hoy es San José (¡¡¡toma perogrullada!!!), también el día del padre, y por supuesto fiesta mayor de Valencia, osea, las famosas Fallas, la mascletá, las cremá de las fallas y espero que mucha felicidad y buen rollo para los valencianos que así lo deseen.
Tengo unos cuantos amigos por allí, un privilegio para el que suscribe y dentro de poco pisaré esa tierra que hasta ahora no conozco, asi que por un día no quiero que la política y los políticos marquen (desgraciadamente para mal) la actualidad valenciana y quiero hacer mi propia mascletá musical, para felicitar a todos los valencianos, los Josés y los aitas del mundo mundial.
Así que vamos con una relación de grupazos valencianos de postín para armonizar esta felicitación, son doce pero podrían ser más, el panorama valenciano en lo del rockerío es impresionante...
¡Zorionak!!!


DOCTOR DIVAGO.




LA GRAN ESPERANZA BLANCA.




NINO BRAVO.




MAD ROBOT.




CAROLINA OTERO AND SOMEONE ELSES.




UZZHUAIA.




LOS RADIADORES.




SENIOR I EL COR BRUTAL.




JULIO GALCERÁ.




AMBROS CHAPEL.




STAR TRIP.




LANUCA.



viernes, 18 de marzo de 2016

Pete Astor - "Spilt Milk" (2016)


Hace muchas semanas que la existencia de este disco llegó a mis oídos por mediación de mi gran amigo y maestro Jesús, el profesor del cierzo (pinchar).
Desde entonces he leído no pocas reseñas, todas ellas elogiosas y que invitaban a la escucha de este "Spilt Milk", aunque la realidad es que ésta se ha ido demorando sospecho que en demasía.
Poco sabía de este artista británico, de su andadura en solitario prácticamente nada, y de sus anteriores proyectos solo un poco y de oídas, algún apunte de sus tiempos de The Loft y The Weather Prophets, ahora me doy cuenta de que esta desidia con respecto al señor Astor puede clasificarse de error por mi parte.


Pero ahora me permito decir que esta equivocación empiezo a enmendar con la escucha de este delicioso "Spilt Milk", un disco de elegante pop, formado por melodías moldeadas con un gusto y cuidado por las formas propio de un entregado artesano, de esos que en su torno dibujan volúmenes de barro, pequeños, pero de una sencilla hermosura que resulta difícil apartar la vista de sus contornos, así son las canciones que se engarzan en el hilo conductor de este trabajo; un hilo que coincide en sonoridades de guitarras y dulcineas armónicas con el que emplean otros orfebres, también conocidos por estos lares, como: Shmohawk, The Wellgreen, William Duke o The Ultimate Painting.
Con esta argamasa Astor levanta mini-monumentos como: "Really Something", un tema pop caracterizado por la perfección melódica y las saltarinas guitarras que acarician con su chispeante crujir, dando pistoletazo de salida a un tracklist que no deja de deleitar.
Y comienza el deleite con la preciosa: "Mr. Music", de hermosas guitarras y bello discurrir melódico, "The right hand" de seco golpeteo rítmico y acordes que rugen con miel en sus voces y un cierto sabor campestre de la escuela de Neil Young.
La melodía y la voz de Astor se unen a las guitarras para acercarnos un poco al cielo en la preciosa: "Perfect life" que da paso a "The getting there" que nos devuelve a entornos y aromas de campo.
Sobre una base programada se desliza: "Very good lock" y con "Good enough" vuelven las melodías y las guitarras de hermosa inocencia casi infantil.



Reptante la voz en la oscura "There it goes" con aullidos eléctricos a su espalda, y a continuación: "Sleeping tiger" que es otro momento determinante de este brillante cancionero.
Y deja de girar el torno con un corte de esencia ochentera, muy británico, muy pop, y muy efectivo titulado: "Oh you".
Vivimos días en los que el pop marca tendencias, ese pop de armoniosas formas melódicas y sabrosos aunque ligeros sonidos, pequeñas construcciones que nos alejan de grandilocuencias pero nos ponen ante la belleza de lo sencillo y rudimentario, como las obras de los artesanos, de los orfebres, como Pete Astor.

jueves, 17 de marzo de 2016

Le Clotêt Avec Garcés - "Pasen, Acomodense y...Salgan por donde puedan" (2013).


Hace unos meses se dirigió a mi un músico llamado Hussein Garcés, me presentaba su  proyecto discográfico para que lo escuchase y le conociese con el nombre con el que ha sido presentado: Le Clotêt Avec Garcés.
Indagué en su día y encontré diversas referencias al artista y al disco que de modo totalmente artesanal grabó y publico en 2013, este álbum que responde al intrigante título de "Pasen, Acomodense y...Salgan por donde puedan".
Entonces descubrí que se trata de un artista catalán con ascendentes argelinos, que como tantos otros ha tenido que buscarse la vida para elaborar un disco, auto financiando el proyecto y dándolo a conocer a golpe de red y contactando personalmente con todo aquél que pudiese resultar receptivo a una música que no es precisamente ortodoxa ni lo de siempre.
Debo admitir que la saturación que nos acosa, con tantos discos pendientes de una escucha digna y como dios manda, el ritmo de vida que llevamos en el que en ocasiones mantener un ritmo aceptable de entradas en esta bitácora (y en el resto imagino que igual), es posible únicamente escatimándole horas al sueño o a otras facetas de la vida privada, y la memoria del que suscribe que no es lo que era, han propiciado que las semanas fuesen desapareciendo en el calendario, que también ha cambiado de guarismos, quedando el señor Garcés en tierra de nadie en mi memoria, y la de mi ordenador.
Pero entonces mi amigo Niko, perfectamente conocido por todos, se destapó con un excelente y muy ilustrativo post sobre autor y obra (pinchar) en su inigualable isla que me trajo a la memoria mi primera intención, cuando conocí por las redes sociales a Hussein.


Y la vedad es que el logro que ha alcanzado LCAG no es nada desdeñable, su disco ha obtenido magníficos resultados en otros países (no en éste claro), como Finlandia, Bélgica e incluso Estados Unidos, llegando a sonar alguno de los cortes que lo conforman en radio formulas de allí, todo esto lo explica de forma estupenda Niko en la reseña enlazada más arriba.
Así que no me enrollo más y paso a relatar mis impresiones sobre este Lp, osado y creativo en su concepción, vaya por delante esta evidencia, el artista bautiza este sonido como: Folkgrunge (TM), término que incluso tiene registrado, y no es descabellado esta nomenclatura a tenor de lo que se escucha al pinchar el disco, pues además de las acústicas que dan carta de naturaleza al folk, no es difícil descubrir entre las costuras de estos temas esencias grunges identificables con formaciones como Pearl Jam o Sonic Youth, también Neil Young ejerce una influencia evidente sobre algunos cortes como la excelente: "Dovelike Man", en la que también se evidencias influencias del folklore bereber que por motivos lógicos han influenciado a Garcés, y ciertos tics del grunge más introvertido.
Más plausible se vuelve la influencia del folk familiar en la sorprendente: "Manual de instrucciones para pelirrojas", y en "God was Anunnaki" el  canto en falsete se alía con unas guitarras elementales pero efectivas, para ofrecernos un tema de esencias enraizadas en el desierto pero con la fuerza del rock de vocación eléctrica, un corte estupendo.



Quizás "Cansautor" sea el tema que más raíces patrias tenga, cantado en castellano, con voz estropajosa pero lírica, muy sugestivo sin duda; como también lo es la limpia melodía de "Matando mi muerte", con una esencia eléctrica que define el tema.
Tras el instrumental "Batman en Coripe" de oscura y densa atmósfera guitarrera, de ataques de infecciosa electricidad llega: "Spies in the city of the world" atrezzo sónico y sugestión que me recuerda a la oferta que nos hizo Rafael Berrio  hace unos meses con su imprescindible "Paradoja".
Y se pone punto final con la extensa - casi nueve minutos - "Dragones y Mazmorras", donde el Young de los temas arenosos de "EKTN" como "Cowgirl in the sand" asaltan mis neuronas, causando un inevitable efecto hipnótico.



Un disco interesante como pocos, atrevido, con una personal apuesta sónica pero que funciona, convence y resulta mucho menos escabroso recorrerlo de lo que puede parecer en principio.
Si no me creen, les dejo en enlace a su bandcamp donde descubriran que es un disco que merece mucho la pena.
https://leclotetavecgarces.bandcamp.com/

martes, 15 de marzo de 2016

And Cine by Addison de Witt... "Princesas" (2005)


LOS QUE LA HICIERON:

Dirección: Fernando León de Aranoa, España (2005).
Reparto: Candela Peña, Micaela Nevárez, Mariana Cordero, Llum Barrera, Mónica Van Campen, Luis Callejo, Antonio Duran.
Guión: Fernando León de Aranoa.
Música: Manu Chao.
Fotografía: Ramiro Civita.

LO QUE PASA:

Caye (Candela Peña) es una chica triste que ejerce la prostitución, se anuncia en el periódico y continuamente la llaman al móvil reclamandole sus servicios, su familia permanece ajena a su situación.
Su vida y su trabajo tienen lugar en un barrio obrero, de la periferia, donde las otras chicas se reunen en la peluquería del barrio, desde allí ven pasar la vida, su vida.
Observan mientras destapan sus pensamientos más podridos, como las nuevas chicas de la calle les quitan trabajo, todas son inmigrantes que se buscan el sustento en los descampados, asaltando a los transeúntes, jugandose la salud y rebajando precios para mandar plata a sus familias.

Un día Caye conoce a una de esas chicas, Zulema, es vecina y tiene el par de tetas con el que Caye sueña, una delantera que le hará trabajar el doble. Entra alertada por la música, demasiado alta, en el piso de Zulema (Micaela Nevárez), allí se la encuentra en el baño, tras una paliza del cliente, un sádico que la persigue y engaña prometiéndole los papeles.
Zulema y Caye se hacen amigas, intercambian inquietudes y miedos, esperanzas y tristezas, empiezan a soñar, Zulema trabajando de educadora fugázmente y Caye conoce a una especie de novio que le durará poco por empeño del destino, juntas consiguen ser, siquiera por una noche princesas en lugar de putas.

LO QUE PIENSA ADDI:

El barrio, la inmigración y el miedo se mezclan en la peluquería para darnos una visión de la vida de unas prostitutas callejeras, libres y sin chulo, pero esclavas del miedo al mañana, y también al ayer.
Con un guión que rezuma tristeza y soledad, características que definen a Caye, Aranoa nos muestra una historia de amistad y esperanza, miedo y valor, lucha y derrota.


El personaje de Candela Peña se define desde la baja autoestima, el coraje sin roñoserías del que hace gala el personaje es tan mal administrado por este que Caye se ve hundida una y otra vez en una casilla de salida que cada vez esta más embarrada, y en el camino ante ella la luz cada vez es más tenue, de su boca salen frases tristes, de futuros sin credenciales y pasados sin recuerdos, la soledad define a una mujer joven que según avanza el film el espectador descubre que es un excepcional ser humano, fuerte y que mira la a la vida a los ojos, pero que no sabe de su grandeza.
Zulema es más brillante, la sonrisa acude a su rostro más amenudo a pesar de la vida que le toca vivir en la ciudad, temiendo el engaño del sádico que la acorrala bajo puños y violaciones, su familia y su hijo la hacen fuerte, y tiene, al contrario de Caye, un objetivo nítido, volver con los suyos y dar mejor vida a su hijo, es ayudada por Caye, pero no esta claro que ella pueda ayudar a su amiga aunque lo intenta.
Película de guión y ritmo adecuado, perfecta en ambientación y donde se observa a la mejor Candela Peña, música que acompaña lo que filtra el objetivo, con canciones callejeras y melancólicas de Manu Chao que vienen muy bien al argumento y a las imágenes, en una textura nebulosa de documental televisivo muy apropiada.
Muy buen film que siempre suelo observar cuando creo que la soledad y la tristeza llaman a mi puerta, porque nadie esta tan solo ni triste como Caye.

lunes, 14 de marzo de 2016

Martin Courtney - "Many Moons" (2015)


A punto de completar el primer trimestre de este 2016 y un servidor sigue rescatando discos del pasado curso que se quedaron en el tintero.
El primer trabajo en solitario de la voz de Real State: Martin Courtney esta en mi poder desde pocos días después de su publicación allá por el mes de octubre, pero no ha sido hasta estos últimos días que me he metido a fondo con él, por cierto que responde al título de "Many Moons".
Aunque si tenía bien archivados los temas que fueron lanzados como singles de promoción del mismo: "Vestiges", "Northern Highway" o "Airport Bar" que aportaban una idea clara de lo que el álbum encierra, el resto del cancionero no lo había escuchado con la merecida atención.
Existe una cualidad física muy definida en el timbre vocal de Martin Courtney, una cierta ingravidez que hace de su instrumento algo etéreo, sedante y liviano, muy personal y que con el ropaje adecuado, que no es otro que sonidos igualmente etéreos y gaseosos, conforma un sonido que parece levitar, casi místico y de cierta nostalgia.
Si además le añadimos bonitas melodías y textos melancólicos y poéticos al lote, nos encontramos ante un bonito disco de pop acústico, muy engarzado con sonidos de este palo como pueden ser los de la banda Woods, no en vano Jarvis Taveniere, miembro de la formación norteamericana interviene en la grabación.


Además de los tres cortes mencionados, entre los que me enciende de forma especial el luminoso "Northern Highway", preciosa melodía bañada por un brillante sonido pop, y el encanto de folk furtivo de "Airport Bar", nos encontramos con el corte de título homónimo, un instrumental de sonidos místicos, con protagonismo de maderas y cuerdas.
Canciones de soporte acústico y vocalidad onírica como: "Awake" o "Before we begin", ambas de envolvente nostalgia.
Se detectan ciertas esencias Beatle en cortes como: "Asleep" y "Focus", ambas con un cierto peso sónico y el inevitable protagonismo de la tímbrica voz del protagonista, siempre bien apoyado por unas coros meticulosamente colocados (como en todo el disco).
Mucho brillo y lirismo en la delicada: "Foto" y en "Little blue" nos encontramos con un folk a lo Joni Mitchell en cuanto a su esencia sonora.
Un disco agradable y bonito, recomendable para escuchar tras una ventana salpicada por gotas de lluvia, con una taza de café o chocolate caliente y no tener prisa por nada.



sábado, 12 de marzo de 2016

¿Hay vida después de "Mad Men"?


Dicen que vivimos sumergidos en la edad de oro de las series, posiblemente sea cierto a tenor de las muchas que ya son consideradas clásicos, y que han sido facturadas en lo que llevamos de siglo y los últimos cursos del anterior.
Si a esto sumamos el entusiasmo que despiertan las sucesivas temporadas de muchas de ellas, las favorales y unánimes críticas que uno lee y escucha de algunos títulos, el evidente negocio floreciente que representan en TV y DVD, programandolas las primeras en plataformas de pago y en ventas, muchas veces superiores a la de los discos, en el segundo caso.
No me considero un experto en este tema, pero si que he visto alguno de los títulos más rimbombantes de los canales HBO y AMC, por ello admito que en más de una ocasión me he visto atrapado por alguna de estas series, sintiendo el paso del tiempo en la frente, contando los segundos por gotas de sudor de impaciencia cayendo por mi rostro.
Y lo cierto es que mis visionados desde el punto de vista cronológico, sufren un retraso inaceptable, tanto es así que ayer terminadé "Mad Men", serie que hace varios años me sugirió mi hermano, y que yo he empezado a visionar hace unos meses, (pasando de mi hermano evidentemente) cuando ya había terminado su emisión.
Durante estas semanas me he acostumbrado a convivir con Peggy Olson, Joan Holloway, Roger Sterling, Peter Campbell, Betty, Megan, Sally, Cooper...y por supuesto Don Draper...
Cuando la música de la cabecera sonaba, me permitía un acertijo conmigo mismo...¿cómo solucionará Don tal asunto?, ¿cómo reaccionará Peggy ante este nuevo reto?, ¿descubrirá Megan que Don tiene un lío con la vecina?...las resoluciones nunca decepcionaban, siempre resultaban brillantes y creíbles...y de paso veíamos circular ante nosotros famosas marcas publicitarias que eran representadas por Sterling/Cooper, la agencia de publicidad en la que todos los personajes confluyen, y que con los años irá modificando su nombre y equipo societario.
Según avanzan las siete temporadas de la serie vivimos las aventuras personales de unos personajes que es difícil no amar, a excepción del ambicioso y rastrero Harry Crane, y se ve desde un punto de vista americano, burgués y en ocasiones de humana objetividad acontecimientos de la historia reciente americana, a lo largo de los años sesenta.
He leído que es una serie en la que no pasa nada, en efecto no hay nadie que se tire desde azoteas segundos antes de estallar una bomba, ni asistimos a persecuciones vertiginosas por las calles de la ciudad, pero ocurren muchas cosas, muchas...cosas de hoy y de ayer, miserias de siempre y para siempre, personajes vivos que viven y vivirán, que sufrirán su única forma esclavizada de vivir.
Tras el último capítulo, con uno de los finales mas maravillosos que he visto jamás, hoy, desolado y meditabundo me pregunto: ¿Hay vida después de "Mad Men"?.

viernes, 11 de marzo de 2016

Quique González y Los Detectives - "Me mata si me necesitas" (2016)


Son muchos los años que lleva un servidor tras los huesos y las melodías de Quique González; evidentemente esto no es ni un mérito ni un defecto, pero si proporciona una idea bastante certera - al menos sobre el papel - de lo que cabe esperar de un nuevo disco del madrileño.
Con esto quiero decir que "Me mata si me necesitas" es un disco de Quique Gonzalez, he leído algunas cosas que aún estando de acuerdo con ellas, vaya adelantado que se trata de un disco excepcional, no he terminado de entender ciertos aspectos sobre lo novedoso o diferenciador de este trabajo con respecto a otros precedentes, no veo tales diferencias.
Cierto que ahora se hace acompañar de Los Detectives, que no es sino la banda que le ha acompañado en los últimos tiempos sobre los escenarios con magníficos resultados que se ratifican aquí, que este lote ha sido grabado en Barcelona en lugar de en Nashville como los dos anteriores, y que el productor es el habitual de colegas de Quique como Iván Ferreiro o Love of Lesbian, el reputado Ricky Falkner, líder también de la interesante banda Egon Soda, en sustitución de Brad Jones que se encargo de los controles en los mentados trabajos americanos.


Y tal vez esto tenga que ver con un cierto alejamiento de las sonoridades country-folk típicamente americanas de los Lps con Jones; desaparecen las steels y algunos vientos que dan cierta carta de naturaleza a aquellos, en especial a "Daiquiri Blues" (2009).
Pero el rock de Quique sigue sonando americano, menos enraizado, no tan de pradera, pero el genoma de su sonido sigue teniendo sus ancestros en el país del Tío Sam.
Aparecen en esta entrega unos violines - gran trabajo de Eduardo Ortega - que le otorgan un cierto poso continental, folk, pero del de aquí, del europeo...y sus canciones siguen siendo lo que siempre han sido, historias musicadas con cierto regusto a cantautor triste y tabernario, con base acústica y eléctricas sinuosas, teclas repletas de ortodoxia y emoción a raudales, con latidos de subidón y bajones de melancolía, osea, firma de la casa.
Pero "Me mata si me necesitas" consigue, como creo que también consiguió "Delantera Mítica", una redondez absoluta, un recogimiento emotivo inigualable y una enjundia en el conjunto: melodía/sonido/texto que invita a considerar a Quique Gonzalez, en una madurez evidentemente alcanzada para lo bueno, como uno de los grandes creadores de canciones de lo que llevamos de siglo, con pocos elementos que se puedan permitir hacerle sombra.
Destacar temas en un cancionero de tal equilibrio como el que hoy estamos tratando se me antoja una temeridad, todo es notable, con momentos en los que se detiene el tiempo, densidad que casi se masca en "Cerdeña", miradas de reojo a Ryan Adams en "Charo" con Carolina Nina de Juan (vocalista de la banda Morgan) haciendo de Lucinda. Los violines que hacen dorada aparición en "Ahora piensas rápido", en la magistral: "No es lo que habíamos hablado" de aire pantanoso en teclas y ambiente, o en esa maravilla de dolor disuelto en folk y rock, oda a la perdida irreparable que cierra el disco de forma sobrecogedora y que se titula: "La casa de los padres".



Nos viene a la cabeza de nuevo el enfant terrible de Jacksonville en: "Sangre en el marcador", y a mi particularmente, el no demasiado de mi agrado Elton John, en las martilleantes teclas del piano del inicio de la rockera y estupenda "Relámpago".
Y el tema firma de la casa que abre el disco: "Detectives" o el fantástico single de presentación del Lp: "Se estrechan en el corazón" que no desentonan en absoluto...un cancionero completo, emotivo y de una madurez que hace de "Me mata si me necesitas" un disco extraordinario, uno más, y tal vez mejor, de Quique González.

jueves, 10 de marzo de 2016

Jose Casas y La Pistola de Papá - "Memoria de una Pistola Invisible" (2016)


No resulta serio que me vea obligado a hacer las presentaciones, pero por si alguno de los presentes no lo conoce, les presento a Jose Casas, guitarrista, teclista, compositor y en la actualidad incluso cantante de la banda Jose Casas y La Pistola de Papá.
Digo que no me parece serio porque un tipo con la trayectoria del sevillano no debería resultar desconocido para ningún melómano, al menos de este santo país, sospecho, y creanme que me alegraría equivocarme, que el bueno de Jose (sin tilde), no es conocido como debiera, al menos fuera de su Sevilla.
Así que me permito la licencia de a quien no sepa del arte de este amante de los Kinks (no perderse su banda tributo a los de Ray: The Village Green Experience), oficiar las presentaciones con el comentario de este: "Memorias de una Pistola Invisible", álbum recién publicado hace apenas unos días, y cuya escucha y posterior adquisición, si es que alguien se puede resistir a soltar la gallina tras degustar estos once temas, es posible en el bandcamp del grupo:
https://josecasasylapistoladepapa.bandcamp.com/

Jose Casas viene haciendo esto que él sabe hacer (y muy bien) desde los ochenta con la mítica formación Helio, en 2003, una vez disuelta ésta, publica su primer disco en solitario, el estupendo: "Plasticland" que no es hasta tres años más tarde cuando es editado en condiciones, le acompaña en los conciertos de defensa del álbum una banda formada por Julio Zabala (guitarras, teclas), ÁlvaroMárquez (bajo) y Tony Gabilan (batería), estos forman La Pistola de Papá que desde entonces no solo acompaña a Jose sino que firma los discos junto a él.
Y la última firma precisamente la habían estampado en junio de 2013, en la portada del EP de versiones: "Canciones del Kilometro Cero".
Pero aunque sospecho que ha costado y no poco, por fín, dos años y medio después, ya esta aquí el nuevo catálogo del grupo, este "Memorias de una Pistola Invisible" que no deja de sonar desde hace días allá donde un servidor se encuentre.
A la temática pop de esencia sixtie y un powerpop encendido, se une algun teclado que da un toque lisérgico a algún tema, a lo Beach Boys si ustedes quieren, y unas ingeniosas, divertidas y en cierto modo un tanto desilusionadas letras.


Empezando por el final, con la envolvente y deliciosa "Vibraciones", puro brit pop con toques mod ye-ye, muy sesentera y magnética.
En ese camino lisérgico ya nos ha sorprendido el grupo con unas teclas de mermelada en la magnífica: "Las gafas del lobo" y en la original: "El pantano",de cierto morbo y rodeada de un teclado fascinante.
Hace meses que fue presentado un tema de adelanto, el powerpop de irresistible melodía y excelentes guitarras, ritmo que atrapa y curiosa letra: "Hijos de Boris Becker", con la salida del disco largo nos regalan otro single, un despiporre melódico y sonoro de esos que puedes escuchar un millón de veces y aún querer una más, para bailar, cantar y gozar, el pelotazo, con texto irónico y un tanto amargo: "Pura diversión", titulo que retrata muy bien lo que ofrece el corte.
El tema de título homónimo es otro ejemplo de producción ejemplar, sonido limpio y sugerente para una melodía simplemente perfecta, se atisban también aquí los ecos psicodélicos, igual comentario merece la no menos excelente "Daltónico".




Mas powerpop adictivo y energético en "Versus" (recuerdos a mis queridos Flechazos), oscura y más aguerrida "La cura", y "La Mala" nos muestra el aspecto más denso y progresivo, para terminar este recorrido con la nocturna y maravillosa: "Orquesta Harrison", con unas guitarras que excitan epidermis.
Si alguien desea completar la presentación de este grupo, solo tiene que darse unos pocos minutos de escucha del artefacto en su bandcamp, me atrevo a asegurar que en ese breve espacio de tiempo quedarán atrapados y entenderán porque digo aquello de que no es serio tener que presentar a estas alturas a artistas tan excelentes como Jose Casas y La Pistola de Papá.


miércoles, 9 de marzo de 2016

Adios al orfebre del sonido Beatle, muere George Martin

Ayer fue el día, el 8 de marzo de 2016, a los 90 años se iba George Martin, el mítico productor de The Beatles, el jefe de laboratorio de Abbey Road, el fino escultor de las sonoridades que nacían de las mentes de aquellos genios que cuando su edad era la propia de las aventuras estudiantiles y los amores fugaces y vertiginosos hicieron historia, en el plano social y sobre todo en el artístico, en el musical.
George Martin no solo supo entender inquietudes que desafiaban las leyes establecidas dentro de la ortodoxia musical imperante, también supo reflejarlas y llevarlas a los surcos del vinilo, consiguiendo que el resultante coincidiese al tiempo con lo que los Fab-Four deseaban y lo que el publico esperaba y aceptaba de buena gana.
Además consiguió ser amigo de los chicos, cosa que siempre he imaginado que no debía ser fácil, consiguió entenderles más allá de lo artístico o profesional, también en lo personal, haciendo del estudio algo más que un lugar de trabajo.
Triste suceso que se suma a otros lamentables episodios que en los últimos tiempos se están sucediendo sin solución de continuidad de forma tétrica y dolorosa.
Por lo menos podemos decir que George no vivió en las sombras del olvido ni mucho menos de la indiferencia, su trabajo era conocido, valorado y admirado por todos, en especial por The Beatles que siempre he tenido claro que sin su concurso no hubiesen llegado a tanto.
Otro día triste, gracias por todo profesor.



martes, 8 de marzo de 2016

¿El Día de la Mujer???, pensando desde la atalaya de mi masculinidad


A veces, desde la atalaya de mi soltería, elegida...o no, siento echar de menos a alguien que me abrigue el corazón esas noches, ésas que la tempestad de su ausencia lo congela todo haciendo que el frío se cuele hasta los músculos oculares, agotados de buscar y no encontrarla...

A veces, desde la atalaya de mi independencia, creo necesitar de quien se ponga ante el espejo del alma en la que ésta se peina noche tras noche, contemplando su rostro cada vez más viejo, más caduco, mas inútil, alguien que evite, dibujando abrazos y sonrisas regaladas sobre el mercurio, que el espejo escupa la obviedad de lo absurdo de una independencia que vive en soledad, sin demostrar su poder ante nadie, sin comparir sus mieles con nadie...

A veces, desde la atalaya de mi libertad, no puedo evitar el deseo de poner mi cualidad más heroica bajo el mandato de una ama ausente, una libertad esclava para que se ejercite, para que se auto-conozca un poco más, para que no se convierta en dogma, en impostura de debilidad, en engañifa de viejo lobo de mar de asfalto, una libertad que tenga sentido luciéndola, atado de la mano de alguien...

A veces, desde la atalaya de mi madurez, se me antoja imprescindible contar con el arte de sus manos, esas que saben donde pulsar en los músculos de mi cuello, de mis cervicales, agotados y chirriantes de tanto mirar hacia atrás, hacia los días en que la juventud daba por entendida la compañía, cuando alguien me miraba a los ojos tras la explosión y sonreía, iluminando la oscuridad...

A veces, desde la atalaya de mi debilidad, confieso que de un tiempo a esta parte, la cintura no finta como antes, el cerebro funciona mas lento, como bajo de batería o con demasiada memoria ocupada, que la vista empieza a descubrir más niebla que claridad en el sendero, y que necesito que alguien me releve con el farol, que me ilumine una senda que empieza a tener secretos para mi, y cuyos recodos y repechos azotan demasiado los pies de alguien que camina solo...

Hoy, y lo justo es que fuese cualquier día, a cualquier hora, solo puedo desplegar mis torpes palabras para evidenciar ante mi y ante el mundo que todo es más fácil con ellas, las madres, las amigas, las amantes, las mujeres...





lunes, 7 de marzo de 2016

Derribos Arias - "Los Singles (1982-1983)" - Discos en la lengua de Cervantes.


De un tiempo a esta parte Derribos Arias y su indiscutible líder, el inclasificable e inolvidable Poch, parece que han vuelto a la actualidad, me da la sensación de que empiezan a ser valorados como merecen, a ver su legado reivindicado por muchos entre los que me incluyo, y a ser la figura del mencionado Poch elevada a los altares de los grandes creadores de la música patria, cosa que viene tarde pero parece que por fín llega.

El estupendo y recomendable libro de Carlos Rego sobre la figura de Ignacio Gasca (Poch) y su grupo: "Derribos Arias, Licencia para aberrar" creo sinceramente que ha tenido mucho que ver con esta resurrección.
Todo esto ha motivado que la banda aberrante de la movida suene de nuevo en mi equipo, y bien que me alegro además, en esta vorágine en que vivimos, con multitud de publicaciones discográficas que se mezclan con los clásicos totems que nunca mueren, es habitual (y normal) que algún artista o grupo se vea relegado al olvido temporal hasta que algo o alguien lo rescata, así ha ocurrido estas semanas con Derribos Arias.
Así que me sentía en deuda con éllos, pues nunca habían parado por esta bitácora y eso no podía continuar así.
¿De que hablar?, no me ha resultado fácil de contestar a esta cuestión, en principio pensé que su larga duración de 1983: "En la Guia en el Listín" podría ser la opción indicada, pero inmediatamente lo deseché, pensé y creo que bien, que la esencia del grupo se concentra en los singles que iban dejando caer de forma deslavazada para su sello GASA durante los años 1982 y 1983, es decir: "Branquias bajo el agua", "A Fluor" y "Aprenda alemán en siete días".
Derribos Arias era un destacado miembro de las Hornadas Irritantes junto a Glutamato y otras formaciones que se presentaban como alternativa a grupos más pop y ortodoxos como Secretos o Nacha Pop, llegando en ocasiones a ser irónicos en exceso.
Formados tras el fugaz pero exitoso paso por el panorama musical de Ejecutivos Agresivos, banda de un solo éxito: "Mari Pili", y también liderada por Poch, ganan el Villa de Madrid y fichan por GASA para grabar: "Branquias bajo el agua" .


Éste single de 1982 es lo mejor de su facturación en mi opinión, no solo por el tema de título homónimo, auténtico clásico del pop, o punk, o after punk no lo sé, ¡de la música española vaya!, sino por la oscura y densa: "Virgenes sangrantes (en el matadero)", auténtico temazo de textura siniestra, de influencia Joy Division y con una turgente guitarra, un bajo inquietante y una letra sugerente como pocas, un tema absolutamente grandioso y que vive una invisibilidad mediática insoportable.
Se cierra el single con un tema festivo punk-rock que se desgrana de la anterior banda de Poch: La Banda sin Futuro, orientada hacia el rock radikal vasco y que se titula: "Dios Salve al Lehendakari".


También en 1982 se edita "A Flúor", en versión single con "Tupés en crecimiento", y en otra toma posterior en formato maxi-single, que además de una versión alternativa del single titular, incorporaba: "¿Quíen hay?".
"A Flúor" es otro de los temas definitorios del grupo y del estilo de expresionar ideas de Poch, nuevamente oscuro, con el bajo y guitarra formando una atmósfera densa y casi opresora, y nuevamente un texto muy personal.
"Tupés en crecimiento" es una especie de tema de rock and roll que se escora en la onda de Specials o Madness, de ácidas guitarras y pegadizo tono.
Si se opta por el maxi, nos encontramos, como decía más arriba con "¿Quíen hay?", un tema excelente, con guitarras de sonoridad variada, con un estribillo pegadizo y una especie de apéndice que se escora hacia la electrónica, creando una especie de performance sonora...el caso es que nos cuenta el tema como Poch intenta evitar que un monstruo entre en su habitación, un tema original, diferente y muy ejemplariante de la creatividad de Poch.


Para terminar, el single de 1983: "Aprenda alemán en siete días" fue incluido en el Lp del mismo año: "En la guía en el listín", se trata de un tema sustentado en programaciones electrónicas que adivine usted como, pero consiguen ser identificativas del corte, con una nueva propuesta literaria sorprendente, casi tecno gracias a unos teclados de tono infantil o naif. Continúa el single su adhesión germana con una viscosa versión del célebre "Lili Marleen", que suena estrambótica, viciosa y cabaretera al mismo tiempo, imposible que deje a nadie indiferente, eso seguro.
Hubo más, el "Disco Pocho" menos interesante en mi opinión, de esencia funky, un single con apoyo de Iñaki Fernandez (Glutamato) que contenía una nueva versión de "Branquias bajo el agua" y "Disco Pocho", el Lp ya mentado...y luego la leyenda.
No voy a entrar en la desaparición de Poch, todos sabemos de su enfermedad, pero si en lo entrañable de su figura y querido que resultó entre los que le conocieron, protagonista de mil y un anécdotas.
Me alegro de haberme acercado a Derribos y a Poch, me encanta que vuelvan a estar de actualidad (entiéndase actualidad dentro de los parámetros adecuados) y es justo que su obra inigualable sea reivindicada.




domingo, 6 de marzo de 2016

Cuando había música en TV - Los Nikis - La Bola de Cristal (Programa 4)


Todos los que estamos sumergidos en la cuarentena recordamos "La Bola de Cristal", de eso no tengo dudas, programa icónico de la década de los ochenta, de la estética de La Movida, y plataforma para el definitivo despegue de muchos grupos y solistas que encontraron en él una oportunidad para mostrar su creatividad de forma libre y en horario de máxima audiencia, los sábados por la mañana.
Queda claro pues que todos recordamos a La Bruja Avería y a Los Electroduendes, lo que no tengo tan claro es que todo el mundo recuerde a Los Nikis.
Gozaron de cierta repercusión a mediados de la década gracias a algún single de éxito como: "Olaf el Viquingo" o "El Imperio Contraataca", aunque no lograron como otros, acomodo entre las formaciones punteras, no colocando ninguno de sus discos y EPs entre los álbumes míticos de la época, y eso que alguno de ellos están francamente bien.


Bautizados como Los Ramones de Algete, su música se basaba, como la de los de Queens, en la creación de canciones inmediatas, de poco más de dos minutos en muchos casos, de textos irónicos, humorísticos y originales, con base rítmica desatada y guitarras distorsionadas, aunque de color lírico y muchas veces popero, Arturo Pérez era asiduo manipulador de Rickenbackers, con el habitual tono punk de baja intensidad.
En 1986, aprovechando su mayor momento de repercusión mediática, tras el éxito de "El Imperio Contraataca" publicada ese mismo año dentro de su disco de mayor éxito: "Marines a Pleno Sol", La Bola de Cristal les da la oportunidad de ofrecer un concierto dentro de su programación, así se presentaron en vivo y en directo con sus canciones, que no suenan nada mal, con la formación en plena efervescencia, destacando el cantante Emilio Sancho, dotado de una voz nasal y casi infantil que emitía con un fraseo fresco y desenfadado, y que era la auténtica identidad de la banda.
Me parece una buena oportunidad para disfrutar de las canciones de Los Nikis, un domingo lluvioso como éste se me antoja idóneo para recuperar a esta banda que siempre me ha parecido injustamente tratada por la historia.
Presentado en cuatro entregas partes, distribuidas y presentadas en You-Tube por Manu Guinarte, a quien hay que agradecer el esfuerzo.
El setlist se reparte de la siguiente manera.

Parte 1:
1 "Silvina Sobrini"
2 "Ernesto"
3 "Soy un Zulú"
4 "La Rebelión de los Humanos"




Parte 2:
1 "Luis Enrique" (cantada por el bajista Joaquín Rodriguez)
2 "Los Niños del Brasil"
3 "Ave Cesar"
4 "Rumbo a Manhattan"




Parte 3:
1 "La Naranja no es Mecánica"
2 "Salvaje Pasión"
3 "Mi Bola y Yo" (dedicada a La Bola de Cristal)




Parte 4:
1 "El Imperio Contraataca"
2 "10 Años en Sing-Sing"



viernes, 4 de marzo de 2016

Tom Gillam & The Kozmic Messengers - "Beautifull Dream" (2015)


Hace unos días comentábamos aquí los proyectos que en este 2016 defenderán los miembros de US Rails cada uno por su lado, tras muchos meses girando juntos es normal que toque desplegar iniciativas individuales, no en vano se trata de un grupo en el que todos sus miembros poseen una carrera en solitario anterior a la formación de la superbanda.
Uno de los miembros, y además fundador es Tom Gillam, el que tiene una discografía más nutrida y un mayor peso mediatico de todos ellos, pues sus primeros trabajos datan de la segunda mitad de los noventa.
Y por ello el melenudo de New Jersey, tras practicamente tres años sin material propio, se lanza al mercado con nuevo disco y nueva banda, así en el pasado noviembre publicó: "Beautifull Dream".
Acompañan en la grabación a Gillam The Kozmic Messengers, es decir: David Spencer (guitarra), Dan McCann (bajo) y Ken Furr (batería); entre todos fabrican un disco que contiene los sonidos propios de la cultura musical del líder, rock americano de carretera y bar, esencias enraizadas fronterizas y aditivos varios de la música tradicional de Estados Unidos, con incorporaciones de teclas, steels, slides, cuerdas de sabor country y bastante aroma sureño.


Se podría decir que el disco se escucha con gusto, entretenido y variado, poblado de buenas melodías, cosa que no es una novedad en Gillam, y con momentos interesantes, pero irregular en cuanto al sonido esprimido a la banda para edulcorar dichas melodías.
En algunos temas se advierte una capa de radioformulismo años setenta que no le sienta del todo bien a algunos cortes, con acercamientos a un AOR que tampoco es muy del gusto del que suscribe; esto último se evidencia en: "Just don't feel like love", magnífica melodía cuya producción merma las posibilidades de la misma por este barniz comercial comentado.
Algo parecido ocurre con el single elegido para la promoción: "Flying blind", con un cierto recuerdo a Lynyrd Skynyrd.
Recuerdo, pero de forma directa a Eagles, en la interesante versión del tema: "Good days in hell" del disco "On the Border" que grabasen los californianos en 1974, con un enfoque mas calmado y enraizado que en la original.
Pero es que para hacer honor a la verdad, el disco alberga varias bondades, como la bonita y crepuscular balada, bañada de steels y teclas: "Red letter day".



De hecho diría que los mejores instantes se encuentran emboscados en los momentos mas countrys, destacándose tras las cuerdas campestres, los hammonds sinuosos que no se hacen notar, y los reflejos de sonidos Eagles o Poco, así se observa en otro single: "Lazy Sunday" o el breve instrumental acústico "Dng".
Rugen las guitarras en rocks polvorientos de carretera, de esos para escuchar con la ventanilla bajada (parafraseando a Joserra) como la estupenda: "All about me" de reminiscencias ZZ-Top, o la invadida de Slides: "Better things to do".
Desigualdad en los cortes encargados de abrir y cerrar el disco, mientras el primero: "Tell me what you want" es un típico rock americano de riffs carraspeantes que se escucha sin problemas, pero que es dominado por ese toque comercial antes aludido y que no la beneficia, el que cierra el Lp es una balada country-folk acariciada por steels y cuerdas silvestres, cantada con mimo, pero que no llega del todo titulada "Sail Away".
Desigual disco, con algunos momentos notables y algún corte que se ve lastrado por un aire radioformulero que no me termina de ganar, aunque no es un mal disco, fácil de escuchar y entretenido que evocará a muchos a grupos como Eagles, Poco o America, que tampoco esta mal.