viernes, 31 de julio de 2015

Mermelada - "Coge el tren" (1979), Discos en la lengua de Cervantes.

Salvo los barceloneses de Outlaw Hours, Heartless Bastards y el gran Neil Young, prácticamente nadie ha osado rasgar la liviana gasa sónica en la que han venido cubiertas mis escuchas musiqueras este mes de julio, pues entre las delicias folks o countries de James McMurtry, Sam Outlaw y Jason Isbell, los encantos souleros de Anderson East mas el inefable Danny y sus campeones del mundo, los recuperados y místicos: Sufjan Stevens y Xoel Lopez, más unas sutiles pinceladas de The Band con un acopio más soulero y sweet que nunca en aquel directo de 1971, remembranzas de los días hippys con Graham Nash, y los días de suavidades vocales de Riaza con protagonismo de las grandes divas Emmylou Harris y Laura Cantrell; debo decir que poco tiempo ha quedado para rockear como es debido.


Así que no he querido despedir el mes haciendo bailar a mis anquilosados músculos, demasiado tiempo sometidos a la impertérrita postura del trabajo, y sufriendo además del acogotador calor que nos ha sacudido algunos días últimamente.
Y el elegido ha sido un producto patrio, y además en castellano, un álbum que bueno sería que fuese venerado como merece y que sin embargo es ignorado como acostumbra la realidad cultural de este país.
Hablo de "Coge el tren", primer larga duración de los madrileños Mermelada, anteriormente Mermelada de Lentejas, y que tras el single "Dame la botella/Marta" nos dejan prueba de su raza de puros rockeros, básicos y elementales pero tan robustos de acción y sobrados de actitud, que desde el mas prehistórico prisma del rythm &  blues nos obsequian con un trabajo sudoroso, rudimentario en las formas y pletórico de intuición y voluntad que no puede ser considerado sino un clásico e impoluto disco de rock and roll.
Esta formación, que caminó entre los dos mundos artísticos de su época sin militar en ninguno de ellos, ni estaban lo suficientemente pegados al barrio y a la actitud proletaria para engrosar las filas del "Rollo", ni contaban con las lentejuelas ni la superficialidad de chico bien de campus para dar el pego en "La movida"...una tierra de nadie que les ha dejado des-ubicados, cosa que considero que no les ha ayudado, ni para tener en su día el reconocimiento merecido, ni para ser recordados hoy, en estos tiempos en los que los recuerdos nos los presentan bajo una etiqueta muy concreta y asimilada.


El sonido de Mermelada no tenía demasiado que ver con aquellos finales de los setenta en España, muy americano, con el dedo apuntando a un blues recreado en armónicas y guitarras, una verbalidad juvenil de carretera y garito heredada de los Dr. Feelwood y un aroma de Mississipi en el entorno sonoro y vocal.
Javier Teixidor comandaba los pasos de este grupo con su voz arenosa y su guitarra racial e indómita, a su vera Daniel Montemayor al bajo, Antonio Yenes a la batería y Javier Encinas al saxo.
Al primer single grabado por la banda ya comentado y que no es recomendable perderse por silvestre, descarado y nada sutil musical y textualmente, hay que sumar el segundo formado por las mas elaboradas e igualmente instantáneas: "Coge el tren", "Dime cual es tu comisión", "Es mejor así" y "O.M.", anticipo de una colección de temas nuevos como "Bebiendo y bailando" de voraz piano y vientos burlones, y es que es la hora del rock and roll.


"Las 6 de la mañana" fue el primer single que golpea fuerte en el objetivo, "Encrucijada" es una enérgica y ácida versión del "Crossroads" de Robert Johnsson y no se apean del blues en clave de cover con "Espero que seas feliz" correspondiente en el "I wish you would" de Billy Boy Arnold.
Tampoco  faltan en este sublime cancionero rockero-currante dos indispensables y bailables instrumentales: "Sintonía" y "El boogie del pantano".



Y el rock directo y agresivo en vocalidad y electricidad de "Publicidad", pletórico Teixidor en este tema como en todo el álbum, solo queda "Tocando blues", temazo de blues con destacada labor al saxo de Javier Encinas.
Vuelta la mula al trigo con la cantinela de siempre, no me cansaré de repetirla, siento ser tan pesado, pero es lo justo, artistas, solistas o bandas cuyo nombre y obra esta terriblemente olvidado, ninguneado por un estado de incultura que lleva décadas instalado en España con perversas intenciones por quienes gobiernan, financian y sermonean.
Señores, en España además de rock urbano madrileño apodado: "Rollo" y donde hubo maravillas, y una corriente multidisciplinar más burguesa y cool denominada "La movida", también existieron grupos que practicaban un estilo que merece recordar y bailar, de hecho yo despido el mes de julio bailando rock and roll con los míticos Mermelada.

miércoles, 29 de julio de 2015

Graham Nash - "Songs for Beginners" (1971).


Crosby, Stills, Nash (& Young) es sin lugar a dudas la superbanda mas famosa e importante de las que han existido y existen, eso parece claro en principio. También parece claro que el protagonismo de la misma descansa sobre los hombros de Stepehen Stills y Neil Young. Eso en cuanto a lo que de creación y protagonismo musical respecta, aunque ambos genios no se quedan cortos a la hora de facilitar a los fans y plumillas mas sedientos de amarillismo mil y una batallitas de índole domestico o personal, que por la peculiaridad de las mismas a sobrepasado los muros de sus hogares y los cercados de sus entornos, haciendo de ambos noticia por uno u otro motivo, ya sea por problemas románticos, líos con substancias del tipo que sean, enfados, adicciones... o también movilizaciones por diversas causas justas, pudiendo ser estas ecológicas, de pelea por las libertades o antibelicistas frente a distintas contiendas militares.


Este espíritu hippy era también común a sus dos compañeros, pues tanto David Crosby, cuyos escándalos particulares no tienen nada que envidiar a los de sus camaradas, como también el más tranquilo y prudente amigo inglés Graham Nash, han destacado desde siempre por su inagotable acción activista y libertaria.
Cuando en 1971 el grupo estaba en el vértice superior de su fama, contándose además las andaduras en solitario de cada uno de sus miembros como rotundos éxitos artísticos y en muchos casos también comerciales, en ese año es cuando a rebufo de la efervescencia política que vivía el mundo, es especial USA con todo el asunto de la guerra de Vietnam y con el juvenil pensamiento pacifista y de amor libre aún vivo, aprovecha Graham Nash para salir de su guarida de invisibilidad y hacer notar que él no es menos hippy que sus amigos, y que además de ser el novio de Joni Mitchell y el chico sano de CSNY, también es un excepcional compositor, un hombre firmemente posicionado en pos de la igualdad y la paz, y además un letrista y compositor fino y artesano en su habilidad melódica.
Para esta demostración graba con producción propia y colaboraciones excelsas de David Crosby, Jerry Garcia. Rita Coolidge o Neil Young entre otros, su primer larga duración en solitario, este extraordinario "Songs for Beginners".


Ciertamente parte del trabajo esta engendrado por el dolor provocado por la ruptura con Joni Mitchell y mira al pasado común de ambos, caso de temas de tan bella y perfecta arquitectura melódica popera como: "Better Days" o "I used to be a king" rescatada del cancionero de su antigua banda, los un tanto desconocidos por estos lares: "The Hollies".
Ambos temas sirven para dejar constancia de la vocación sónica y estilística del trabajo, sonidos hermosos de tono pop, con cuidadas melodías y sin demasiados artificios, donde el piano que tan bien domina el británicos tiene un protagonismo evidente y las salpicaduras mas folkies propias de los hippys de la época no hacen sino embellecer y enraizar de forma positiva el sonido.
Y no pueden faltar los temas de conciencia ecológica como "There's only one" que cuenta con el saxo de Bobby Keys.


"Military Madness" es un tema soberbio de corte antimilitarista y ritmo irresistible, y "Chicago" en un tema magnifico en el que Nash trata de forma crítica la Convención nacional demócrata de 1968 y los juicios del Chicago Eight.
Canciones íntimas que claman por el librepensamiento y la libertad interior se nos ofrecen el el plácido pop de onda invasión británica: "Be yourself" y en la mas folk y crepuscular: "Man in the mirror".



Sigue el folk en la balada flotante de misticismo: "Wounded bird", y con "Sleep song" la lírica adquiere una densidad acariciante. Todo acaba con un reprise de evidente contenido muy a lo Lennon titulado: "We can change the world".
Pero antes, justo en el comienzo de la cara B del vinilo: "Simple man" es un regalo para los oídos y un susurro para el corazón, un tema de amor, de ternura y de sencillez, un tema tan maravilloso que él solo justifica un disco, solo que este además contiene otras diez maravillas que certifican la enorme calidad, sencilla y discreta, de un músico excepcional que se siente a gusto a la sombra de los gigantes y que se llama Graham Nash.


martes, 28 de julio de 2015

"It's Great to be Alive" - Nuevo disco triple en vivo de Drive By Truckers para el 30 de octubre


Ya esta disponible en pre-order a través de la wed del grupo, se trata de un directo de 35 temas recopilados durante las tres actuaciones que la banda ofreció el pasado mes de noviembre en el histórico Fillmore Auditorium de San Francisco.
El disco se pondrá a la venta el próximo 30 de octubre y lo hará en diversos formatos: CD, vinilo y diversos paquetes que incluyen camiseta, diversas descargas, etc...
35 cortes dan para mucho, aunque tal vez se pueda destacar la extensa versión con que finaliza el álbum de mas de 13 minutos de "Grand Canyon", tema incluido en su ultimo disco de estudio de 2014 "English Oceans".
Un cancionero que abarca todas las épocas de la banda y que es de esperar que contenga el poderío sónico que Patterson Hood y Mike Cooley suelen demostrar en vivo. Un trabajo que entiendo será precedido de una gira de enjundia.
Aquí dejamos el track-list y un adelanto para quien pueda interesar.

Album 1:
Lookout Mountain 4:51
Where the Devil Don't Stay 4:52
Sink Hole 5:22
Made Up English Oceans 5:16
The Righteous Path 5:15
Women Without Whiskey 4:31
The Living Bubba 6:24
Primer Coat 4:19
Mercy Buckets 5:26
Marry Me 5:46
Tornadoes 5:23
Sounds Better in the Song 5:10

Album 2:
Used to Be a Cop 6:58
Shit Shots Count 4:06
Runaway Train 5:35
A Ghost to Most 4:57
Goode's Field Road 7:35
Uncle Frank 5:13
Putting People on the Moon 7:17
First Air of Autumn 3:35
Box of Spiders 7:47
When the Pin Hits the Shell 3:57
A World of Hurt 7:42

Album 3:
Get Downtown 3:24
Ronnie and Neil 5:03
Gravity's Gone 3:35
Pauline Hawkins 6:26
Birthday Boy 3:32
Girls Who Smoke 4:30
Three Dimes Down 2:53
Hell No, I Ain't Happy 8:10
Shut Up and Get on the Plane 5:24
Angels and Fuselage 5:15
Zip City 7:53
Grand Canyon 13:08




lunes, 27 de julio de 2015

Sufjan Stevens - "Carrie & Lowell" (2015), tirando del hilo...


Tirando del hilo de mi reseña del otro día sobre el "Atlántico" de Xoel Lopez, y ya que os hablaba allí de la extraña e inexplicable conexión establecida por mi cerebro (o corazón insisto, no lo sé con exactitud) entre el artilugio del gallego y el último trabajo de Sufjan Stevens, y aprovechando que desde hace demasiado tiempo que tengo pendiente la crónica a propósito del disco del músico de Detroit, pues eso, que tirando del hilo me encamino al otro lado de la asociación paranoica ya explicada y traemos a la hoja en blanco el hermoso y cautivador: "Carrie & Lowell" de Sufjan Stevens.
Conocía vagamente a Sufjan Stevens, y fue Joserra Rodrigo quien sin querer me convenció de que su último viaje sonoro era un disco que había que escuchar si o si (pinchar la imprescindible reseña de Joserra aquí).


Lo hice, lo pinché, y tras una noche sin poder dejar de escucharlo ocurrió, la hipnosis, el derretimiento hormonal y la claudicación emocional ante la belleza y el embrujo sónico del álbum, me enamoré de "Eugene" a la que dedique un post en su día (pinchar) y lo escuché con la calma que da lo que sabes eterno, imperecedero, inasequible a la temporalidad impuesta por las modas.
Y es que este disco no puede pasar de moda porque nunca lo ha estado, nunca lo estará, no responde a esa frivolidad radiada o promocionada de muchos de los discos que escuchamos, o que no, es un trabajo que nace del corazón de un artista incubado de sensibilidad, se gesta en la memoria de ese niño que todos (espero que todos) tenemos atrapado en nuestro interior, un disco de recuerdos, de dramas que se exorcizan por medio de canciones, pudriendo el dolor en el ácido de la belleza, de los lamentos expresados por medio de letras cantadas con terciopelo y amor, de notas acariciadas en las cuerdas de las guitarras...


El disco narra recuerdos de la madre de Sufjan, veranos y vivencias con esta, pocas pero bien ubicadas en la memoria, nos cuenta los últimos días de una madre demasiado tiempo ausente, esa vida que todos tenemos para nosotros mismos y que el señor Stevens ha decidido mostrar en clave de arte, de desahogo vital y homenaje musical, embelleciendo memorias agrias y eternizando la parte buena, la cara amable del recuerdo...¡bien hecho Sufjan!!!.
Y todo esto lo comprime en 11 canciones, once latidos de un corazón que bombea con la fuerza de la fe y el ímpetu de la belleza, con el ritmo sosegado pero firme y sano de la verdad (la propia, la otra no existe).
El recorrido empieza por el final de la cronología vital de la historia que manda sobre la venida a la vida de las canciones, "Death with dignity" es hermosa y desnuda, la voz se adapta al recuerdo, al sentimiento y solo con el timbre y el fraseo nos lo cuenta todo, nos lo expresa todo, melódicamente bella y con un dramatismo plácido y justo, un tema emocionante.
Y todo se desencadena, sigue la plácida travesía por el mundo interior del autor con "Should have know better", coros celestiales, guitarras que bailan con las emociones una danza mística...la segunda parte de este tema es un trocito de cielo...




En clave de un folk mas mundano pero igualmente evocador hace su reclama con "All of me wants all of you" y "Dawn to the blood".
Sobre "Eugene" ya dije todo lo que tenía que decir el pasado día de mi santo en el enlace señala mas arriba.
Se toca la textura de la memoria que provoca este trabajo en "Fourth of July" y "The only thing" casi levita, flota, transporta...
Bonitos momentos que saltan en las guitarras de "Carrie & Lowell", mimos en el pasado que siguen haciendo efecto y provocan sonrisas y primaveras en rostros y pupilas, el corazón danza risueño.
Densa y opaca: "John my beloved" y "No shade in the shadow of the cross" es un breve suspiro en el camino para seguir, con la vista en el horizonte y el recuerdo en la eternidad del pasado.
Y como hablamos de un artista religioso y seguramente la ocasión lo merece, nos despide con una oración y una bendición: "Blue bucket of Gold".




Dos discos que caminan juntos este verano de mi madurez impetuosa y calmada que tienen mas de primavera que de estío pero que felizmente, o fatalmente, asociados caminan despertando sonrisas y estremecimientos en un servidor, tirando del hilo...belleza.

domingo, 26 de julio de 2015

Los domingos photosong - Cher - "The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)"


Sigue el verano y siguen los domingos de verano, todo parece perfecto y si no lo es, desde luego se acerca mucho, el sol, el caloret y el tener la posibilidad de pasar la mañana o el día al aire libre, ya sea en la playa, el río o el monte es una sensación que no puede amargar a nadie.
Todo se contagia en días como este, jornadas de luz y brisa mezclándose con los rayos del sol, provocando una sensación térmica que enciende pasiones de todo tipo y ennoblece los humores mas cascarrabias...¡coño!!!, si hasta Addison se encuentra pletórico con sus bermudas puestas y el sombrero Panamá.
Así que hoy toca canción buenrollera y veraniega con pivonazo al canto, porque me van a permitir que tenga un servidor a Cher en el grupo de los pivones ultrasensuales del mundo mundial, en especial aquella Cher ochentera, desprovista de neuras matrimoniales pretéritas, desinfectada y resucitando como cantante, actriz y jovencita de buen ver con look años cincuenta, la de antes y la de años después ya es otra cosa, pero esta...la de "The Shoop shoop song", la que hacía de actriz en "Hechizo de Luna", esta es la Cher de mis sueños, de mis sueños de noches de verano...¿que no???...pasen y vean.



sábado, 25 de julio de 2015

Xoel Lopez - "Atlantico" (2012), extrañas asociaciones.


Los procesos asociativos de la mente son inexplicables para mi, nunca he sido demasiado adepto a los psicólogos y demás mecánicos del cerebro, no digo que no tenga la cosa su utilidad, y que mucha gente encuentre en sus artes remedio o cuando menos alivio a las lesiones del sentimiento, del cerebro o incluso del corazón que puedan aquejarles en este valle de lágrimas, yo he optado por métodos mas rudimentarios o caseros, muchos pensarán, y seguramente con razón, que así me va.
El caso es que me gustaría invocar a algún profesional en estas lides para que me explique cual es el motivo para que de unos días a esta parte me haya dado por asociar de forma irremediable el último disco de Sufjan Stevens, el maravilloso: "Carry & Lowell" con el primer disco grabado en 2012 por el coruñés Xoel Lopez tras la disolución de su anterior proyecto: Deluxe.
El tema es que llevo unos días en los que contra toda lógica, aquel "Atlantico", que es el disco de Xoel al que me refiero, no deja de sonar, y me lo vuelvo a pinchar una vez tras otra, y eso teniendo en cuenta que ya tubo una generosa ración de escuchas en su día, y que estoy bastante  saturado de discos que me tienen encandilado mas los que tengo pendientes, no parece tener demasiado sentido el asunto.
Encima no puedo negar, que la escucha tras varias semanas de silencio, del mencionado santuario sonoro y emotivo del señor Stevens, ha sido detonante de este acontecimiento al que me refiero a propósito del "Atlantico" de Xoel Lopez.
En definitiva, que estos discos han compartido protagonismo en mis últimos días, desbancando a algunos que acaparaban mis orejas últimamente, ciertamente no debo tener  motivo de queja, sea o no coherente la asociación que mi cerebro (o corazón no lo sé) ha establecido entre estos dos discos, pues ambos son ciertamente esquisitos.


Me referiré brevemente si me lo permitís, al trabajo autóctono de estas tierras, o mejor dicho, de las tierras gallegas en conexión directa con las que enfrentan sus bellezas costeras al otro lado del "Atlantico" a los contornos escarpados de las rías bajas y la costa da morte, es decir, Latinoamerica, donde Xoel se estableció durante un tiempo tras la ruptura de Deluxe y en cuyos sones encontró indiscutible inspiración para la grabación de uno de los mas hermosos discos que se han grabado últimamente en lengua de Cervantes.
El disco fue grabado entre Galicia y Buenos Aires, se nutre de doce temas íntimos, sencillos que no simples, y hermosos como ellos solos, compuestos por el coruñés y producido por él mismo junto a Juan de Dios Martín, el propio autor reconoció que el trabajo era en cierto modo involutivo, dado que se ve influenciado por diversos estilos de la música tradicional del centro y sur de América en lugar de buscar un modernismo mas continental de esencia pop o rock.
En cualquier caso es el folk el palo que predomina en el álbum, las guitarras acústicas, las  voces acariciadoras en coros de poso nórdico, y las letras personales, poéticas y líricas dan al conjunto un ambiente sedante, relajante y lleno de paz, todo embellecido aún mas con las mencionadas esencias provenientes del cono sur en forma de boleros o folclore argentino entre otras emotivas aportaciones.
El disco comienza con la hermosa: "Hombre de ninguna parte", percusionada por maracas y de bellos coros y sutil orquestación.
"La Gran montaña"me suena andina, folclórica, como si viejos trovadores tristes de Los Andes nos visitaran. "Por el viejo barrio (plegaria)" es romántica y nostálgica, como portuaria, realmente hermosa, además hace comprensible la existencia de un homenaje a Buenos Aires con la excelente: "Buenos Aires".



Pero antes escuchamos la dramática "Caballero", tensa, corrosiva pero genial, ataque a los falsos caballeros de inanimados corazones del pasado (espero), de mis favoritas.
Tras el folk-pop de "De piedras y arena mojada", llega la melodía suave y digerible de "La boca del volcán", genialmente cantada y con carracas dando el toque rítmico silvestre y auténtico.


El corte mas eléctrico y brioso del Lp es "Postales de Nueva York" y "Tierra", que fue tema bandera del disco es una balada nostálgica y maravillosa, plena  de sensibilidad y pureza, sublime. Como también lo es: "Joven poeta", deliciosa melodía y sugerente letra poblada de noches y sueños, sangre y poesía, un bolero irresistible y maravilloso.
Termina el disco con el corte de aire más elaborado del disco "El asaltante de estaciones", con connotaciones psicodélicas y temática sónica  propia de cantautor sureño, adem´as de ciertos momentos tropicales.



Extrañas asociaciones las que mi psiquis impone a mi ser, con todo respeto, con discos así me temo que seguiré prescindiendo de profesionales del cerebro.

viernes, 24 de julio de 2015

Diez impagables apariciones televisivas de la movida.


Seguimos refrescando las neuronas este caluroso verano con listas desenfadadas y divertidas, hoy se me ha ocurrido, a propósito de un documental sobre La Movida que visioné ayer, agrupar alguna de las actuaciones televisivas que mas me gustan de aquella época.
No pretendo filosofar sobre La Movida, ni criticar ni ensalzar lo que en Madrid ocurrió (porque algo esta claro que ocurrió), tampoco es el motivo de este post buscar vídeos con las actuaciones mas musicalmente destacables, ni las mejores canciones, ni directos demoledores o calidades HD, no...el objetivos es recordar, por medio de unos vídeos sobradamente conocidos, una época ya mítica de la historia artística de este país, y también de la TV desde el punto de vista de divulgación musical, las actuaciones que a continuación os invito a ver provienen de programas históricos como Popgrama con Moncho Alpuente, Diego A. Manrique o Carlos Tena,  Musical Express con Ángel Casas, los mas livianos Tocata o Aplauso, el defenestrado Caja de Ritmos o el legendario La Edad de Oro de Paloma Chamorro...vamos como hoy, ¡envidia!!!
Sea como fuere, lo que pretendo es dar una nota de castizo glam en lengua española, colorear vuestros monitores con los locos e histriónicos colores que portaban los no menos excesivos personajes de aquella época, para recordar y sonreír...espero que os guste.

1. PARÁLISIS PERMANENTE - AUTOSUFICIENCIA/UN DÍA EN TEXAS.
Míticos, imparables, viscosos, demoledores, oscuros, viciosos...y todo lo que se os ocurra, Eduardo Benavente demostrando que el asfalto nos robo a un frontman inigualable que con los años no me cabe duda de que hubiese sido determinante.



2. VULPESS - ME GUSTA SER UNA ZORRA.
Esta actuación ha hecho rico a más de un fabricante de tinta, tal fué la cantidad de letras que provocó y aún provoca, historia viva de la televisión, y del típico conservadurismo hipócrita y casposo de la vieja guardia reflejada en el ABC, periódico facha y retrogrado donde los haya, que vivió su gloria con el dictador y que aún hoy se sospecha entre sus lineas que siguen añorando tiempos en blanco y negro. Esta actuación en el espacio Caja de Ritmos supuso el cese del programa debido a las reacciones provocadas por el mencionado diario y sus nostálgicos seguidores, terminó con detención y posterior dimisión de Carlos Tena, responsable del mismo, no podía faltar.



3. SINIESTRO TOTAL - TODOS LOS AHORCADOS MUEREN EMPALMADOS.
Los primeros Siniestro, con Coppini aún como vocalista, derrochando fiereza, actitud y saliva sobre el escenario de Musical Express, Germán después desertó, quizás para calmar sus nervios y los músculos de su mandíbula en Golpes Bajos, pero en estos días era una auténtica bestia parda.



4. KAKA DE LUXE - LA TENTACION.
Entrevista y actuación en La Edad de Oro de una banda prácticamente rota, pero irrepetible, formada por artistas de todo tipo, que terminaron diseminados por otras formaciones de la movida, no es necesario presentar a Carlos Berlanga, Nacho Canut, Alaska o El Zurdo, pero si al ambiguo cantante que, en mi opinión marca las diferencias en este vídeo, el pintor Manolo Campoamor, alguno puede llamarme de todo, pero en las canciones de esta indescriptible formación siempre he pensado que se escapan los acordes infecciosos de la VU en clave Madrileña de cañas y rastro.



5. GLUTAMATO YE-YE - TODOS LOS NEGRITOS TIENEN HAMBRE Y FRÍO.
Lo de Iñaki Fernández protegiéndose detrás de una silla de mimbre modelo Enmanuelle de todo lo que el público le arrojaba, y que él devolvía al respetable es de trata, eso ocurre en esta surrealista actuación en La Edad de Oro.



6. RADIO FUTURA - DIVINA.
Esta actuación de unos Radio Futura que no tenían muy claro que coño estaban haciendo allí de aquella guisa, oficiando de fenómeno fan, con un cantante haciendo de segundo de Santiago Auseron llamado Javier Perez Grueso, versionando como podían y en castellano el tema de T-Rex: "Ballrooms of Mars" traducido como "Divina", en aquel escenario tan hortera...bueno, el caso es que me parece un documento impresionante de un grupo grandioso que tubo unos inicios...digamos ...raros.



7. RUBI Y LOS CASINOS - YO TENIA UN NOVIO (QUE TOCABA EN UN CONJUNTO BEAT).
Confieso que me gusta mucho esta actuación de Aplauso de la argentina Rubi y sus Casinos, la chica me parece frágil pero atrayente, guapa y con un morbo raro...y el tema me inspira una ternura enorme, ¡que me gusta vaya!!!



8. GOLPES BAJOS - MALOS TIEMPOS PARA LA LÍRICA.
En esta época me volví locos con estos Golpes Bajos, primero "No mires a los ojos de la gente" y después este tremendo: "Malos tiempos para la lírica" hicieron de los gallegos los mas interesantes y diferentes de la movida, esta actuación tubo lugar en pleno despegue del grupo que encabezado por el ex-Siniestro German Coppini y el aniñado Teo Cardalda en el Musical Express de Angel Casas.



9. AEROLÍNEAS FEDERALES - NO ME BESES EN LOS LABIOS.
El líder de Siniestro Miguel Costas también hizo sus pinitos lejos de la formación punk de Vigo con estos Aerolíneas Federales, la principal razón por la que considero que este vídeo tiene que estar si o si, es Coral Alonso, una de las primeras mozas que hicieron que mi corazoncito sintiese algo mas que deseo...¡bueno no! era solo deseo pero muy bonito, la verdad es que me sigue gustando un potosí la señorita.



10. LOS ZOMBIES - GROENLANDIA.
Efímera vida esta formación liderada por el precoz Bernardo Bonezzi, esta actuación en Aplauso mil veces repetida marca el punto más alto en el éxito logrado por el grupo, solo por la forma de bailar de Tesa Arranz ya  merece la pena que figure, además el tema mola, ¿qué no???.




jueves, 23 de julio de 2015

Jason Isbell - "Something More Than Free" (2015).


Con el nuevo disco de Jason Isbell podemos certificar algunas cosas con respecto a este talentoso y aún joven cantante, guitarrista y compositor natural de Alabama.
La primera es que continua en un estado de forma en lo que a la escritura de canciones se refiere realmente sobresaliente, la segunda es que sigue por buen camino el propósito de enmienda para cambiar su vida, un tanto a la deriva desde que abandonó Drive By Truckers y se divorció de la bajista Shona Tucker en 2007, cambio que se narraba y era el leit motive de su anterior disco, el excelente "Southeasterm" (2013).
Este esfuerzo por encauzar el camino iniciado hace un par de años, se torna en un aparente éxito al escuchar "Something More Than Free", un disco poblado de textos tranquilos en los que el autor se posiciona como observador, narrando lo que le rodea, acercándose a las clases trabajadoras y engalanando en sus hermosas canciones la  vida y costumbres de los pertenecientes a estos estratos sociales, incluyendo también a la familia y la casa, aquellos lugares donde anida la humanidad y la sal de la tierra.


En estos temas se percibe el definitivo distanciamiento de viejos usos perniciosos, la felicidad que ahora parece plena tras su matrimonio en 2013 con la cantautora Amanda Shires, queda de manifiesto en este quinto álbum.
En lo musical no hay demasiado que contar, su estilo sigue encajando en los parámetros del rock sureño, con ascendentes folk y country, cierto que  en los últimos trabajos se imponen los medios tiempos y las baladas de esencia acústica y sensaciones folk o country crepuscular sobre los ímpetus rockeros.
Repite en la producción, tras "Southeasterm", Dave Cobb, y vuelve a pulsar las teclas idóneas, repite formula y vuelve a funcionar, pues el secreto estriba en dejar que las canciones se descubran solas, libres, desnudas, dejando al aire su belleza intrínseca, que las letras digan lo que pretenden pertrechadas en un hermoso vehículo, la voz de Isbell, bonita, varonil y de elegante fraseo, apoyando a esto con algún fiddle de íntimo declamar y algunas delicadas guitarras eléctricas.
El resto es fácil, todo en este trabajo parece fácil, agradable y placentero, ahora solo resta dejar que las canciones lleguen, se desarrollen, crezcan día tras día y mucho me temo que después de este proceso, su destino sea perdurar, estar ahí para cuando las necesites, y seguir siendo fáciles, agradables y crecientes.
Podríamos hacer, como acostumbramos, una disección tema por tema, pero la verdad es que el tracklist se caracteriza por no conocer relleno ni corte menor, melodías, textos y construcciones sónicas reflejan una aplastante coherencia y una innegable regularidad, esto hace totalmente innecesario este trabajo, por ello no obligaré a ningún esfuerzo adicional a mis sufridores lectores y simplemente les diré que el disco es delicioso, hermoso y engancha, no hay secretos ni novedades, hay canciones sublimes, un cantante en estado de gracia y mucha sinceridad y desnudez en la gestación de otro trabajo magnífico de Jason Isbell, seguimos de enhorabuena en este 2015.



miércoles, 22 de julio de 2015

Anderson East - "Delilah" (2015)


Reflexionaba el otro día el compañero Bernardo de Andrés Herrero en su reseña de Mi Tocadiscos Dual en la que presentaba el disco que hoy comentamos (pinchar reseña), que parece que los negros están involucrados en otros estilos musicales más modernos como el Hip-Hop o el Dance, dejando un poco al margen las músicas que durante décadas han cultivado con infinita sabiduría hasta convertirlas en géneros sublimes e  inmortales, disciplinas musicales como el blues o el soul parece que en este nuevo milenio interesan menos a los hermanos de color, debo añadir a esto que esa misma sensación es la que vengo detectando en los últimos tiempos yo también.
Circunscribiéndonos a este último palo, al soul, es justo decir que por contra no son pocos los artistas blancos que están cogiendo el relevo a los dioses inmortales de color de anteriores décadas, y en bastantes casos haciéndolo francamente bien, todos conocemos y admiramos los trabajos de gente como Danny & The Champions of The World, Eric Lindell, Marc Broussard, el irregular Eli "Paperboy" Reed, la magnífica Joss Stone, la edulcorada Duffy, el impecable Jessee Dee o los mas psicodélicos Monophonics; todos ellos de raza blanca y practicantes de un soul revisado con los aires del nuevo siglo, llámenlo Neo-soul, soul-pop o como quieran, lo cierto es que estos músicos, entre otros, nos han regalado excelentes trabajos de este glorioso estilo en los últimos años.
A estos nombres hay que añadir sin perdida de tiempo el de Anderson East, fue leer la reseña de Bernardo antes comentada y nuevamente recomendada, y ponerme a buscar material de este chico de Athens (Alabama) tierra chica también de los Drive by Truckers,  aunque ahora asentado en Nashville.


No fue difícil encontrar referencias a este trabajo, el tercero de su producción titulado: "Delilah", y que llega tras el EP autoeditado: "Flowers of the Broken Hearted" (2012), y un primer intento de 2009 firmado con su auténtico nombre (Mike Anderson), y que recibió el titulo de: "Closing credits for a fire".
Elogiosos comentarios de la crítica especializada en su país, piropos que se ven justificados desde la primera escucha del álbum.
Y es que "Delilah" es un disco que partiendo de encendidas melodías, reventonas de emoción y portadoras de textos pletóricos de romanticismo, todo escrito  y compuesto por Anderson, nos lleva del brazo por los senderos luminosos y de dorado color del soul mas lírico y acariciado, aquel que rememora a tipos como Al Green en cuanto a calor y a sujetos blanquitos como Ryan Adams o Amos Lee en cuanto a un acercamiento casi genético a un  country rockerete de baja intensidad que está, pero no se impone, felizmente barajado por la producción de Dave Cobb, que se esta convirtiendo en un productor fantástico para trabajos de tipo íntimo y enraizado como este o como  los dos últimos de Jason Isbell (igualmente sublimes), que también cuentan con el buen hacer de este hombre en la mesa de control.
Poco más de media hora es lo que se tarda en degustar esta dulcinea, una caja de diez bombones que una vez que empiezas, como ocurre con el rey de la repostería, no puedes dejarlo hasta devorar toda la caja.
Así ha de ser, empezando por "Only you", corte de ritmo bailable, vivo de teclas y vientos que Mr. East canta con dulce voz de deje áspero.
El primer single viene a continuación, "Satisfy me" es un tema con cierto tono funk, decorado por vientos y cantado de forma apasionada, con un estribillo imponente y unas guitarras contoneantes, gran single.
Pianos y vientos para un tema más desgarrado, con esencias de Van Morrison en su textura y un hammond irresistible, otro gran momento titulado: "Find 'Em, Fool 'Em & Forget 'Em".



Romanticismo y acercamientos poperos de tremenda clase, coros femeninos, y estupendo tratamiento sónico  en "Devil in me" y "All I ever need", de influencia mas de la bahía y de Otis, similar comentario resulta apropiado a la bonita "Lonely".
En cambio "Quit you" es más ácida y descarada, mientras "What a woman want's to hear" tiene un toque mas folk-rock de esencia songwriter.
Breve y deliciosa: "Keep the fire burning", imposible no deleitarse en su estribillo.
Finaliza esta gincana por las beldades souleras con la mas extensa del trabajo, la bucólica y fascinante fragilidad de "Lying in her arms".


Disco apasionado y romántico  donde los halla, pinceladas de soul y algo de funk, un rock crooner rebotado y canto elegante y entregado, gran producción y uno de los discos que sospecho se empeñará en ocupar plazas altas en el mes de diciembre, al tiempo.

lunes, 20 de julio de 2015

La docena de doce de... Neil Young


¡Ala!!! de perdidos al río, como es verano, estamos contentos, y los que no están de vacas, están a punto de empezarlas, y la mente se desparrama por los senderos de las ilusiones que sabemos convertibles en realidades en los inminentes días de asueto y ocio, no nos cortamos un pelo, nos dejamos llevar y si no teníamos bastante con la osadía de elegir doce canciones de tipos como Springsteen y Dylan, ahora nos lanzamos con otro fiera de esto del rockerio, el siempre de actualidad, el impertérrito luchador, el padrino del grunge (eso dicen)...el tío de muchos de nosotros: Neil Young.
Según estoy escribiendo esto no tengo ni idea de que canciones van a conformar esta lista (lo digo en serio), así que ya os imaginaréis que paso en este momento a improvisar doce, la primera me vais a permitir que sea la única que tengo elegida de antemano.

1. DOWN BY THE RIVER - EVERYBODY KNOW THIS IS NOWHERE.
De toda la vida, mi favorita, la que mas me emociona, la que entiendo (esto es muy subjetivo, lo sé) que resume la esencia pura y germinal del sonido de Neil con Crazy Horse, (junto a "Cowgirl in the sand").


2. CORTEZ THE KILLER - ZUMA.
Es que realmente se oye batallar un barco contra el oleaje, es que realmente hay asesinos como Cortes, es que realmente escucharla en vivo es una experiencia salvaje e inenarrable (Donosti 2009).


3. FROM HANK TO HENDRIX - HARVEST MOON.
¿Es posible que exista una melodía mas bella que esta?, uno de los temas que más veces he escuchado de Neil (posiblemente el que más) y me sigue emocionando.


4. LIKE A HURRICANE - AMERICA STARS N' BARS.
Me temo que en esta canción sobran los comentarios, todos sabemos lo que se siente cuando te encierras con ella y el volumen a toda hostia.


5. LOVE AND ONLY LOVE - RAGGED GLORY.
Ese estribillo...ese estribillo...el amor pasado por el tamiz del rock desgastado y descastado...pero amor y solo amor.


6. MELLOW MY MIND - TONIGHTS THE NIGHT.
La canción mas oscura y enferma de todo el cancionero de Young, o al menos así la veo yo, bella y tóxica como el líquido fosforescente que corre por los sumideros de Chernovil.


7. THE NEEDLE AND THE DAMAGE DONE - HARVEST.
Urgente y desesperada, un grito desgarrado recortando el bullicio infectado de substancias de los setenta, grabada en vivo, siempre presente en los conciertos, mítica.


8. POWDERFINGER - RUST NEVER SLEEP.
Entre el punk y el pop hay un estado intermedio que se titula "Powderfinger", una mecha que siempre amenaza con hacer estallar la bomba pero que no estalla...pero tampoco se apaga.


9. SOUTHERN MAN - AFTER THE GOLD RUSH.No solo es un tema absolutamente rust, ceniza y arena corroen el sonido de la canción al más absoluto estilo Crazy Horse (aunque este disco no este firmado por Crazy Horse), es que además es un trozo de la historia del autor, de Lynyrd Skynyrd y del rock and roll.


10. COWGIRL IN THE SAND - EVERYBODY KNOWS THIS IS NOWHERE.
Léase el comentario de "Down by the river"...pues eso, pero un poco menos.


11. CHANGE YOUR MIND - SLEEP WITH ANGELS.
Me da la sensación de que disco y canción estan un tanto ocultos y no valorados como deberían, si hay un tema sinuoso y hermoso en su oscura lucidez es este, Crazy Horse en estado de gracia, un temazo.


12. DON'T BE DENIED - TIME FADES AWAY.
La época mas oscura y agónica de Neil, cuando una espiral de dolor y adicciones acosaba su mundo hasta el punto de componer al límite y grabar de forma irreflexiva, pero como genio que es, dejando trabajos llenos de amargura y sedimento que el propio autor reivindico tras años de abandonar al ostracismo, un gran tema de su disco más maldito durante décadas.


domingo, 19 de julio de 2015

Los domingos photosong - Loquillo Y Los Trogloditas - "Simpatía Por Los Stones"


Luce el sol y la temperatura no es excelsiva, las lluvias de ayer por la tarde han refrescado el ambiente y nos han regalado la excitante fragancia silvestre y sublime de la tierra mojada, además dentro de un rato salgo en dirección a Santander donde me esperan mis hermanos Arthur y Anita y mi pequeño rockero de bolsillo, mi sobrino Ian, si como el Gillan, así que todo parece tocado por la varita mágica del verano idílico de las canciones sesenteras y las pelis de palomitas y batido.
Rompamos un poco este estado tan cursi que yo solo he creado con un poco de rock and roll, pero del de aquí, del de aquí hablando de los de allí, de los únicos, de los que van aparte de todo...un rock que habla de los Stones para un verano de El Dúo Dinámico...¡buena mezcla que coño!!!
¡Feliz domingo a todos!!!



sábado, 18 de julio de 2015

The Outside Hours - "Gone" (2014)


Esta última semana he descubierto, por obra y gracia de esa divina combinación de casualidad e internet, a un grupo barcelonés que lleva varios días dando el cante desde el equipo de casa, azorando a las frágiles damiselas que habitan tras las ventanas del patio interior.
Se llaman The Outside Hours, y el disco "Gone", no me ha quedado otra que investigar a propósito de los interfectos y he descubierto algún detalle interesante, seré breve.
Se trata de un dúo: Pere a las guitarras y voz y Fresno que hace vibrar el bajo, llevan unos años haciendo música, y han rondado por Berlin (mi querido Berlin), tocando en garitos como CCCP Club o White Trash, la verdad es que la capital germana es territorio idóneo para recoger las intenciones sónicas de estos tipos, y estos garitos, perfectas guaridas para oficiar de segundo hogar de su propuesta musical.


Graban un par de EPs: "47 Miles of Barbed Wire" y "The Devil's right hand" ambos de 2013, quedan finalistas en el programa de maquetas de TVE: Capitan Demo y son invitados de nuevo a Berlin al Berlin Psych Fest, hace unas semanas han actuado en Vitoria en el Askena Rock Festival, donde por cierto me los perdí por dos razones, a saber: ignoraba de su existencia y tocaban en paralelo a Cracker, también es mala suerte hombre, otra vez será.
El pasado 2014 graban por fin su primer larga duración, este "Gone" que no deja de oscurecer la luz de mi cuarto, porque la música de estos dos señores es oscura, garitera, de reminiscencia blues con carga psych y tono garajero, connotaciones años cincuenta cuando Chicago latía con estrépito a las órdenes de los susurros de Howling Wolf (del que empapan su sonido los barceloneses) o la actitud de Muddy Waters, equivalencias de encierro nocturno en local underground a lo Velvet Underground en la grasa y humo que desprende su sonido, y rock de peligrosas influencias a lo The Stooges o Jesus and Mary Chain. También detecto cierto aire The Doors en el ambiente asfixiante de alguno de sus momentos, y por buscar equivalencias patrias me recuerdan a los madrileños Sex Museun por su querencia sónica y vital con el rock garitero nocturno.


El disco es sorprendente, con un sonido cohesionado, rotundo y seguro de si mismo, el conjunto voz+electricidad+ritmo machacón crea un rock de alcantarilla y madrugada víctima de excesos irresistible. Pero además con cuidadas melodías y mimo depositado en detalles.
Abren el trabajo con "Paid My Dues", un tema de infecciosa melodía y voz hipnótica, electricidad que casi se toca y ese toque lisérgico que marca el estilo del grupo, un tema adictivo.
Blues fatal, voz nasal que se pierde en su propia agonía y tremendos riffs, me refiero a "Tomorrow may never come", otra muestra de clase, el bues vuelve mas tarde en "Six fingered blues man", tema que repta y escupe un veneno sónico embaucador.



Antes hemos recorrido carreteras en la nocturnidad rítmica y susurrante en la agridulce "Who'll Cast the first stone", hemos entornado los ojos con la brillante balada de sugerente declamar y verista estribillo a lo Lou Reed titulada "So Long" y nos hemos retrotraído a los años líquidos con el rock de puerto y carretera de la excelente "Come Closer", que me recuerda a los Stooges mas asfálticos.
Con un garajero piano eléctrico y percusión metálica que apoya una meliflua voz nos sorprende "Poor old heart" un tema con un tono lírico sorprendente y contaminado.




En cambio "Big city" es más Londres, más de superficie, se pierde cierto tono psych y las guitarras se muestran menos ambiguas para recordar a los Stones de los primeros sesenta.
Nos cubren con un manto de electricidad y psicodélia con la densa "Eigtball trigger" antes de despedirse con "Death knocking on my door", espectacular balada de tono acústico y una nostalgia underground y desesperada, un tema magnífico.



Otro grupo español de altos vuelos que demuestra la grandeza de miras que esta alcanzando el zarandeado y maltratado rock y aledaños en este país, una pena que una vez mas los artistas jóvenes españoles decidan codificar sus mensajes en la lengua de Shakespeare en lugar de la de Quevedo, aunque no soy de los críticos con esta práctica si me gustaría escuchar textos en castellano más a menudo.
Más que recomendable dúo barcelones estos The Outside Hours, otro proyecto firme y prometedor cuya música esta a disposición de todo aquel que desee acercarse a ella (desde aquí animo al personal a ese acercamiento) en descarga gratuita en su bandcamp. Esperando poder verles en vivo desplegando todo ese rock, blues, garaje y psicodelia que encierra este excelente disco, los recomiendo sin paliativos.

https://theoutsidehours.bandcamp.com/album/gone

viernes, 17 de julio de 2015

Algunos discos "en vivo" menos famosos - The Band - "Rock of Ages" (1972)


Yo como tantos otros, conocí a The Band mediante el célebre "The Last Waltz", último concierto del grupo, en el que fueron acompañados de otras celebridades del rock, y que fue filmado por Martin Scorsese en la imprescindible película por todos conocida.
Aquel mítico concierto tubo lugar en la sala Winterlang de San Francisco un día de acción de gracias de 1976, entonces la formación canadiense confeccionó un cancionero que abarcaba toda su discografía, excluyendo el sobrante "Islands" que fue registrado por motivos contractuales con el grupo ya disuelto.
Es posible que la justa fama alcanzada por el directo póstumo con su correspondiente film haya extendido una alargada y oscura sombra que a alejado de la primera linea a este otro directo que hoy nos ocupa y que fue grabado entre los días 28 y 31 de diciembre de 1971 en el Academy of Music de New York, posteriormente fue llevado a la inmortalidad del vinilo tras su publicación en agosto de 1972.


Pero lo cierto es que esta grabación poco tiene que envidiar a la realizada en Cisco cinco años después, contaban los chicos con menos repertorio del que tirar, exactamente con los cuatro primeros álbumes de su discografía, lo que no es cosa baladí, y a pesar de que las diferencias entre los miembros del grupo habían empezado a ser importantes (en especial la relación entre Robertson y Helm estaba ciertamente deteriorada) y que el disco precedente: "Cahoots" no había respondido a las expectativas comerciales imaginadas y logradas en sus tres primeras masterpieces, la formación gozaba de excelente salud sobre el escenario y no especulaban con la posibilidad de llevar su repertorio al directo tantas veces como fuera posible.
Es por tanto "Rock of Ages" un Lp en directo que abarca la primera y mas gloriosa época de The Band, uno de los grupos mas importantes de la música americana que jamás existió, y lo hace de manera sublime en cuanto a sonidos y como siempre en aquella formación estilísticamente académica.


Cuentan con los arreglos en la sección de viento de Alain Toussant, que resultan definitivos para lograr la exquisitez sónica que muestra el trabajo.
Los cinco miembros del grupo fueron arropados de forma magistral por un conjunto de vientos formado por profesores de la talla de Smooky Young, Howard Johnson, Joe Farrell, Earl McIntyre y J.D. Parron, cuya participación, al dictado de las partituras y arreglos de Toussant, provocan un giro sónico que resulta definitivo, y realza la grandeza de todos y cada uno de los cortes del setlist.
Setlist que resulta impoluto y que recoge como decimos temas de los primeros cuatro álbumes del grupo, así del mítico "Music From Big Pink" (1968) el disco recoge grandiosos cortes como "The Weight", "Caledonia Mission", la frenética composición de Rick Danko y Bob Dylan: "This Wheel's on fire" y la contundente "Chest Fever" iniciada por la improvisación al órgano de Garth Hudson de influencia barroca denominada "The Genetic Method", del inmortal "The Band" (1969) nos encontramos clásicos impresionantemente revisados como:  "The night they drove old Dixie Down", "Across the Great Divide", "Rag Mama Rag", "Unfaithful servant" y "King harvest".
También el no menos genial "Stage Fright" añade perlas al trabajo de la categoría de "The shape I'm in", "The W.S.Walcott medicine show" y la propia "Stage Fright", en cuanto al no del todo comprendido "Cahoots" nos tenemos que conformar con un excepcional "Life is a carnival".
Además un descarte de "The Band" titulado "Get up Jake" y las excelentes versiones "Don't do it" popularizada por Marvin Gaye y "(I don't want to) Hang up my rock and roll shoes" de chuck Willis.
Por todo lo apuntado podemos decir que "Rock of Ages" es un excepccional disco en directo, oscurecido por la enorme popularidad de "The Last Waltz" y que hoy reivindico aquí.

Este vinilo se ha convertido en un tiempo record de un segundo en una de las mas preciadas joyas de mi discoteca, cierto que es una POM de la música americana de una de mis formaciones favoritas, cierto que es una edición preciosa, americana y con unas fotos geniales, cierto que además suena de puta madre...todo eso es cierto...pero lo que le convierte en una joya total y absoluta es que se trata de un regalo de unos amigos que son más que eso...ellos Joserra y Johnny si que son genuinos, tienen unas fotos conmigo geniales y son una POM de personas...muchas gracias bros.





jueves, 16 de julio de 2015

Heartless Bastards - "Restless Ones" (2015)



La banda que traigo hoy a esta bitácora es: Heartless Bastards, una formación originaria de Cincinnati (Ohio), aunque afincada en Austin (Texas) y liderada por la cantante, guitarrista y compositora Erika Wennerstrom.
El nombre viene de una respuesta errónea en una tarjeta de un juego de mesa respecto del nombre de la banda de acompañamiento de Tom Petty, aquello hizo gracia a la banda y decidieron bautizar la formación con aquella errata.
Tras cuatro discos en los que  Erika ha ido cambiando de formación, llega este quinto: "Restless Ones" en el que por fin repite terceto acompañante, parece que con ellos ha encontrado el carácter sónico que buscaba y se nota, pues estos dos últimos discos marcan una diferencia a este respecto con los anteriores.


De genética tradicional americana, su música tiene componentes rock, blues y country de lineas melódicas sencillas y de fácil transito, es a partir del cuarto del lote "Arrow" cuando el sonido empieza a ganar en intensidad y a recoger ciertos guarismos sónicos garajeros y las guitarras comienzan a tener un peso mayor, eléctricas y con una mayor firmeza.
Y así llegamos a este muevo trabajo, en el que las características iniciáticas de Erika que se ven endurecidas en su anterior entrega, se reafirman aquí para lograr un sonido solido, cohesionado y redondo en este quinto Lp.
La voz de la dama sigue siendo peculiar y destacada, de timbre oscuro y casi masculino, plena, fuerte y utilizada con fineza y sentido en el declamar, ella es el eje de todos los temas.
Hasta diez cortes contiene este "Restless Ones", diez melodías que empastan perfectamente con voz y sonido, como se demuestra en la que abre el trabajo, una eléctrica exhibición guitarrera que acompaña a una melodía excelente, un gran tema de apertura titulado: "Wind up bird".
El álbum fue grabado en un corto espacio de tiempo en un rancho de El Paso, junto al Rió Grande, alejados de toda sombra de civilización, este fronterizo entorno se ve reflejado en cortes de arenosa esencia, directos y rotundos como: "Gates of dawn", o la robusta: "Eastern wind".



Rock de pegadiza melodía, directo y contundente como:  "Black Could" de fibroso riff se mezcla con otros mas amables y poblados de estribillos sonoros como "Hi Line" de irresistibles guitarras, el blues de carretera arrasado por el sol y la arena del desierto de "Pocket full of thirst" de inequívoco ascendente ZZ-Top.
Erika Wennerstrom también deja un hueco para los arpegios que desembocan en blueseros riffs a lo AC/DC en la lírica: "Journey".
Acústicas y ritmos sureños en parches que señalan hacia los inicios de la formación en "Into the light" que mira a un country rockero y sólido, mientras "The Fool" juguetea con un rock heavylongo que arrasa por riqueza melódica y sugerencias sónicas en solos guitarreros.



Finiquita el trabajo "Tristessa", un tema de ritmos casi latinos, percusiones calientes y temperatura en voces y distorsiones que hace de perfecto broche de oro.
Un muy buen disco de este grupo semi-desconocido por estos lares que creo que puede gustar, enérgico, fibroso y con sudorosos momentos sónicos, entre el desierto y la pradera con los amplis siempre conectados, sobran virtudes a este Lp para gustar.

miércoles, 15 de julio de 2015

James McMurtry - "Complicated Game" (2015), La vuelta del hijo del novelista.


Cuando el novelista Larry McMurtry regalo a su hijo James de 7 años de edad una guitarra, no imaginaba que estaba facilitando a su retoño lo que sería la herramienta con la que se ganaría la vida,
El escritor le enseñó solo tres acordes, el resto los aprendió el muchacho a base de quemar horas con su nuevo juguete, rebuscando en el mástil posibilidades con los dedos, pequeños y demasiado excitados para resultar certeros, para hacer aquel instrumento mas rico y divertido, luego el oído empezó a meter baza en el juego, luego las canciones de la radio que eran extraídas del vientre de aquella guitarra...sin darse cuenta aquel regalo paterno que bien pudo quedarse abandonado en el desván, sustituido por cualquier otro juguete escandaloso en ruidos y llamativo en luces de colores, había convertido a su portador en un artista dedicado a contar sus sensaciones, emociones y vivencias, como su padre, pero utilizando canciones en lugar de páginas en blanco que oficien de receptáculos de episodios vitales, reales o ficticios...canciones en lugar de capítulos.


Llegaron los años de universidad y bolos en lugares remotos, recitales que nadie escuchaba con la atención merecida, ruinosos económicamente y que ayudaban a un joven a terminar sus estudios, que no a pagarlos.
Finalmente en 1987, y tras trabajar de camarero, pintor o actor, un amigo le anima a presentarse al Kerville Folk Festival New Folk, concurso para jóvenes compositores que termina ganando, oportuno triunfo que coincide con la filmación de una película, cuyo guión es de el padre de James, protagonizada por John Mellencamp, Larry consigue que Mellencamp escuche a James en una demo, poco después el propio rockero de Indiana es el co-productor del primer disco de James McMurtry titulado: "Too Long in the Wasteland" (1989) que fue bien recibido por la crítica, aunque de tenue acogida comercial.


Continua grabando discos que no terminan de cuajar durante los noventa y primeros años del nuevo milenio, calidad no comprendida. Hasta que en 2005 publica "Childish Things" consiguiendo finalmente el reconocimiento que hasta entonces le era esquivo, consigue el primer premio en el prestigioso America Music Awards como mejor disco y canción.
Este Lp y el siguiente "Just Us Kids" (2008), de buena acogida comercial y merecidas reseñas elogiosas por parte de la prensa especializada contienen una importante y explosiva carga política con alusiones a la guerra de Irak y firme posicionamiento contrario a la administración Bush.
Desde entonces silencio, algunos directos de su gira por Europa, pero ningún tema nuevo, tan denso ha sido el retiro que el nombre de James McMurtry había caído en el olvido, al menos en lo que a mi respecta, y eso que no niego que he devorado varios de sus discos, atrapado por su tradicional folk-rock de raíces americanas, con arrumacos al country y al bluegrass, siempre elegantemente interpretado gracias a una voz personal y de tono cotidiano, como un Springsteen de las praderas, y caracterizando su producción unas bonitas melodías y unas letras que abarcan un abanico que va de la lírica romántica de jóvenes héroes locales a reclamas políticas de duro activismo.


Así que no negaré la combinación de sorpresa y alegría que me ha embargado al enterarme del nuevo lanzamiento, 7 años después, del songwriter Virginiano, este: "Complicated Game", noveno de su discografía, que ha sido publicado hace ya unos meses y que viene precedido con una fama que tras varias escuchas debo considerar más que justa y merecida.
No diré que estos años hallan supuesto grandes cambios en el estilo de McMurtry, su nuevo trabajo presenta el folk-rock de siempre, poblado de temas con aura de épico romanticismo y melancólico tono en el que la cotidianeidad se torna aventura, usos diarios y habituales son relatados con sencillez, personajes de carne y hueso alimentan estas fábulas sureñas y las cuerdas mas countrys dejan ese poso tan especial que redondea el estilo de este autor.
Si es preciso decir que se trata de su disco mas acústico, con textos mas bucólicos y ensoñadores, con apoyo firme a la clase trabajadora sea del rango que sea y que protagoniza alguno de los cortes, y las melodías mas calmadas y conseguidas de toda su carrera.


Creo sinceramente que es el mejor disco de este artista, un músico injustamente ignorado durante años y que ahora empieza a tener un crédito que le permite grabar discos como este, sinceros, alejados de acometidas comerciales, trabajos en los que explorar el mundo que le rodea, en el que vive y que conoce, dedicar sus esfuerzos en los seres humanos en los que cree, y hacerlo tomándose el tiempo que entiende necesario, madurando cada uno de los temas para que el resultado sea tan excelente como demuestran canciones como: "Cooper Canteen", preciosa balada de ambiente campesino y rural que es una delicia.
Maravillosos cantos luminosos y de sabor a gente como: "You Got to Me" en la que canta a una boda, o cantos silvestres con banjos, mandolinas y percusiones metálicas de: "Ain't Got a Place" y "How'm I Gonna find you now", también "Deaver's Crossing" mantiene ese aire country en cuerdas aunque mas tonal y rudimentaria. "She Loves Me" es una bonita balada de amor apasionadamente cantada y "There things I've com to know" es un bello canto de autoconocimiento, crepuscular y adornado por el leve suspiro de acordeones.
Contiene el álbum dos temas de larga duración para enmarcar letras novelescas, casi cinematográficas y que son de lo mejor del trabajo: "Carlisle's Haul" y "Long Island Sound" que deja en evidencia la procedencia del apellido familiar con su evidente influjo folk británico.
Tema mas tabernario y cajun: "Forgotten Coast" invita al baile gracias a su ritmo y un piano de saloom,




La historia de un hombre de familia nos hace reflexionar en "South Dakota" y se culmina el repertorio con la sosegada sequedad acústica de "Cutter".
Un nuevo cancionero sobresaliente para enriquecer la historia discográfica de este 2015 que esta resultando un año brillante y ecléctico, no es ecléctico este disco, como tampoco es novedoso ni aperturista, pero si brillante, reflexivo y nostálgico, con dosis de reivindicación social y madurez creativa, y lo mas importante, construido por una docena de canciones excelentes, bellas, sinceras y repletas de banjos, mandolinas, acordeones, órganos y pianos que suenan con tanta delicadeza como discreción. Francamente delicioso disco de el hijo del novelista que utiliza cantos en lugar de lienzos.


lunes, 13 de julio de 2015

Huercasa Country Festival - Sábado, 11 de julio de 2015

Un poco antes de las 23:30 horas del pasado sábado, en la localidad segoviana de Riaza, en el escenario del Huercasa Country Festival hacía su aparición Manolo Fernandez para presentar el último concierto de la edición de este año, pronunciaba las siguientes palabras: "Algunas veces los sueños se hacen realidad...", poco después el lugar y el momento pasaban a la historia y al rincón de los recuerdos bellos e imborrables de los allí presentes cuando Emmylou Harris hacía aparición en el escenario acompañada de Rodney Crowell...hay cosas que son especiales, que se escarifican en el alma y allí permanecerán dotando de sonrisas a nuestros rostros cada vez que recurramos a su remembranza para siempre jamas...es una de las cosas buenas que tiene el estar vivo.


Pero aproximadamente 12 horas antes empezaba un día llamado a ser legendario y repleto de bellos recuerdos, paseando por el pueblo se podían escuchar los típicos sonidos del ensayo de una banda, al mediodía el lugar del que provenían aquellos inconexos ruidos que parecían música en estado de formación albergaría una fiesta bajo el sol de justicia de este verano de fuego.
El lugar era la Plaza Mayor de Riaza, allí el gentío que poco a poco terminó abarrotando el lugar disfruto durante la matinal y mediodía del ambiente de fiesta, buen humor y calor de bello color amarillo del country, de la cerveza y de los alimentos del patrocinador cocinados a la barbacoa, los bares de la localidad trabajaban a destajo y las terrazas no disponían de sillas libres, todas ellas amontonadas a la sombra de los vetustos edificios que se alzan sobre los pórticos de esta hermosa plaza, buen negocio para los comerciantes locales, que también es una nota positiva.


Y la música la pusieron los segovianos Clan Makeihan, con voluntad y fiel actitud al género desglosaron simpatía y un country de melodías conocidas y célebres que gran parte de los asistentes devoraron físicamente a ritmo de dancing line; sonaron temas tan innegables como: "Blue Moon of Kentucky", "One of these Days", "Fortunate Son" o el instrumental Dylaniano: "Nashville Skyline Rag", alegaron la mañana al personal, después repitieron resultados los madrileños Chisum Cattle Co.



No asistí a la campa del Rasero a las actividades infantiles y directamente me encaminé al campo de Las Delicias donde me encontré a un gentío muy superior al de el día precedente, esperaba una mayor asistencia debido al reclamo de la gran dama que cerraría jornada y evento pero aquello tenía pinta de convertirse en llenazo histórico y un tanto descontrolado a tenor de las kilométricas colas para conseguir tickets.


La banda creada para el festival: HCF All-Stars Band contó con bajas respecto a los miembros anunciados, no estuvo Ramón Arroyo que fue sustituido por Juanma Elegante, ofrecieron un cancionero clásico con temas como: "Have you ever seen the rain" (CCR), "Summertime Blues" (E. Cochran), "Bright side of the road" (V. Morrison), "Don't think twice, it's all right" (Dylan) o la sorprendente: "Get back to the country" (Neil Young). Todo sonó un tanto improvisado y con mas ganas que clase, con actitud pero con unos resultados que imagino no satisfactorios debido más a la eventualidad del proyecto, que nacía y moría el mismo día, que a la falta de calidad de los músicos, pues esta se les supone y muchos de ellos llevan demostrándola durante décadas. No obstante caldearon el ambiente para preparar a la parroquia (que no dejaba de llegar a las instalaciones) para enfrentar lo que estaba por llegar.


Y lo que estaba por llegar era en primer lugar la banda de Philadelphia US Rails, no obstante de haberla disfrutado el domingo anterior en Bilbao tenía ganas de ver a la formación de mi admirado Tom Gillam, que sigue desgranando en vivo junto a los no menos excelentes: Joseph Parsons, Ben Arnold, Scot Bricklin y Matt Muir su cancionero haciendo hincapié en el extraordinario Lp de 2013 "Heartbreak Superstar".


Y precisamente este álbum fue el protagonista del setlist de Riaza, terminaban allí su gira española y no podían dejar mejor sabor de boca tras su paso por la piel de toro, aunque en un principio me sorprendió el sonido un poco bajo del equipo, rápidamente y tras acercarme mas al escenario, mis oídos empezaron a adaptarse al chorro de decibelios y empezaron a degustar las armonías vocales del grupo, la fineza de trazos en sus respectivos instrumentos, las cualidades vocales de todos ellos y las ya sobradamente conocidas canciones, que empezaron a hacer mella en los asistentes que acabaron enloquecidos con una banda que suena como pocas en el actual panorama mundial, un southern rock de raices y de cuidadas melodías, excelentemente interpretadas y presentadas con energía y actitud, un gran concierto.
Tuve ocasión además de conocer a tres de los miembros de la banda, a Ben Arnold, el magnífico bajista Scot Bricklin y el gran Tom Gillam, y me resultaron unos tipos simpáticos y cercanos, me hice unas fotos con ellos y me firmaron su último disco, contento a casa.
Y aún quedaba el plato fuerte, lo que todos esperaban (esperábamos), la mítica Emmylou Harris empezaba a cantar acompañada de Rodney Crowell tras ser presentada por un Manolo emocionado, no tardó en demostrar el porque de su leyenda, deleitó con una voz lírica, con ese encanto femenino y dulce (nunca empalagoso), con esa textura de voz gaseosa, que parece que se puede coger con las manos mientras flota por el aire, bendiciendo a todos los que la perciben, como una legión de pompas de jabón...


Guapa y mucho mas cercana de lo que yo me esperaba, sublime en los momentos mas recogidos, no me preguntéis si sus pies tocaban el suelo...no lo sé.
Rodney Crowell es un artista de una categoría infinita, sabe cual es su papel y lo desempeña orgulloso, caballero y señor, con esa voz pequeña y árida que sabe colocar y frasear como el maestro que es, un secundario decisivo, como Edward G. Robinson cuando hacía grande a Bogart o a Cagney, sin él, el concierto no hubiese sido igual, pero no quiso que se notase, los caballeros que tienen la prudencia y el honor por bandera salen victoriosos desde el infravalorado paraíso de la humildad, señores: que gran artista es Rodney Crowell, desde el sábado admiro aún más a este gentleman.
El repertorio compagino clásicos de siempre extraídos de discos pretéritos, con alguna gema de los dos álbumes que ambos comparten, excelentes "The Travelin' Kind" o "Bring it home to me" de su último trabajo de este mismo año, también hubo versiones como un excelente: "Drunken Angel" de la no menos imprescindible: Lucinda Williams.



En resumen, hermoso es poco para definir el concierto (único en España) de Emmylou Harris y Rodney Crowell, el resto es rescates del pozo de la memoria para volver a intentar sentir parte de la emoción que nos embargó el 11/07/2015.
Éxito que certifica HCF como un festival que no se debe perder, que ha cogido breada y quiere (además merece) convertirse en un clásico que un país como este merece.
Todo ha sido genial, mi Riaza tan hermosa como siempre, mi gente de allí humilde y por tanto grande, los visitantes con felicidad dibujada en los rostros, encantados (hable con alguno) con la villa, y un ambiente de los que hacen que el tiempo vuele, feliz también por haber conocido al profesor Manolo Fernandez, creerme que se trata de un personaje absolutamente encantador y se comportó por los bares, plazas y calles del pueblo como un visitante más.
El año que viene solo puede resultar mejor con la asistencia de algunos amigos a los que se hechó de menos pero que sé que estaban disfrutando de esto que tanto nos apasiona en otros lugares.
¡Hasta el año que viene!!!