martes, 29 de mayo de 2012

Graham Nash - "Wild Tales" (1973)

Los primeros años setenta fueron unos años de tremenda fecundidad creativa para los componentes de CSNY y todo su entorno, Neil Young estaba ya cabalgando en su caballo loco, espoleándolo a golpe de obra maestra tras obra maestra, en un año triste y trágico este 1973, pero no menos prolífico, todo lo contrario. Stephen Stills ya nos había sorprendido con su primer disco "Stephen Stills" (1970) y maravillado con esa POM que es "Manassas"(1972). David Crosby... bueno que alguien me esplique algún día el prestigio del que goza este artista, que yo no lo termino de entender, y Graham Nash, que nos deleito con su primer disco, el espléndido y hermoso "Songs for Beginners" (1971), volvía ahora con este imprescindible "Wild Tales". Esto por no hablar de los primeros discos que facturaron juntos, "Crosby, Stills and Nash" (1969), descomunal debut del supergrupo mas famoso de la historia y "Deja Vu" (1970), aquí con la colaboración de Neil Young, aportando oro a este álbum maestro e histórico.
Hoy nos vamos a detener en "Wild Tales", segundo disco en solitario del británico Graham Nash, disco en el que se encuentran en toda su plenitud las principales características del ex-cantante de The Holies, es decir: elegancia en  la factura de los temas, que se caracterizan por la perfecta linea melódica, fluida, de esencia pop, de digerible paso por el oído y lírica textura. En este disco además se aprecia una sutil pero evidente y no escondida influencia de la música americana mas de raíz, como el folk y el country, pero siempre a merced de unas maravillosas y cuidadas melodías.


Acompañan a estas fantásticas composiciones unos personales y hermosos textos, un poco mas alejados del sentimiento hippie que afloraba de los temas de su anterior disco "Songs for Beginners", y aquí mas instalados en el eterno terreno del amor. Con algún recuerdo a la ex del británico, la maravillosa Joni Mitchell.
Textos estos cantados con el gusto exquisito del autor, poseedor de un fantástico instrumento, bello en cuanto a color y amplio en cuanto a tesitura y que siempre supo utilizar con ese instinto pop-melódico tan propio de los cantantes británicos de los sesenta, que se salían literálmente a la hora de interpretar melodías de inspirada naturaleza lírica.
En el disco, grabado en San Francisco a lo largo del año 1973, y producido por el propio Nash, aparecen colaboraciones de lujo como son las de: Neil Young, tocando el piano bajo el seudónimo de Joe Yankee, Ben Keith con su pedal steel guitar, Joni Mitchell a los coros y su inseparable David Crosby a la guitarra y voces o Dave Manson a la guitarra de 12 cuerdas.
El tracklist esta formado por 10 canciones que hacen cierto aquello de "lo bueno si breve dos veces bueno", pues la mayoría de los cortes no alcanzan los 3 minutos de duración, pero en tan corto espacio de tiempo transmiten lo que tienen que transmitir, sin ninguna pretensión mas allá de el deseo de contar algo de forma bella y plena de sensibilidad. Lo mejor que se puede decir es que en esta colección de temas no sobra nada,  ni una inflexión vocal, ni un acorde o una voz de mas que se le pueda achacar, se trata de un recorrido delicioso por los terrenos de la sensibilidad en un paisaje onírico y bucólico que se hace corto e invita a repetir la experiencia.
Por destacar algún tema, aunque ninguno es de relleno y todos merecen la atenta escucha y posterior deleite, citaremos la dolorosamente hermosa "Prison Song", la deliciosa "Hey You (Looking at the Moon)",la historia de desamor "You'll Never Be The Same" o la dulce golosina folk "On the Line".
Uno de esos discos que ya no se hacen, por desgracia para todos.







lunes, 28 de mayo de 2012

Los Lunes al "Song" - "Don't Play That Song For Me" - Aretha Franklin

Como este fin de semana Aretha Franklin ha sido la indiscutible reina de mi hogar, pues que queréis que os diga, que me apetece seguir deleitándome con su voz inigualable, para empezar la semana en una ensoñación de belleza y buen rollo con uno de mis temas favoritos de "Lady Soul".
Que lo disfrutéis y que la semana sea lo mejor posible...



Y para que el buen rollo sea mayor, y porque me he quedado con las ganas de seguir escuchando este santo temazo, enlazamos con...

2 x 1, "Don't Play That Song For Me" - Aretha Franklin/Adriano Celentano


El inigualable Adriano Celentano también cantó de forma muy particular, como siempre en el gran artista italiano, este apabullante tema. ¿Le damos una escuchadita?
Buena semana a todos!!!





sábado, 26 de mayo de 2012

Joder Aretha ... ¡Que cosas me dices!!!

La última semana ha sido una pequeña travesía por el desierto de la vigilia, vamos, que he dormido entre poco y muy poco, en parte por culpa del trabajo, (bendito sea), y en parte por motivos domésticos, una reforma en la fachada que no dudo en considerar inoportuna además de no muy necesaria, encima cara, pero se votó y... ¡Eso de la democracia no siempre mola!
Encima nuestros valerosos pero jóvenes, quizá demasiado, muchachos del Athletic nos volvieron a hacer mudar de color nuestros rostros y nuestros corazones, la ilusión en que vivió Bilbao y pueblos aledaños durante esta semana ante la final de la copa, ilusión que se veía en las sonrisas de felicidad de los niños, que no se quitaban la camiseta rojiblanca ni para ir a la ducha, el semblante de orgullo de los padres, la expresión de optimismo de las madres y lo mejor, el popurrí de todo esto, que brillaba como el astro rey, que emanaba de los rejuvenecidos semblantes de nuestros mayores, ilusionados como niños, orgullosos como hombres y optimistas como las mamas que quieren la victoria de los nuestros tanto o mas por los suyos que por el equipo, la ciudad o que por ellas mismas... Los mayores estaban totalmente emocionados... Llego el Barça y nos puso firmes en un ratito, otra decepción al saco... pero eso si, que nos quiten lo bailado, los niños ya han dejado de llorar y en nada estarán de vacaciones, coreando los nombres de Iraola, Llorente, Javi Martinez o Ander Herrera mientras juegan al fútbol en el patio de la ikastola, cerrada por vacaciones, tiempo tendrán de vivir otras finales, desde otro prisma diferente al de niño.
Y empezaba el fin de semana con decepción, esperada, pero decepción, pero a mi me quedaba un As en la manga, hoy los currelas de la fachada no tenían tajo, así que podía dormir, dormir hasta cansarme, hasta que la cama me echara de su interior, harta de soportar mi peso y mi pereza, y eso me daba un hálito de esperanza entre los vaivenes de la decepción deportiva de la noche del viernes.
Pero cuando es de que no, es de que no, y primero el teléfono fijo, sonando una vez tras otra...
-¿Siiiiii?
-Hola buenos días, quería cita con Telmo por favor, es urgente...
-Creo que te equivocas ¿eh?
-¿No es la clínica Dental Vital???
-No, lo siento.
A la cama, no pasa nada, aun son las 9.
Lo siguiente fue el móvil, esta en la cocina, pero joder suena como si estuviese en la mesilla de noche, ni puto caso, no me levanto, ya parará. Media vuelta y a sobar.
¿Y ese ruido?, voy a pasar de el, como que no lo escucho... Hay que joderse, en pocos segundos mi sentido del oído estaba en alerta máxima, concentrado en complot con el cerebro en descubrir que era ese ruido, como de motor, los martillos de los obreros no pueden ser, hoy no venían... ¡Ah coño! ya se, el vecino del chalet, que esta con el cortacésped, ¡la madre que lo parió!... no tendrá el tío días para cortar el césped al cabo del año.
Consigo dormir o algo parecido, cuando de repente, el sonido típico de los mensajes de móvil... Ahora si que la hemos hecho buena, al no abrir el mensaje este volverá a recordármelo mediante la estúpida señal auditiva cada 2 minutos, hasta que, o bien se agote la batería, atienda el mensaje o destruya el móvil en un ataque de ira, tan justificado como oneroso en último término, solo queda levantarse y solucionar lo del móvil, que deje de hacer temblar los cimientos de mi descanso cada 120 segundos...
Que cimientos ni cimientos!!!, abro la puerta y descubro que el sol ha tomado al abordaje la sala y la cocina de mi casa, es decir la cocina americana, nombre hortera donde los haya para describir esa estancia tan diáfana, (otro palabro bueno), el mensaje era de publicidad del operador... ¡Santo Dios!, esto es una maldición, no duermo esta semana.
Pero, ¡como mola el solete registrando hasta el último rincón de mi casa!, venga Adi, una duchita, un buen desayuno y como nuevo... mañana es otro día, otra oportunidad de gandulear en la cama hasta bien entrada la mañana, rozando incluso el mediodía...
Antes de meterme en la ducha, preparo todos los elementos del desayuno, cereales, leche, galletas, biscotes, mermelada, mantequilla, y un sobre de café vienés de esos de muestra, que si bien es cierto que esta bueno, no lo es menos que resulta empalagoso y que te deja el estomago saturado durante un buen rato, pero que coño, hoy es sábado y el sol brilla... de momento.
¡A la ducha!, no me apetece nada ducharme solo, pero es lo que hay, bueno, hay otra opción, echar mano de alguna de las damas que me hacen compañía de vez en cuando, igual consiguen que se me pase la mala uva que me ha provocado la abalancha de acontecimientos que han dado al traste con mi mañana de sueño, esa que con tanta ilusión tenía planeada.
Elijo una del montón, la elegida es la gran Aretha. Es recibida con una sonrisa de agradecimiento por el equipo, que brilla de agradecimiento por el alimento que le doy en forma de CD y por el sol que le da de lleno, le doy al PLAY y me voy la ducha.
El agua cae, bailando al ritmo de "Respect", agua caliente como el incandescente ritmo de esa obra impoluta de la Franklin, el jabón lucha con el agua por no desaparecer, por no irse por el desagüe, -¡espera que acabe la canción!, implora, es el momento saxo y quiero bailar al ritmo de los metales... Mi amiga vuelve a la carga, los coros cantan otra canción, Aretha se queda sola, el champú llena mi cabeza, lo quito de los oídos, no quiero perderme ese final trepidante, la cosa mejora, me siento mucho mejor...
Me seco balanceado por "Drown in my Own Tears", Aretha, el piano, el ritmo de jazz, la belleza... paso de afeitarme, lo necesito pero no me apetece, el viento y los coros me animan a tomármelo con calma... !A desayunar!, Schisssss! no hagas tanto ruido maldito microondas, Aretha esta cantando como nunca esta mañana, el sol brilla menos que antes de la ducha, no importa, ahora la dueña de la casa es la mágica voz de Aretha...
Empiezo a desayunar, lo primero los cereales, de repente me quedo quieto, con la cuchara de Corn Flakes en la mano, que oigo... ¿Como?, ¿Que me dices?, ¡Madre mía!, juraría que me lo dice a mi, solo a mi, nunca me había dicho una señora algo así, pero es genial oírlo de tu voz celestial, susurrante, enamorada...
"I Never Loved a Man (The Way I Love You)", ¡Joder Aretha que cosas me dices"...
El desayuno esta de muerte, me esta sentando de miedo, no pares Lady Soul, sigue alegrándome la mañana, sigue haciendome soñar, haciendome sentir, haciéndome parecer con tu voz, tu duende, tu fuerza escondida en ese sensible sentimiento combativo, y yo quería dormir... ¡Con lo bien que me siento ahora!, mecido en los tiernos brazos de la voz de mi Aretha...
¿Sabeis que os digo?, que me quedo aquí hasta que acabe este disco maravilloso que me ha hecho tan feliz esta mañana que empezó maldita y que se ha convertido en bendita... ¡Que cosas me dices Aretha!
Que paséis un feliz sábado!!!











viernes, 25 de mayo de 2012

Discos en la lengua de Cervantes, "De un País en Llamas" (1985) - Radio Futura

En 1985 el enorme globo de fuertes y chillones colores de "La Movida" estaba perdiendo gas poco a poco, los planteamientos iniciales iban dejando paso a una criba artística que solo superaban los grupos que demostraban tener una personalidad propia mas allá del seguidismo a unos planteamientos muchas veces mas estéticos que artísticos que hasta hacía poco dictaba ese "movimiento" denominado La Movida.
Radio Futura era sin duda una de esas formaciones cuya sola mención se relacionaba con el mencionado movimiento capitalino, reconociéndoles además como miembro fundador de dicha corriente, no obstante su trayectoria musical en esos años fue irregular, llena de contrastes y enfrentamientos entre crítica y público que no conseguían llegar a un punto en común con los proyectos de la banda de los hermanos Auseron y Enrique Sierra, pues cuando un producto interesaba a los críticos, el público no lo entendía, así ocurrió con "Dance Usted", o "La Estatua del Jardín Botánico", temas con los que la crítica se mostraba entusiasmada, y que sin embargo, el gran público ignoraba en busca de otros productos de la movida mas divertidos y menos trascendentes, con el primer disco de la formación y su famoso single "Enamorado de la Moda Juvenil" ocurrió a la inversa.
No sería hasta 1984, justo cuando el grupo empezaba a tener problemas serios para conseguir sitio en un estudio, pues hacia años que no conseguían nada palpable económicamente, que Ariola les da la oportunidad de grabar un disco con bastante libertad creativa, el resultado fue el histórico "La Ley del Desierto/ La Ley del Mar", y el lanzamiento de un single, "Escuela de Calor" que pulveriza todas las listas de éxitos y ventas de la piel de toro.
El disco además de un enorme éxito deja claro que los planteamientos de los madrileños van por un camino independiente a los convencionalismos de la movida y que supone un descolgamiento artístico de la corriente creativa en la que habían dado sus primeros pasos un lustro antes.
Y ocurrió algo que hoy en día sería impensable, cuando los acordes de "Semilla Negra" aún se dejaban oír con insistencia en las F.M. sorprenden con la grabación de un nuevo disco, tan solo un año después de "La Ley".

Este disco que se presentó bajo el perturbador título: "De una País en Llamas", dejó perplejo a mas de uno, pues suponía una vuelta de tuerca en cuanto a sonido y también en cuanto a textos, en una primera escucha no parecía tener mucho que ver con el exitoso lanzamiento precedente, y se intuía un disco denso, oscuro y extraño que no parecía, desde el punto de vista comercial, demasiado inteligente editar en aquel momento en que el dulce licor del éxito era servido a la banda por litronas.
Pero sorprendentemente el disco funcionó, la crítica pronto lo ensalzó por su vanguardista sonido, (Aún hoy en día es vanguardista, 27 años después), sus textos crípticos, oscuros e inquietantes, llenos de frases afiladas, corrosivas, llenas de tensión, incluso señaladas por la sombra de la violencia intelectual, no dejaron indiferente al público que convirtió a Radio Futura en una de las bandas del momento.
El disco, grabado en Londres, (una moda de la época), y producido por los músicos funk: Dunkan Bridgeman y Jo Dworniak, que llenan las composiciones de los madrileños de efectos de sonido, ruidos, ecos y ambientación de claro cariz industrial, que crean un ambiente sinuoso, inquietante y de imaginería urbana, (salvo en "El Tonto Simón"), con especial incapié en la creación de estados de animo de desasosiego y temor a una oscura y apocalíptica realidad.
Un riff, enérgico y violento abre el disco y da cobertura a la voz de Santiago Auseron, espectacular a lo largo y ancho del disco con su expresividad a flor de piel pero contenido en el fraseo, destacando el título del tema "No Tocarte" por encima del sonido amenazador y duro, que no da tregua con un ritmo machacón que hace, junto con la guitarra de Enrique Sierra y la voz de Auseron un compacto bloque sónico de ágil expresividad musical, un tema excepcional, directo y de texto críptico y sugerente. 

 

"La Ciudad Interior" fue el primer single, un tema extraño, con una carencia funk, que le da una acidez y una corrosión casi insoportable, una letra indescifrable que gusta oír, que engancha, y un estribillo violento y aterrador en su crudeza, poco adecuada como single, en cambio aquel público de los mediados ochenta acepto el reto de enfrentarse a este cáustico tema.



"El Tonto Simon" es posiblemente el tema mas amable del disco, una historia sobre la España profunda llena de miseria y estereotipos que denotan la crueldad pueblerina de, espero, otros tiempos, todo ello con un trasfondo de son latino, como se deja ver en todo el disco, pero que aquí se pone claramente de manifiesto, sería cuestión de hablar algún día del famoso rock latino y la música de Radio Futura años antes de que alguien acuñase este termino.



"En Alas de la Mentira" es un tema de cargante ritmo, amenazante melodía y bello estribillo, con una tensión musical que casi se puede respirar y oler, la atmósfera urbana vuelve a ponerse de manifiesto en este sinuoso y hiperealista tema.



"El Viento de Africa" es otro ejemplo de tema urbano, con deje latino y letra de franca sugerencia dramática, oscura y salvaje melodía con aires caribeños.
"En el Chino", un tema cuya letra parece haberse adelantado mas de una década, es un tema nocturno, sobre la peligrosa e incomoda vida en los bajos fondos, con descripciones realistas y conclusiones pesimistas en un sonido de reminiscencias souleras y predominio eléctrico-industrial, otro gran tema.
¿Quien escribe las lineas de la mano?, esa es la extraña pregunta que formula Santiago Auseron en el opresor estribillo de "Las Lineas de la Mano", otro tema de cáustica visión urbana mezclada con tenue melodía que se pierde entre las acometidas eléctricas que mandan en el disco.
Quizás "Han caído los dos" sea la joya de la corona, extraña, llena de visiones temibles, parece la banda sonora de una pesadilla condenada a acabar con el sueño romántico de una joven pareja demasiado cándida para soportar la visión de una realidad que mira hacia adentro, hacia la oscuridad interior, todo concentrado en un sonido de factoría eléctrica, con ecos y sonidos agoreros y una interpretación vocal por parte de Auseron totalmente siniestra, por no hablar de las guitarras del recordado Enrique Sierra, que durante todo el disco suenan como si no estuvieran presentes y son imprescindibles, un tema de  alto octanaje, que uele a pólvora y gasolina, uno de los mejores temas que jamas grabó Radio Futura.



El disco se cierra con otros dos caústicos temas, a cual mejor: "Un Vaso de Agua, (Al enemigo)", tema de electrizante estribillo con dialogo entre un hombre muerto que pide agua, y un narrador abonado al territorio de la pesadilla, entonando unas frases inconexas que no llegamos a comprender, lo que hace de la letra algo aún mas inquietante y sugestivo. "La vida en la Frontera" finiquita brillántemente este disco en el que se mezclan estilos tan diversos como el funk, los sones latinos, el soul, el rock e incluso influencias del Bowie de la época de "Scary Monsters", que casi 30 años después suena como tiene que sonar, como se pretendía que sonase en 1985, un álbum que de haber sido grabado por algún artista o banda anglosajona no me cabe duda de que hubiera hecho correr ríos de tinta. Historia viva del rock español en una época mágica que poco o nada tiene que ver con la actual, si alguno no lo conoce, se lo recomiendo cuando tenga un ratillo, pues aunque no le guste, aseguro que le va a motivar algo, no puede dejar indiferente este extraño monolito sonico esculpido por esa banda histórica que fue Radio Futura.

jueves, 24 de mayo de 2012

21 Años sin Gene Clark, 8 Días sin Doug Dillard

Hoy 24 de mayo, además de la efemérides feliz y agradable del cumpleaños del gran Bob Dylan, es también fecha de recuerdo de otro grande de la música, el cantante, guitarrista y compositor Gene Clark, que hace hoy 21 años que nos dejó, debido según los médicos a causas naturales, según otras fuentes sus adicciones al alcohol y a las drogas fueron clave para su fallecimiento a la temprana edad de 46 años. Los que siguieran los post de El Crack del Mes correspondiente al pasado febrero recordaran la constante falta de fortuna que le acompaño en su vida y en su carrera, la cual comenzó como parte destacada de The Byrds, posteriormente con discos, todos ellos excepcionales, en solitario, con Doug Dillard, con Carla Olson e incluso con los ex-miembros de The Byrds: R. McGuinn y C. Hillman, todos estos proyectos tenían dos cosas en común, la gran calidad de los mismos y la incomprensible ausencia de relieve mediático que alcanzaban, haciendo que una carrera musical mas que brillante pasase inadvertida prácticamente hasta nuestros días.
Y precisamente el pasado 16 de mayo se conoció la también triste noticia del fallecimiento de Doug Dillard, amigo y colaborador de Gene Clark, con el que grabo dos discos, el primero de los cuales a pesar del escaso éxito conseguido, es un fenomenal Lp: "The Fantastic Expedition of Dillard and Clark". Doug Dillard además era un reputado músico bluegrass y country, reconocido virtuoso en las artes del banjo y cabeza pensante, junto con su hermano Rodney del exitoso combo bluegrass y country de The Dillards, tenía 75 años en el momento de su muerte, D.E.P.
Desde aquí un emotivo recuerdo a ambos.




¡Felicidades Bob!!!

Pues eso, sin mas, que Bob Dylan, no hace falta mas presentación, con su nombre sobra, cumple hoy 71 añazos, esta hecho un hombrecito ya. Y ahí sigue, clavando el tacón de sus botas en los pavimentos que va encontrando a lo largo del planeta, pateando caminos y carreteras, levantando polvo al paso de su autocar, desperdigando canciones y poesías por el mundo en ese "Neverending Tour", que es quizá su mayor motivo para vivir. En breve le tendremos por aquí, yo me encontraré con el de nuevo el próximo 11 de julio en Bilbao, y al día siguiente seguirá camino, seguirá obedeciendo a su destino de músico errante...
Y así durante 71 años... y que siga...
Felicidades maestro de profesores.








martes, 22 de mayo de 2012

El Crack del Mes - Buddy Holly (III) - Mayo 2012

Tras su separación definitiva de The Crickets, Holly intentó expandir su sonido, introducir efectos sonoros novedosos, utilizando para ello en sus grabaciones secciones de cuerda que si bien le daban una mayor apertura comercial a su sonido, no es menos cierto que le alejaban del rock and roll. Bajo este nuevo prisma artístico fueron apareciendo temas como "True Love Ways", "Raining in my Heart" o "Moondreams" en los que ya se puede apreciar esta evolución en el sonido del joven artista.





Además de esto, no dudó en oficiar de productor del primer sencillo del joven bajista de su grupo, el que posteriormente llegaría a ser célebre músico de country, el outlaw, Waylon Jennings.

Mientras todo esto pasaba, su antiguo sello discografico DECCA, del que hacía casi dos años que se había desvinculado, aprovechaba el éxito que llego a cosechar Buddy Holly and The Crickets para editar en el mes de abril de 1958 los temas que grabaran entre los meses de enero y julio de 1956, y que tras el escaso éxito alcanzado por el single "Blue Day, Dark Nights"/"Love Me" que fuese publicado en abril de 1956, la compañia decidió descartar , aunque consiguió mantener los derechos sobre dichas canciones, derechos que en esos oportunos momentos haría efectivos con la publicación de los mencionados cortes formando un álbum que respondería al oportunista titulo de "That'll Be The Day"



La colección de temas publicada por el poderoso sello de origen alemán resultó ser un muestrario de canciones de un joven Buddy Holly, que sin tener el protagonismo que posteriormente tendría en labores compositivas, ya se podía apreciar la incipiente diferenciación de su sonido y su especial sello a la hora de interpretar sus canciones. El Lp sería a la postre el último que fue editado antes del fallecimiento prematuro de nuestro protagonista. Se trata hoy por hoy de un álbum de difícil adquisición, pieza codiciada entre coleccionistas y cuya valoración ronda los 1000$.
Además de "That'll Be the Day" y "Black Day, Dark Nights", destacan otros estupendos cortes como la rockera y bailable "Love Me" o la mas romántica "Modern Don Juan".







En la frontera de los años 1958 y 1959 Buddy Holly no atravesaba su mejor momento, su anterior productor Norman Petty le estaba creando problemas, sometiéndole a una especie de chantaje, dolido y despechado por el abandono de Holly y su marcha a New-York, Petty, sintiéndose fuera de juego, entro en acciones legales contra Buddy, que tubieron como efecto el bloqueo de las cuentas de este último, hecho este que le obligó a enrolarse en una gira de conciertos invernales denominada "Winter Dance Party" y que le llevaría por todo el país actuando junto al joven Ritchie Valens, The Big Bopper o Dion & The Belmonts.
En el transcurso de esta gira fue cuando se desencadeno la tragedia por todos conocida, mas exactamente el día 3 de febrero de 1959, el tour estaba dispuesto para que la caravana visitara nada menos que 24 ciudades en tres semanas, un programa de actuaciones y viajes agotador que la salud de Holly acabo pagando caro en forma de agotamiento.
Por ello tras la actuación en Clear Lake (Iowa), Holly decide alquilar una avioneta, el autobús en el que tenían previsto hacer el viaje, tenia la calefacción estropeada, y la temperatura nocturna marcaba mínimos de -30º, Buddy, agotado, decidió no hacer ese viaje, descansar al llegar a Minessotta unas horas antes y dormir un poco también en el avión, le acompañaron Ritchie Valens y The Big Bopper en el vuelo, quedándose en tierra entre otros Waylon Jennings, que viajó en autobús a pesar de no encontrarse bien.
Lo que los tres jóvenes artistas ignoraban era que no sería el duro viaje bajo las heladas invernales el que sería el causante de su desgracia, dos horas y media después del despegue y debido al mal tiempo y a la inexperiencia del joven piloto Roger Peterson, el avión desaparecía sin dejar rastro en medio de la tempestad nocturna, a la mañana siguiente apareció una avioneta en un maizal, totalmente destrozada, y a su alrededor los cuerpos despedidos tras el impacto de los tres músicos, muertos en el acto, y se abrió una página trágica, negra, triste y dolorosa, la primera de muchas, que impactó en millones de fans de todo el mundo y que convirtió a las víctimas, especialmente a Buddy Holly en leyendas del rock.
A partir de este desgraciado accidente, el nombre de Buddy Holly es espoleado al olimpo de los grandes creadores de la historia de la música, su sonido, su forma de interpretar el rock tanto como interpretación vocal como sónica serviría a multitud de solistas y bandas venideras como influencia clave para su sonido, The Rolling Stones, The Kinks y sobre todo The Beatles toman ese sonido como concepto básico de su música, llegando a utilizar efectos iniciados por Holly como el doble-rastreo de la voz que experimentó BH en el tema "Words of Love" y que los de Liverpool utilizarían frecuéntemente en sus primeros discos de los sesenta.
Tanto Rolling Stones como Beatles harían versiones de temas de Holly en algún momento de sus carreras, a modo de homenaje al joven maestro.







El día del fallecimiento del astro del rock Buddy Holly es conocido como "El Dia que la Música Murio" gracias al hermoso tema que en 1972 publicó Don McLean en el que señalaba esta fecha fatídica con este apelativo y que no es otra que la celebérrima "American Pie" y que desde entonces es inmediatamente asociada a este día.




En España Loquillo y Trogloditas, en el año 1993 en el disco "Mientras Respiremos", también hace referencia a este día en la extraordinaria "John Milner".



A punto de cumplirse 60 años de la muerte en el cielo de Buddy Holly, su música y su influencia sigue estando en plena vigencia, su legado se ha ido haciendo inconmensurable con el paso de los años, y la importancia en las carreras de innumerables artistas evidente, cada vez mas evidente observando en la distancia y la prudencia que el tiempo dan la realidad de este hecho.
Curiosidades a parte, como que la banda británica The Hollies eligiese ese nombre como homenaje a Buddy Holly, hoy es una figura admirada, respetada y venerada por todos, un genio que se fue demasiado pronto y nos dejo un poco huérfanos y sobre todo un poco mas pobres musicálmente porque Dios sabe hasta donde hubiera llegado este talento indómito que era Buddy Holly.
Y nos despedimos de él con el tema que estaba triunfando en las radios del todo el mundo, en especial en U.K. donde era un auténtico Dios, El Día que la Música Murió.









lunes, 21 de mayo de 2012

Los Lunes al "Song" - "The Trooper" - Iron Maiden

Con toda la mierda que nos esta cayendo encima, las primas de riesgo, el euro, la deuda, los recortes a todo menos a los privilegios de los adinerados y a los jetas de los bancos, los cuentos chinos de los mercaderes desalmados que están haciendo el agosto con la crisis, las mentiras verdaderas de los periodistas, que van cada uno a la suya, acercando el ascua a su sardina (sardina que era nuestra y nos la han quitado claro), y todo el rollo de unos y otros...vamos a necesitar unas dosis de energía extra.
Porque a nosotros no nos solucionan ni un puto problema, cuentos y mas cuentos. Para soportar toda esta basura, como digo, vamos a necesitar energía, mucha mas de la que proporcionan los yogures absurdos esos que dan de comer a las defensas.
¿Y si probamos con un poco de distorsión metalera de la buena?, nos dará energía fijo y además los decibelios taparan y acallarán con su volumen todas las mentiras y patrañas que sueltan, y eso si que es que clave.
Señores, es lunes, empieza una nueva semana, adelante, con la cabeza alta, la tropa cabalga de nuevo...
Que paséis la semana lo mejor que os dejen...




domingo, 20 de mayo de 2012

Disección musical de una canción - "El Cadillac Solitario" - Loquillo y Trogloditas

¿Y si diseccionamos musicalmente una canción?... Como me explico...
Bueno mejor lo vemos y haber que os parece la tontería...




"Cadillac Solitario" -  Música: Sabino Méndez
                                  Letra: Sabino Méndez



" Siempre quise ir a L.A....

... Dejar un día esta ciudad
cruzar el mar, en tu compañía...
Pero ya hace tiempo que me has dejado
y probáblemente me habrás olvidado
no se que aventuras correré sin ti...

Y ahora estoy, aquí sentado
en un viejo Cadillac, segunda mano...

... Junto al Mervellé
a mis pies mi ciudad.

Y hace un momento
que me ha dejado
aquí en la ladera
del Tibidabo
la última rubia que vino a probar
el asiento de atrás...

...Quizás el Martini me ha hecho recordar
nena ¿porque no volviste a llamar?...

...Creí que podría olvidarte sin mas,
y aún a ratos... ya ves...

Y al irse la rubia,
me he sentido extraño,
me he quedado solo,
fumando un cigarro,
quizás he pensado nostalgia de tí....



...Y desde esta curva
donde estoy parado, me he sorprendido
mirando a tu barrio,
me han atrapado luces de ciudad...

...El amanecer me sorprenderá
dormido, borracho en el Cadillac,
junto a las palmeras
luce solitario,

Y dice la gente que ahora eres formal
y yo aquí borracho en el Cadillac,
junto a las palmeras
luce solitario..."
...Para esta última estrofa solo hay una canción posible...
... 




Ya lo se, es la tercera vez que suena este tema en solo 4 meses, pero es que es una parte tan importante de mi vida que no lo puedo resistir, este post no es mas que un entretenimiento ligero que se me a ocurrido en esas horas nocturnas del fin de semana en las que el sueño se mezcla con el deseo de exprimir la vida y las ideas llegan con el tambaleo zigzageante propio del sopor provocado por las últimas cervezas compartidas en camaradería con amigos...

Si sirve como distracción, o excusa para robarle unos minutos al reloj de la rutina diaria, pues habrá merecido la pena.

Saludos amigos y... Buenas noches!



viernes, 18 de mayo de 2012

Big Star - "Radio City" (1974), Belleza Recuperada

Big Star fue una banda no comprendida en su momento, o quizá no bien presentada al público, o des-ubicada, o no sé... pero fue un grupo excepcional que por una cosa o por otra no consiguió el éxito que sin duda merecían sus emocionantes trabajos de estudio. Trabajos de bellas texturas guitarreras que convinadas con melodías pop, receptoras de una evidente influencia de los sonidos propios de los grupos de la invasión británica (otra vez la condenada invasión, no me apeo de ella), crean el caldo de cultivo para ese sonido tan ambiguo que alguien denominó Power-Pop.

Tras un primer disco excepcional,  "#1 Record" (1972), que pasó desapercibido a pesar de tratarse de una impresionante colección de temas, y que provoco la marcha de la formación del cantante Chris Bell, quien fue el principal artífice creativo de este primer y espléndido disco, debido a desavenencias con Alex Chilton, guitarrista que adoptaría a partir de ese momento el rol de líder en solitario de la banda y voz solista, manteniendo la banda en pié contra todo pronostico.
En este nuevo estado de cosas se cocino el segundo disco de la banda, el perfecto e idílico "Radio City". El álbum, que vería la luz en febrero de 1974 no corrió mejor suerte que su predecesor, por lo cual el público de aquel 1974 se permitió el lujo de despreciar un disco de una belleza intrínseca realmente notable y de una intensidad emocional francamente difícil de encontrar en la historia de la música grabada.
Por fortuna los años han terminado poniendo a Big Star en el lugar que les corresponde, habiendo sido influencia clara y notoria de muchos de los grupos que han hecho del Power-Pop su bandera y declaración de intenciones, y que en mas de una ocasión han aprovechado para reivindicar a quienes les marcaron el camino a seguir, camino marcado en la planimetría de sus tres discos setenteros, a cual mejor.
El que hoy nos ocupa es de los tres mi favorito, no se porque, pero así es, podría serlo cualquiera de los otros dos, pero es este, es algo intuitivo mas que de gusto melómano. Un disco en el que lo que realmente destaca es la belleza y la intencionalidad de las lineas melódicas, el lenguaje utilizado con las guitarras, que suenan a gloria, como no suenan en casi ningún otro grupo de la época, la base rítmica, sutil y contundente a la vez, acorde a lo que la melodía y esa intencionalidad dramática que, insisto, tienen estos temas pide.
Un disco absolutamente maestro, que se abre con "O My Soul", tema que inicia esta aventura con una guitarra rasgada y secundada por un teclado ácido y ritmo endiablado, que no cuenta ni necesita de un estribillo pegadizo para meterse en las neuronas y dejarte pegado a su ritmo. Seguida por "Life is White", maravilloso tema que entra de sopetón con la voz dulcemente emitida de Chilton y un acompañamiento de guitarras sincopadas y una armónica que le da un toque blusero al tema, que se desparrama dejando aromas de pop saludable en los agradecidos oídos del oyente, un tema exquisito.



"Way Out West" no es menos exquisito que su antecesor, con un esquema de guitarra y base rítmica clásico que da cobertura a la voz de un Chilton al que se le unen sus compañeros en los coros para sorprender en un precioso estribillo que deja tras de si unas guitarras de angelical sonido, una joya.



Y hablando de joyas, "What's Going Ahn" es una balada acústica, con una voz que pone la carne de gallina, unas guitarras que rezuman belleza en los arpegios y el bajo de Andy Hummel muy en sus sitio como en todo el disco... ¿Por que es tan corta?...



Un aire psicodélico acompaña el fluido manar de la melodía mas powerpopera de "You Get What You Deserve", que cuenta con un punteo guitarrero de tímida ferocidad, "Mod Lang" nos saluda con un riff convinado de dos guitarras y la voz mas rota e histriónica que en otros temas, aquí el contrapunto rockero y sucio para llegar al ecuador del álbum. Continua el disco con los coros y la psicodelia, la luz y el tirante falsete en la voz de Chilton, la nerviosa batería de Jody Stephens para la power-popera "Back Of A Car", vuelven las espumosas texturas bañadas por la evocadora voz de Alex y el soporte de una acustica a lo "Wild Horses" en la sugestiva "Daisy Glaze", hasta que algo se rompe, y la calma se convierte en un nervioso medio tiempo, encontrándonos de repente con dos temas diferenciados y opuestos en uno, un tema de muchos quilates.



A mi el comienzo de "She's A Mover" me recuerda a los Beach Boys de "Pet Sounds", tema de inquieta guitarra que parece querer acelerar el conjunto sin conseguirlo, un tema muy Beat también. La muchas veces versionada "September Gurls" es un pop de saltarina y digerible melodía, de esas que irradian optimismo y buen rollo.



El disco se cierra ante la tristeza del oyente por verse tan solo después de vivir durante unos minutos con la compañía de la belleza, pero lo hace con dos hermosísimas baladas "Morpha Too", precioso tema con piano, que hubiese podido firmar el propio Paul McCartney y cuyo único pero es su duración, poco mas de 1' 40", y la no menos hermosa "I'm in Love With a Girl", cambiando el piano por una acústica, romántica y ligera, mas flok y menos pop, pero igualmente adorable.





Hasta aquí hemos llegado, un disco que con los años a recuperado en parte el lugar que en la historia debería tener desde su nacimiento, al menos no ha caído del todo en el olvido, y gracias a artistas como Posies o Teenage Fanclub que han reivindicado siempre a esta banda podemos hablar de que hoy se trata de una auténtica belleza recuperada, y eso es siempre una buena noticia, si no lo conoces te invito a que lo hagas en cuanto puedas, creo que merece la pena.

jueves, 17 de mayo de 2012

Flamin' Groovies - "Shake Some Action" (1976), Los 60 en los 70

Hace un par de semanas estuve disfrutando del fantástico concierto que dio Chuck Prophet en el Kafe Antzoki de Bilbao, el bolo, a pesar de algún problema con el sonido, que en los primeros temas causó seria preocupación en la concurrencia, fue mas que disfrutable, alcanzando momentos extraordinarios, y terminó con una bomba de forma Beat, nada menos que el estupendo tema de Flamin' Groovies "Shake Some Action".
La cosa es que desde ese día no dejo de pensar en este revitalizante tema y, en general, en todo el disco que lleva como titulo el de esta gran canción.
Es que decir a estas alturas que los Flamin' Groovies fue una extraordinaria formación es de perogrullo, que no esta demasiado considerada por estos lares, otra perogrullada, y que son los que suenan a British Invation, tanto o mas que los propios protagonistas de aquella invasión musical acaecida en los primeros años sesenta y abanderada por los Fab-Four, un dato de sobra conocido por todos los amantes del pop sesentero, del rithm & blues y de la música en general.
Pero es que encima, para liar la madeja aún un poco mas, estos chicos ni siquiera eran ingleses, ni de las islas, ni del viejo continente... eran yankis de California, lo que hace que el sonido de la banda sea mas sorprendente aun si cabe.
Y bien entrados en los setenta, después de cambios en la formación, van y se sacan de la manga el que según un servidor es su mejor álbum, el irresistible "Shake Some Action". Un plácido paseo por los sonidos Beat, y los sonidos mas Beat ademas, los correspondientes a aquella primera época mágica, juvenil, fresca, desbordante de sentido del humor y desparpajo que dejó maravillas en forma de canciones incrustadas en discos como "With The Beatles" o en esa POM que es "A Hard Day's Night", el disco que entiendo que mas influencia ejerce en este que Flamin' Groovies facturan nada menos que 12 años mas tarde.
Cierto que en el disco se escuchan ecos de los primeros Stones, de The Kinks o de The Searches, pero los de Liverpool se llevan la palma en cuanto a similitudes melódicas y sónicas, similitudes nada disimuladas, ya que suenan orgullosas de llevar ese sello distintivo del acoso británico a las listas americanas acontecido una década antes.
El fanatismo de Ciryl Jordan (guitarra y líder de la formación) por los sonidos de la invasión británica le llevó, una vez abandonó el grupo el cantante Roy Loney y el guitarrista Tim Lynch, que serían sustituidos por Chris Wilson y James Farrell respectivamente, a trasladar la banda a Inglaterra, lo que aprobó de inmediato Wilson, seguidor enfermizo de los de Liverpool, haciendo piña en lo personal y en lo compositivo con Jordan, hermanados ambos en gustos y obsesiones musicales.
En el viejo continente su suerte fue mas favorable que en la patria del Tio Sam, convirtiéndose en banda de culto, tras unos años de tímidos lanzamientos discográficos graban este "Shake Some Action", una obra maestra de principio a fin, que suena como si no hubiera pasado el tiempo en el entorno de Jordan, Wilson y Farrell que engendran una colección de temas que, entrada ya la segunda mitad de la década del punk, suena como solo los primeros combos ingleses de los sesenta parecían tener el secreto, como si hubiesen mudado los sonidos y sensaciones de los primeros sesenta a los mediados setenta, suenan como The Beatles señores, suenan de puta madre.
El disco, alimentado por temas como "Yes It's True", "Misery" (versión del tema de The Beatles que se puede encontrar en su debut "Please please me"), "Teenage Confidential", "Please, please Girl" o la hermosa "I'll Cry Alone" y la estremecedora "I Saw Her", además por supuesto del tremendo tema que da nombre al disco, es un divertido y fresco paseo por la campiña inglesa en una tarde templada de primavera, evocando a The Beatles y demás compadres de invasión, además de suponer un autentico deleite para las orejas inquietas de amantes musiqueros, en especial Beatlemanos y rockeros cercanos a Berry o Richards, casi nada.
Voy a embarcarme una vez mas en ese estraño viaje en el tiempo que es la escucha de este disco de los 70 que suena a 60 y que lleva por título "Shake Some Action".















miércoles, 16 de mayo de 2012

Buddy Guy - "Living Proof" (2010), Otra vez atrapado entre las garras de Buddy

Si es que no aprendo, parece mentira, con todo lo que tengo en casa, en el ordenata, hasta en el coche pendiente de escuchar... y voy yo, el mas listo, y solo se me ocurre pinchar este "Living Proof" que grabó el gran, ¡no! el grandioso Buddy Guy en 2010 con 74 añitos de nada, quien lo diría escuchando el cubículo de acero inox relleno de dinamita presta a explotar en cualquier momento que es este disco.
Y es que no es la primera vez que introduzco este CD en el equipo y la voluntad se me anula, los dedos se me encojen, no siendo capaces de pulsar al eject que me devuelva la libertad y los oídos pierden la capacidad de poner su atención auditiva en otro sitio, y se sienten prisioneros de la guitarra de este jovencísimo hombre de 74 años capaz de hacer sentir terror a la cordura de aquel desgraciado que ponga su cerebro al alcance del adictivo sonido de su stratocaster.
Resumiendo, que sabiendo como se, que este disco es un pasaje a la mas dulce exclavitud auditiva, a la condena a remar en las galeras bluseras de mi alma, al insomnio para mi cerebro que no puede dejar de repetir las melodías, los coros, los vientos y los enfermizos sonidos de las seis cuerdas de Mr. Guy, y su sonido recién llegado del infierno del alma de blues de este genio de los trastes, del sindrome de abstinencia, abstinencia por la voz de Buddy, oscura como la noche en que Robert Johnson rubricó su pacto con el señor de las tinieblas en aquel sagrado cruce de caminos.
Sabiendo que me condeno a correr tras el maestro, secando el suelo del rastro de sudor que, a borbotones, cae de la piel de cuero de este inmortal del sentimiento bluesy, música que suda, con frío o con calor, que suda bourbon y ron a partes iguales, y un dulce néctar desconocido para aquellos que no están envenenados del poder de convicción del sonido que envuelve el aire allí donde suena el arma de eyaculacion masiva que es la guitarra de este rey del blues, pero néctar que nos impide la vida a los que lo hemos probado alguna vez, y ahora, pobres adictos pateamos la tierra rocosa del paraíso de los sueños de los bluesmen, en busca de alguna fuente que lo mane y nos permita acabar con nuestro dolor, dolor de ausencia de música tan gloriosa como la que suena en este "Living Proof", una de las últimas fuentes de néctar que nos pueden calmar esta sed, si sabemos buscarla.
Esta noche estoy dándome un autentico atracón de ese néctar, mientras las incandescentes alfileres que son los aullidos de esa guitarra de otro mundo se clavan en mi cerebro incitándolo a volver a escuchar el penúltimo sueño oscuro y luminoso al tiempo de Buddy Guy, obligándome a vencer al sueño y seguir enganchado a "Living Proof", un disco que me convierte en esclavo, en feliz esclavo, y que hace que durante unas horas, o días, me olvide de cualquier otra cosa que pase en el mundo, un disco que me anula, un genio que me atrapa... que otra vez me tiene atrapado entre sus garras... te necesito Buddy.

Si tenéis en estima vuestra cordura, huir y no pinchéis estos temas. si queréis experimentar el feliz paso al infierno cálido y confortable del blues... no lo dudéis, subiros a la madriguera de los adictos al blues...











martes, 15 de mayo de 2012

Nuevo Documental de Jonathan Demme sobre Neil Young

Por tercera vez, después de "Heart of Gold " (2006) y "Trunk Show" (2009), se ha encargado el director Jonathan Demme de filmar un documental sobre el gran Neil Young, esta tercera entrega responderá al título de "Neil Young Journeys" y se podrá ver en las salas de cine de Estados Unidos a partir del próximo día 29 de junio. La película sigue a Neil Young en su regreso a la ciudad en que creció, Omemee, en el norte de Ontario, y muestra imágenes de un concierto en el Massey Hall de Toronto.
Ni que decir tiene que por aquí de verlo en una sala nada de nada, hasta ahí podríamos llegar... Nos tendremos que conformar con pantallas que emiten en lugar de proyectar y además de reducidas dimensiones, vamos el ordenata o la tele.
Lo que si que tenemos ya es el trailer del documental, para ir haciendo boca.



lunes, 14 de mayo de 2012

Los Lunes al "Song" - "Sharp Dressed Man" - ZZ Top

Bueno esto empieza a parecerse a la primavera que todos deseamos, el solete viene y esperemos que para quedarse, uno se siente de mejor humor bajo su influencia, y aunque sea lunes parece por lo menos miércoles...
¿Y si empezamos la semana con estos locos encantadores y sus contagiosos riffs?
Haber si todos empezamos de buen humor esta semana...



sábado, 12 de mayo de 2012

Shooter Jennings - "Family Man" (2012), el Retorno de un Hombre Tranquilo

Hace varias semanas que vio la luz el último trabajo del hijo del mítico Waylon Jennings "Family Man",  y tras oír, bueno leer, buenas cosas sobre el disco, cosas que hacían pensar que sus últimas producciones, en especial el flojo "The Wolf", fueron accidentes que cualquiera puede sufrir en este loco mundo, me fuí derecho a por el álbum esperando encontrarme con un material que recordase a los espléndidos "Put The O Back in Country" y "Electric Rodeo".
Después de varias escuchas debo decir que recordar, no recuerda mucho sus primeros lanzamientos, mas robustos sonoramente, mas propios del "tipo duro" que su casta de "outlaw" hace presagiar, mas guitarreros y peligrosos. Con esto no quiero decir que el disco no me guste, no... me gusta, ¡vaya que si me gusta!, ahora bien, esta colección de canciones pertenece a otro Shooter Jennings, mas tranquilo, maduro y centrado en su familia. De hecho el disco se titula "Family Man" (lento que es uno), con lo que el bueno de Shooter nos avisa de lo que hay desde la propia portada del disco.
Y lo que nos encontramos es un sonido nuevo, como nueva es también su banda, country mas de entonar mirando la puesta de sol desde el porche, balanceándose en la vieja mecedora y llenando las tuberías con el viejo bourbon, eso si, traguito a traguito.
Tras la brillante apertura con "The Real Me", tema de contagioso estribillo, que comienza con una acústica sombreada por el fiddle, con un final trepidante de fuerte aroma country, seguimos con la Springsteeniana "The Long Road Ahead" que cuenta con la participación de Tom Morello (Ex Rage Againts the Machine) y Eleanor Whitmore en los coros, después nos encontramos con la espléndida y luminosa "The Deed and The Dollar", radiante y cálida como la brisa vespertina del desierto, de hermoso estribillo y fenomenal Steel guitar a cargo de John Graboff.
Estos tres cortes ya justificarian la compra del disco, pero lo cierto es que hay mas y bueno en este último trabajo de Shooter Jennings, el clásico country con armonías vocales a lo Eagles (del Desperado), o mejor aun, de Flying Burrito Brothers, de "Manifesto Nº 4", la mas áspera y rockera "Southern Family Anthem", las preciosas baladas "Born Again", de nuevo con las impagables armonías vocales de la sta. Whitmore y la nostálgica "Daddy's Hands", con una armónica que llena el espacio de recuerdos.
La relajada y acústica "Summer Dreams (al's Song)" y la familiar "Family Tree" casi cierran este recorrido musical por ese desierto melódico de country que es este "Family Man" si no fuese porque aún queda una gema en este catálogo, la susurrante, desnuda, descarnada y bella "Black Dog", tema en el que, llamadme loco, creo por momentos sentir asomarse entre los pliegues de su melodía a Johnny Cash o a Tom Waits, un precioso tema, el mejor según mi punto de vista, evocador y emocionante.
Un gran regreso el de Shooter Jennings, con un disco mas pausado, tranquilo y sentimental en el que el hijo de Waylon nos transmite el gran momento que vive a nivel personal gracias a su familia, si esto además se traduce en buenos discos como este, no solo el amigo Shooter esta de enhorabuena, nosotros también lo estamos.





viernes, 11 de mayo de 2012

El Crack del Mes - Buddy Holly (II) - Mayo 2012

"That'll Be the Day" había convertido a Buddy Holly en una estrella, y el, pronto se ocuparía de que nadie pensase que este éxito era producto de la casualidad y que su brillo sería efímero, así tras este primer hit, pronto siguieron otros no menores como "Maybe Baby", "Not Fade Away" o "Oh Boy!" que rápidamente confirmaron la irremediable certeza de que The Crickets era uno de los combos del momento, dirigidos por un líder joven, creativo, innovador y que había dado con la tecla de algo que estaba llamado a crear una corriente de influencia definitiva debido a la frescura de sus composiciones, a su sonido rockero que dejaba las raíces mas profundas un poco fuera de juego para dar mas empaque a la visión personal de un sonido y una forma de arropar las melodías menos ortodoxa y mas moderna, mas individualista, mas natural.
Las giras, exitosas y que levaban al joven Holly de un lugar a otro enfrentándose cada noche a grandes multitudes que anhelaban escuchar sus éxitos en vivo, no se hicieron esperar, y como era de esperar en ese idílico, para nuestro protagonista, 1967, vería la luz su primer Lp. "The Chirping Crickets".

"The Chirping Crickets" (1957)



Producido por Norman Petty, personaje clave en la suerte de Buddy Holly, el disco fue lanzado finalmente el 27 de noviembre de 1957. Se trata de una inconmensurable colección de temas de ingeniería rockera al estilo Holly, es decir con una visión menos rotunda de la hasta ahora intocable influencia bluesera, dando mas manga ancha a los sonidos relajados y efervescentes de unos crikets que grabaron el disco en un principio, pero que posteriormente, fueron otros combos como The Picks los que serían insertados por Petty en las cintas, entonando los coros definitivos, los que escuchamos en el álbum tal y como quedo terminado.
En el apartado de las composiciones, Buddy Holly cuenta con la colaboración de Norman Petty en la composicion de mas de un tema como el grandioso y famosísimo, mil veces versionado "Not Fade Away".



La exitosa "Maybe Baby", delicioso tema, de fluida e irresistible melodía, que cuenta con unos coros perfectos por parte de The Picks, también fue compuesta por Holly junto con el productor.



Igualmente la mas clásica, breve pero intensa "I'm Looking for Someone to Love".
Junto a Jerry Allison, baterista de The Crickets ambos compusieron, ademas de "That'll Be The Day", la también fantástica "Tell Me How", nuevamente con los estupendos The Picks en los coros.



La importancia de Norman Petty como compositor es incuestionable, aportando junto a otros escritores de canciones como Sonny West, Johnny Wilson o el mismísimo Roy Orbison gemas como el extraordinario y juvenil "Oh Boy!".



En la bonita canción "You Got Love" queda en evidencia la crucial aportación de Orbison en la escritura de la misma, dejando entrever lo que en breve sería el sello inconfundible en la escritura lírica y de largas lineas melódicas del gran Roy Orbison.
Baladas, cantadas con nostálgico aliento y evocadores coros, que dan razón de que la balada es un registro en el que el joven Holly se sabe desenvolver perféctamente, como "It's Too Late", "An Empty Cup And A Broken Date", (nuevamente con Orbison componiendo junto a Petty) y esa delicatessen que es "Send Me Some Lovin'", completan, junto a la romántica "Last Night" y la Rockera y Elvisiana "Rock Me My Baby", un disco debut absolútamente novedoso en su estructura sónica y totálmente diferente a lo que hasta la fecha se había facturado en el rock and roll, menos rebelde pero mas sutil, menos lujurioso pero mas romántico, con menos agresividad pero con mas firmeza... En resumen, menos rock y mas pop. Que se lo digan a unos chicos de Liverpool que se volvieron locos con la música de este joven (por siempre) genio que era Buddy Holly, y este fantástico "The Chirping Crickets".

Como el goteo de singles que alcanzaban el éxito de modo inmediato era continuo, no tardó mucho el estudio en olvidarse de la razón The Crickets, para centrarse en el eje de esta formación, que no es otro que Buddy Holly, y de hecho, así fue bautizado su segundo disco "Buddy Holly".
El disco, que venía precedido de sonoros hits a ambos lados del Atlántico, el éxito era mayor en U.K. incluso que en el país del Tio Sam, incluia en sus surcos temas tan conocidos y queridos por todos los amantes del Rock and Roll como "Peggy Sue", "Words of Love", "Everyday" o "Rave On".
El resultado, otro espléndido disco, continuista con el anterior, que tenía como principal virtud, una colección de canciones, a cual mejor, aparecido en febrero de 1958 y con colaboraciones cada vez mas importantes que daban cuenta de la importancia, no solo comercial, sino artística que empezaba a granjearse en el ambiente musical Buddy Holly, pasando The Crickets a mera banda de acompañamiento.





En agosto de este mismo año Buddy Holly se casa con la venezolana Maria Elena Santiago, lo que provoca un lento pero continuado distanzamiento de The Crickets y de Norman Petty, se fue a vivir a New York, y a finales de 1958 se hizo oficial la ruptura musical de Buddy Holly con sus antiguos compañeros.
A partir de aqui empezaría la busqueda de nuevas propuestas musicales, nuevos retos sonoros y también una nueva vuelta de tuerca a los textos, empezaba el interes por avanzar musicalmente en, el aún jovencísimo, Buddy Holly, ya sin The Crickets.

jueves, 10 de mayo de 2012

2 x 1, "Cum on Feel the Noize" - Slade/Quiet Riot

La canción, también deletreada como "Come on Feel the Noise", fue lanzada por los británicos Slade en 1973 consiguiendo un éxito fulgurante, especialmente en El Reino Unido, años mas tarde, en 1983 exactamente, la banda de Heavy Metal Quiet Riot la versionó consiguiendo de nuevo las mas altas posiciones en las listas de medio mundo, este lanzamiento además de elevar a los altares a los Angelinos supuso un definitivo espaldarazo al heavy metal en aquellos primeros años ochenta.
El tema, popular donde los haya y sobrado de energía rockera, es uno de esos que hace que tu cabeza se tambalee de un lado a otro sin medir en consecuencias para las vertebras, así que fastidiémonos un poco las cervicales con la versión que cada cual prefiera... O mejor aún, con las dos.




miércoles, 9 de mayo de 2012

Obras "Menores" de Artistas "Mayores": "Diamond Dogs" (1974) - David Bowie

"Diamond Dogs" es un disco al que mas que la palabra "menor" yo creo que se le adapta mucho mejor la palabra "ignorado". Lo mismo es cosa mía, pero me da la sensación de que nunca, y digo nunca, sale a conversación este álbum cuando hablas con alguien del Bowie de los setenta, aquel Bowie que removió el mundo de la música y casi diría del espectáculo con sus continuas caretas musicales y sus delirios compositivos. Se habla de "Ziggy", "Aladin", "Station" o "Heroes"... pero de este "Diamond Dogs" no, al menos yo siempre tengo que terminar sacándolo a colación porque en todas las conversaciones que he tenido a este respecto permanecía ignorado, invisible hasta que yo lo he mencionado, e incluso después de eso, es recibida mi alocución con tibieza y casi diría que con pereza por parte de mis interlocutores, insisto, lo mismo es cosa mía, pero es la sensación que en numerosas ocasiones he tenido.
Tras grabar la colección de covers de "Pin-Ups" en 1973 y agotar sus colaboraciones con los Spiders from Mars, quienes fuesen vitales en la exitosa época Glam del británico, en especial el magnifico guitarrista Mick Ronson, Bowie, con nueva banda encara este disco como una experiencia temática sobre la famosa novela de George Orwell: "1984". Incluso se plantea una producción teatral sobre la novela, cosa a la que los herederos del escritor se niegan no cediendo los derechos del relato futurista y apocalíptico que tanto cautivo a Bowie, como a tantos miles de personas. Después de esto los temas escritos para la adaptación de la novela acabaron en la segunda cara del vinilo, tomando los primeros cortes del disco los principales singles del álbum: "Diamond Dogs, tema de indiscutible influencia Stoniana, de arquitectura sonica rockera y oscura, además de eléctrica recreación sonora y la magnífica "Rebel Rebel", tremendo Rock and Roll, movilizado por un riff de guitarra entre ácido y clásico que no da descanso y un estribillo contundente de activa base rítmica y pegadiza melodía, en ambos casos hablamos de temas rockeros realmente extraordinarios.





A pesar de recrear un nuevo personaje, en su intento por olvidar al andrógino Ziggy Stardust, denominado Halloween Jack y que se trata, nada menos que de un gato cool futurista, habitante de un venidero mundo apocalíptico post episodio nuclear, la sombra de Ziggy es alargada y se deja ver en varios momentos del disco: La estupenda "Candidate" tiene el aire de manicomio en hora punta que se respiraba en pasajes de Ziggy Stardust, a pesar de endulzarla con un saxo de cálido sonido, algo parecido pasa en otros cortes del album, si bien no llegan a la intensidad conseguida en los surcos de "Ziggy Stardust".
"Sweet Thing" nos ofrece a un Bowie de enorme intensidad vocal, oscuro y sugerente en un tema que convina la actitud crooner con los guiños glam aún no olvidados.
"1984" es un tema bailable que nos presenta a un Bowie interesado por otros ritmos mas claros, luminosos y menos complicados, mas cercanos al soul o al funky, lo que se verá corroborado en su siguiente disco: "Young Americans".





"Rock and Roll with Me" es un precioso tema de tendencia popera, elegante y cool, que cuenta con una prestación vocal atinada y ajustada de Bowie, que demuestra el extraordinario cantante que es, así como lo hermosa que puede sonar su voz en ciertos registros. Vuelta al Bowie crooner en la apacible y bien construida "We Are the Dead" y últimos coletazos al disco con dos temas creados para el proyecto inicial abrazado por Bowie en torno a Orwel y su famoso "1984", la aburrida "Big Brother" y la ácida e irregular "Chant of the Ever Circling Skeletal Family".
Como ocurre en tantas ocasiones, un disco que ve la luz tras una etapa de imponente producción musical por parte de un artista que hace que cualquier proyecto que venga inmediátamente después palidezca ante la exibición creadora anterior. Así ocurre también con este gran "Diamond Dogs", disco apocalíptico, que esta un poco a medio camino de varias cosas que se irán concretando en próximas entregas, y los sonidos que la inercia de la anterior etapa dejan, empapando algunas secuencias del disco.
Un disco a revisitar, y a disfrutar, pues no me atrevería yo a decir que los discos que le quedan a Bowie por facturar en el resto de la década superen a este irregular, oscuro pero con momentos extraordinarios, "Diamond Dogs".

martes, 8 de mayo de 2012

"Un Jardín en el Desván", un rincon para la poesía y el sentimiento en la blogosfera

Señoras y señores, debo decir que me llena de orgullo (y satisfacción), presentar este nuevo rincón, un jardín en este caso, en esta blogosfera nuestra, se trata del blog de mi prima y amiga, sobre todo amiga: Alaya y responde al nombre: "Un Jardín en el Desván".
Este blog, en este caso, no esta dedicado a la música, aunque si al arte, si a la belleza y definitivamente, si a los sentimientos y al pensamiento. Todos aquellos amantes de la belleza en general y de la poesía en particular no deben dejar de visitarlo, pues les va a sorprender, en este microparaiso encontraran una serie de textos escritos por la dama del Jardín, la emocionante Alaya, textos sorprendentes, aquellos que gustan de las emociones sinceras y plásticas, de la belleza de la arquitectura de la gramática, esa que usa la sensibilidad como materia prima de decoración y soporte, las palabras como accesorios de fijación y los puntos y las comas como argamasa pueden estar seguros de que este rincón hará sus/nuestras delicias.
Un lugar de relax, indicado para la relajación, para dejarse llevar por la emoción y por la sinceridad de la bella expresividad de la autora, rebosante de pensamientos profundos, hermosos y emotivos.
Siempre es conveniente contar con un jardín de este tipo, un jardín en el que las flores son bellos textos destinados a ensalzar la belleza y las incertidumbres del alma.
Bienvenida prima, y gracias por dejarnos ver a todos los entresijos de tu hermoso interior.
Como no puede ser de otra manera la bienvenida debe ser con música, con un tema acorde al nuevo espacio.



El Jardín en el Desván: http://oleosdesilencio.blogspot.com.es/

lunes, 7 de mayo de 2012

Los Lunes al "Song" - "Flower in the Sun" - Janis Joplin

Después de un fin de semana intenso, con concierto el viernes, viaje a León (mi segunda casa) el sábado temprano, encuentro con amigos y amigas, mucho comer y bastante beber, vuelta a casa...
En resumidas cuentas, agotador fin de semana, aunque fantástico, hoy me siento con muy poquita correa, con ganas mas de descansar que de empezar una semana de curro.
Así que habrá que hacer algo para recuperar energía con rapidez, y creo que es posible captar algo de la energía que la Grande emanaba en esta impresionante interpretación de 1968 de un tema estratosférico como es este "Flower in the Sun". Aquí  la gran Janis esta que se sale, la energía se desborda por todo su ser, seguro que algo me contagia, y de paso aprovechar vosotros también, seguro que a ella no le importa que recojamos algo bueno de ese talento descomunal que a ella le sobraba, de esa energía que nosotros, pobres mortales, tanto necesitamos.
Espero que os guste, y os deseo una buena semana a todos.

viernes, 4 de mayo de 2012

Mirando al ARF-2012, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" (1973) - Lynyrd Skynyrd

Seguimos con la cuenta atrás hacia el Azkena Rock 2012, en poco mas de un mes nos veremos en la cola de las pulseritas, bajo el sol (espero) y con el cosquilleo en el estómago de lo que se espera con entusiasmo y emoción.
Hemos hablado de Status Quo, de Blue Oyster Cult, de M. Ward (en otro espacio, pero también estará en Mendizabala), y de N.M.A.S.

Ahora le toca el turno a los mas grandes del cartel, (si me lo permitís). A los mitológicos Lynyrd Skynyrd. Cierto que la pregunta es obvia, ¿Pero estos son los Skynyrd?... Hombre no, evidéntemente no, pero es lo que hay, y es un grupo cohesionado, alguno de sus miembros lleva años en el proyecto, tocando los viejos clásicos de aquella banda de ensueño que lo fue, y mezclándolos con los discos que han ido apareciendo en los últimos años.
De aquella mítica formación no queda casi ningún miembro, cierto, pero insisto, es lo que hay y se toma o se deja, yo lo tomo...
Aquí ya no esta el legendario Ronnie Van Zandt, en su lugar, desde 1987, es su hermano Johnny el que actúa de front-man, tampoco Steve y Cassie Gaines están ya con nosotros, ni Allen Collins. Carol Chase da el contrapunto vocal femenino a Johnny desde 1987, como en su día Cassie hiciese con Ronnie. En cuanto a las seis cuerdas Rickey Medlocke y Mark "Sparky" Maltejka son los encargados de completar la famosa triada junto al único superviviente de la agrupación original Gary Rossington. Michael Cartellone a la batería, Peter "Keys" Pisarczyk a los teclados y el recién incorporado Johnny Colt, ex Black Crowes, al bajo, sustituyendo a Bob Burns y Larry Junstrom, completan la actual formación, mas que competente, y con algún miembro con años ya de rodaje en las armonías y ataques sureños que pariesen en sus gloriosos años Ronnie, Gaines y compañía.
Ya se que no es lo mismo, pero no me quitéis la ilusión hombre... espero degustar un bolo que al menos me haga percibir los aromas sureños a pan de maíz y licor de zarzaparrilla, que sus sonidos evoquen en mi la brisa cálida y susurrante de los atardeceres a orillas del Mississippi y sus ataques guitarreros me carguen de esa furia heredara de las fugaces tormentas eléctricas propias de los calores estivales de las bastas llanuras del sur.
Pues eso es, en parte, lo que se siente cuando uno se engancha a los sonidos e intenciones sónicas de aquellos Skynyrd de los 70, auténticos caballeros del sur, guerreros del romanticismo de la tradición anclada al rock and roll, que aún hoy suena como nunca, o como siempre...
Y como en el bolo no pueden faltar algunos clásicos, nada como recordar los, por otra parte, nunca olvidados, dos primeros discos de la formación, donde clásicos hay para regalar.
Y en esta ocasión, por decir uno, hablaremos un poco del primero, "Pronounced Leh-Nerd Skin-Nerd" (1973), una POM de mucho cuidado en donde los Skynyrd dejan claro a su concurrencia como se pronuncia el nombre de la banda y cuales son sus ruidosas y bellas intenciones.

Asidos al rock and roll mas a flor de piel, mas de fiesta del granero, mas de coro de iglesia anglicana, respirando tradición y folclore se van desgranando los ocho temas imprescindibles de este trabajo de presentación de la banda sureña por excelencia.
El disco se abre con "I Ain't the One", tema aguerrido, que se agarra a tu cerebro a golpe de riff y punteo de tono desquiciado, y la voz poderosa y viril de Ronnie, un estribillo apoyado por el piano y una base rítmica machacona, en resumen, un rock and roll de muchos quilates. La mas dulce y evocadora "Tuesday's Gone", romántica, con una guitarra que suena triste, lejana y dolida, una apagada voz de Van Zandt y un estribillo que parece gritar de dolor sin tener fuerza para hacerlo, un gran tema.





Un furioso riff, rápidamente escoltado por la batería, y dándole continuidad la guitarra líder, siempre secundada por sus dos compañeras de triada preparan el terreno para que el inimitable Ronnie empieze a contarnos su "historia" en esta extraordinaria "Gimme Three Steps", rápida en su desarrollo, bailable y juguetona esta canción es un desparrame de ritmo rockero.
Un arpegio cálido al que da el relevo tras la entrada de la percusión una voz que se retuerce, que viene de la inmensidad de las entrañas humanas... así comienza "Simple Man", plácida y ligera como una nube de verano, hasta que esta nube se oscurece y empieza a derramar toda su furia en una tormenta eléctrica sobre los corazones de aquellos que tienen la suerte de ser empapados por tamaño estribillo, un tema de autentico perdón.



"Things Goin' On", tema de jugetona guitarra y ritmo saltarin, que se desgrana como sin ganas de herir, hasta que un piano cabaretero hace que tus pies den replica al aire alegre de este sensacional tema animoso y optimista.
A ritmo de country, Ronnie nos cuenta la historia de "Mississippi Kit", un clásico del western, que bajo el caluroso acento que este extraordinario grupo de músicos eran capaces de inyectar a sus instrumentos, parece tratarse de un romántico forajido en busca de la chica que le haga abandonar los polvorientos caminos.
La feroz y agresiva "Poison Wiskey", nos devuelve al sur y sus oscuras historias humanas, enterradas en la intrínseca violencia heredara de la dureza de la tierra azotada por el sol, unas guitarras que no dan tregua y un estribillo corto pero directo para el mas breve tema del disco.
En cuanto al tema que cierra el disco... "Free Bird"... que quereís que os diga, una obra maestra, uno de los punteos mas grandes de la historia, la banda sonora de un sueño...
Mejor lo escuchamos una vez mas y así no digo ninguna idiotez...



En Menidazabala espero que caigan alguna de estas canciones inmortales que pueblan los caminos áridos y secos de las arrugas del sonido de secano de este excepcional disco. Después del ARF hablamos de estos Lynnyrd Skynnyrd.

miércoles, 2 de mayo de 2012

El Crack del Mes - Buddy Holly - Mayo 2012

Charles Hardin Holley nació en Lubbock, Texas, el 7 de septiembre de 1939, integrado en una familia amante de la música, en su casa se pasaban los días escuchando los discos de las estrellas de blues, folk y country del momento.
Gracias a este ambiente propicio, aprendió desde muy joven a tocar varios instrumentos, entre ellos, la guitarra, el banjo, la mandolina, el violín y el piano. Junto a dos de sus hermanos se subió a un escenario por primera vez a la edad de 5 años para participar en un concurso local, concurso en el que gano 5 $.
En la intimidad de su hogar era conocido como Buddy, de ahí que con el tiempo, este fuese su nombre artístico.
Años después, en el instituto se hace amigo de Bob Montgomery, otro amante del blues y el country como Holly con quien enseguida conecta, juntos, pronto empiezan a actuar en las fiestas de los institutos de la zona.
Entre 1949 y 1952 realiza sus primeras grabaciones junto a Montgomery en un grabador de alambre prestado por un amigo que trabajaba en una tienda de música. Estas grabaciones, son escasas y no tienen ninguna repercusión mas allá de la doméstica escucha de las mismas. No obstante hoy es posible escucharlas en la antología: "Box Set Not Fade Away: The Complete Studio Recording and More", la primera de estas grabaciones fue el tema "My Two Timmin' Woman" (1949).



Durante una temporada toca junto a Jack Neal para la emisora de radio local KDAV y realiza alguna grabación sin ningún tipo de repercusión mediática. Tras el matrimonio de Neal, este deja la formación, con lo cual vuelve a tocar junto a Montfomery y un bajista llamado Larry Wellborn en fiestas juveniles y para la radio o la iglesia.
Es en 1955 cuando todo da un giro radical, tras la actuación de Elvis Presley en Lubbock, un impresionado Buddy Holly, que hasta ese momento estaba mas interesado en el country que en cualquier otro género, se cuela en el camerino del Rey, Elvis se hace rápidamente amigo de este, y le propone tocar, junto con su grupo, para el, como teloneros en alguno de sus conciertos. Así, este joven tímido y principiante, de la noche a la mañana se encuentra teloneando nada menos que a Elvis primero y posteriormente también a Bill Halley, Carl Perkins y Johnny Cash.
Buddy Holly a estas alturas ya tenía muy claro que el rock and roll era el estilo que formaría la base del sonido de sus composiciones, asi tras abandonar Montgomery la formación, la banda quedo formada por Larry Wellborn al bajo, Jerry Allison a la batería y el guitarra rítmico Sonny Curtis.
Esta formación consigue llamar la atención de Eddie Crandall, un ojeador de la DECCA, con la que firman un contrato con la intención, por parte de la compañía, de encontrar en Holly un rival para Elvis.
Tras una serie de grabaciones, poco satisfactorias para Buddy, decide dejar DECCA, para confiar su futuro inmediato en el productor Norman Petty, quien le daría, precisamente lo que el estaba buscando, libertad creativa y artística dentro del estudio y en el carácter de sus composiciones.
Tras la llegada del nuevo guitarrista Niki Sullivan, Buddy decide grabar un tema que ya grabó en DECCA: "That'll be the Day", el echo, es que Holly se había comprometido con la compañía a no grabar ni editar ninguno de los temas que había grabado bajo este sello en cinco años, no obstante viendo el interés que el tema despertaba en los estudios Coral Records, consiguió llegar a un acuerdo con DECCA a cambio de renunciar a los derechos del resto de temas que había grabado con ellos.
Finalmente el sigle vio la luz el 27 de Mayo de 1957, siendo firmado como The Crickets, tras la sustitución al bajo de Larry Wellborn, que dejaba su puesto a Joe B. Moulding.
El éxito fue fulgurante e inmediato, tanto en Estados Unidos como al otro lado del Atlántico.
Acababa de nacer una estrella de rock and roll llamada Buddy Holly, que estaba llamada a hacer importantes cosas en el mundo del rock and roll.



Especialmente dedicado a mi amigo Freaky Boy Hood, que sé que le apetece un monográfico sobre este tremendo artistazo, al que, como todos un poco, tanto echa de menos.