sábado, 31 de marzo de 2012

Mirando al ARF-2012, "Fire of Unknow Origin" (1981) - Blue Oyster Cult

No soy yo de los mas optimistas con el devenir del próximo ARF, el cartel ya he comentado que de momento me parece decepcionante, se echa en falta alguna banda de nivel y actualidad al mismo tiempo, los Skynyrds son leyenda, pero esta actual formación, ¿Son los Skynyrds?. Los Quo no los he seguido y es ahora cuando estoy profundizando en ellos, con desiguales resultados, el temita de Ozzy and Friends paso de comentarlo, diréctamente...
Danko Jones, The Darkness, My Morning Jacket, North Mississippi All Stars, Pentagram, Black Label Society... No me espero demasiadas sorpresas de ninguno de estos grupos ni de algún otro que navega por el (en mi opinión feo, ni eso) cartel de este año.
¿Y Blue Oyster Cult?. Tienen buenos discos, una trayectoria brillante en sus primeros años, marcada por un Hard-Rock, manchado con motas de Blues-Rock, psicodelía e incluso Glam-Rock, con talento para las melodías y los estribillos, pegadizos y potentes, junto a unas letras oscuras y con tendencia ocultista, esto unido a sus enérgicas actuaciones en vivo hicieron de los neoyorkinos una de las bandas de referencia del Hard-Rock, Blues-Rock de aquellos primeros años setenta.
Llegó el éxito masivo con "Agents of Fortune" (1976), espléndido disco en el que figura su mayor éxito: el tema "(Don't Fear) The Reaper". A partir de aquí se les acusa, no sin cierta justicia, de amansar progresivamente su sonido hacia texturas mas pop, temas mas digeribles y livianos, dejando siempre algún trallazo hard en cada disco, lo que no siempre era suficiente para sus seguidores mas apegados a los decibelios.
El disco que es protagonista del presente comentario es un alto en este camino hacia producciones ochenteras de ingeniería pop-rock, una vuelta, si bien no completa, si al menos un giro de cabeza decidido hacia sus primeros discos.
"Fire of Unknow Origin" (1981) es un interesante disco, último con la formación original y que tuvo en "Burnin' for You" un éxito inmediato gracias a una melodía genial y pegadiza, a unas guitarras incisivas y un ritmo comercial y bailable caracterizado por una brillante labor en el bajo, un estribillo enérgico, apoyado por un riff caracteristico del mas auténtico heavy, un tema comercial pero interesante y muy disfrutable que salto a los primeros puestos de los charts americanos.


El disco contaba además con la producción del especialista en el género Martin Birtch (Rainbow, Whitesnake, Iron Maiden o Deep Purple entre otros) quien entre estos acerados sonidos se encontraba como pez en el agua, dominando los mandos de la mesa de forma efectiva y audaz.
Si comentábamos el carácter oscuro y místico de sus letras, carácter que también empezó a diluirse en los últimos discos de los setenta, aquí nos encontramos de nuevo con las tinieblas en textos y sonidos, echo este agradecido por los fans de la banda que consideraban este detalle como algo clave en la personalidad de la formación.
Otro tema clave en el disco es el también exitoso "Joan Crawford", extraordinario tema que comienza con un oscuro y casi tenebroso piano que da lugar a un riff no menos oscuro, tema de sonoridad clásica, potente, machacón, rápido, sin concesiones a la tranquilidad del espíritu, con un estribillo que sube en intensidad, corto y poderoso, con una interpretación vocal por parte de Eric Bloom absolutamente portentosa, un tema teatral, un pelín anárquico... resumiendo, una auténtica gozada de corte, dedicado además a una enorme actriz como fue Joan Crawford.


Pero lo cierto es que el disco es un desparrame de energía y temperamento hard-rockero combinado con elementos blues, glam e incluso power-pop, que nos deja un ramillete de temas a cual mas disfrutable, desde el primer corte que dá título al disco, con un ritmo acerado apoyado por armonías vocales, pasando por la oscura y relajada aunque inquietante "Veteran of the Psichic Wars", la pegadiza "Sole Survivor", un tema con aire ochentero de trepidante estribillo. "Heavy Metal: The Black and Silver" es un sencillo pero efectista tema que como dice el título suena a Heavy Metal. Otro tema que comienza con un inquietante teclado y un ritmo oscuro es la magnífica "Vengeance (The Pact)", nuevamente con una interpretación teatral y mística por parte de Bloom, uno de los mejores corte del disco sin duda. Ritmo acelerado y teclados ochenteros haciendo la cobertura a la guitarra de Buck Dharma, "After Dark" es otro tema con acentos comerciales pero de un estribillo que te agarra de allí y te hace esclavo de su melódica energía. El disco se cierra con este "Don't Turn You Back", tema popero con el protagonismo de los teclados, de suma importancia durante todo el metraje del álbum, que vuelven a sonar ochenteros pero no babosos en manos de Allen Lanier, asi como una nueva interpretación atinada y exacta por parte de Bloom.
Resumiendo, un disco disfrutable, lleno de pelotazos hards, con tintes lisérgicos, blues y detalles del naciente pop-rock, pero con energía interna que puede hacer las delicias de los mas allegados al heavy ochentero de limpias melodías y oscuros tratamientos sónicos y textuales. Espero escuharles en buena forma en Mendizabala y que retumben algunos de los incisivos temas que habitan en este "Fire of Unknow Origin".



viernes, 30 de marzo de 2012

2 x 1, "The Night They Drove Old Dixie Doxn" - The Band/Johnny Cash

"The Night They Drove Old Dixie Down" es un pedazo de tema que a quien suscribe le trae por la calle de la amargura, y no debo ser el único a tenor de la cantidad de grandes artistas que lo han versionado, muchos de ellos muy bien además.
Incluido en esa obra maestra que es el segundo álbum de esa descomunal formación que fue The Band y que lleva por título el nombre del grupo canadiense, (excepto Levon Helm). El tema narra un episodio de la guerra civil americana con lo cual es, además, un pedacito de historia del país del Tio Sam.
Entre las versiones destacan, y bien podrían estar aquí, las diferentes adjudicadas a Joan Baez, Allman Brothers Band en directo, The Black Crowes tambien en directo, Richie Havens, Jerry García o John Denver, entre otros. Pero de entre todas me quedo con la magnífica versión que del tema hizo el gran Johnny Cash en 1975 para el álbum "John R. Cash".
Como digo siempre disfrutemos de ambas, que ambas son impresionantes, y cada cual tendrá preferencia por una o por otra, y si lo desea que nos lo cuente.


miércoles, 28 de marzo de 2012

El Crack del Mes, Marc Bolan (V) - Marzo 2012

Pocas estrellas brillaron entre los años 1970 y 1973 en el Reino Unido como lo hizo la estrella de Marc Bolan. Los éxitos se sucedían uno tras otro sin solución de continuidad, la influencia que tanto su sonido como su imagen ejerció sobre otros artistas, contemporáneos suyos, era incuestionable y sus cotas de popularidad eran superiores a las de cualquier otro artista de la época.
Sus últimos tres lanzamientos discográficos se saldaron con tres éxitos rotundos de público y crítica. Lo único que empañaba esta borrachera de éxito era el mercado americano que se le resistía, por mas que lo intentó en 1973, gira incluida por los USA, se volvió a las islas con otra decepción bajo el brazo. Eso si, sus continuados intentos de triunfar en Estados Unidos le posibilitaron, con la presumible ayuda de su novia Gloria Jones, cantante soul, escuchar mucha mas música negra, en especial soul y funky.
Cuando en 1974 aborda el que sería su nuevo proyecto discográfico parece evidente que la intención de Bolan era dar un cambio a lo que venía haciendo en sus últimos álbumes, si bien ya se advirtió algo en "Tanx", lo que esperaba a sus seguidores era mucho mas profundo y radical.
En primer lugar pasaría a firmar sus discos como Marc Bolan and T.Rex, en lugar de T.Rex como venía haciendo hasta ahora, también se produjo un cambio en la batería pasando Davy Lutton a ocupar el puesto dejado por Legend, en cuanto a la nueva colección de canciones dió como resultado un disco de titulo kilométrico: "Zinc Alloy and The Hidden Riders of Tomorrow", que fue recibido con frialdad por publico y crítica, a pesar de contar con buenos temas como "Teenage Dream".



En este disco Bolan intenta dar un paso mas hacia la música americana, en especial hacia el soul y el funky, pretendiendo escapar de la imagen de ídolo de adolescentes y Rey del Glam que parecía no interesarle ya demasiado. El disco alcanzó el nº 12 en las listas inglesas, bastante por debajo de sus precedentes lanzamientos. La presencia de Gloria Jones es constante en todo el disco, habiendo temas en los que practicamente comparte con el propio Bolan el papel de solista, como ocurre por ejemplo en el tema "Venus Loon".



A pesar de todo, al menos para quien escribe esta reseña, este no es un mal disco, si bien no alcanza niveles anteriores y tiene algún tema francamente vacío, también cuenta con interesantes composiciones como la oscura balada "Change" o "Interestellar Soul".
Quizás la no consecución de un sonido siempre coherente, quedando muchas veces entre el pretérito Glam-Rock y el acercamiento sin el rigor necesario a ritmos mas afines a sus idolatrados Bowie o Dylan impiden que este álbum funcione como los anteriores, amén de que no cuenta con composiciones tan redondas como en los grandes éxitos que antecedieron a este fallido disco.

Este fue además el último disco que conto con Tony Visconti en la producción, figura que fue clave en el éxito de T.Rex en los primeros años 70. El resto de 1974 no hizo sino confirmar el sostenido apagamiento de la luz que hasta ahora emanaba de Marc Bolan, así sus siguientes sencillos no incluidos en el Lp: "Light of Love " (número 22) y "Zip Gun Boogie" (numero 41), no hacían sino acentuar el declive.


El nuevo año empezó con mas cambios en la formación de Bolan, Mickey Finn y Jack Green abandonan la banda y se incorpora un nuevo teclista Dino Dines, quien ya había colaborado en la grabación de la incomprendida pero estupenda "Zip Gun Boogie", que pasase desapercibida el año anterior. "Bolan's Zip Gun" (1975), fue el resultado de las grabaciones con esta nueva formación, un álbum que el propio Marc Bolan se encargo de denostar y que pasó sin pena ni gloria, pero que contenía algún tema apreciable como el mencionado "Zin Gun Boogie" o la pieza rockera "Think Zinc".





Después de estos fiascos, un Marc Bolan acompañado de músicos de estudio grabaría, ya en el año 1976 el single "New York City" (número 15), que mejoraría sensiblemente los pobres resultados de sus últimos lanzamientos. "Futuristic Dragon" (1976) fue un subestimado álbum en el que los sonidos Glam quedaban ya bastante lejanos, y que nuevamente peca de incoherente pero que contiene temas de mérito como "London Boys", un tema que convina la psicodelia con unos arreglos orquestales firma de la casa, un buen tema. "Laser Love", es un corte que se sustenta en un fibroso y pegadizo riff edificado sobre una elegante melodía y una forma de cantar mas varoníl y moderada. "Dreamy Lady" es un magnífico tema en el que no pasa desapercibida la similitud con el Bowie mas crooner. A pesar de todo el disco no consiguió alcanzar cotas de altura que recordarán, ni de lejos, sus mejores años de la década.



Pero como los grandes son grandes, siempre pueden sorprender con un trabajo sorprendente, aún cuando todo parece estar perdido y las luces parecen solo recuerdos vislumbrados desde las sombras del fracaso. Y esta, y no otra, era la situación de Marc Bolan en el año 1977, sombras y únicamente remembranzas de tiempos pretéritos de éxito, luz y color, cuando el mundo musical esperaba el nuevo pulso que Marc Bolan y sus T.Rex proponían a la audiencia y traducían en nuevos efectos sonoros llenos de creatividad, fuerza y glamurosa lírica, desde el trono de la sensualidad y la sugestión.
Así junto a una formación formada por el guitarra rítmico Miller Anderson, el bajista Herbie Flowers y el baterista Tony Newman, nuestro protagonista se encerró a grabar el single que habría de devolverle a la senda del éxito: "I Love to Boogie", animoso tema pop, con ritmo bailable que alcanzaría el puesto 13 de las listas y que serviría de presentación para el muy apreciable "Dandy in the Underworld" (1977), álbum con el cual retomaría viejas andaduras por los soleados parajes del éxito gracias a fantásticos cortes como "Jason B. Sad" o "Dandy in the Underworld".






De esta manera, el año 1977 estaba resultando ser el año del regreso de Marc Bolan al lugar que por justicia, talento y valía musical le correspondía, sumando a esto la firma de un nuevo contrato discográfico con la todopoderosa  RCA y el éxito creciente que estaba experimentando su programa de televisión "Marc", todo hacía pensar que el presente era un nuevo amanecer ya consolidado con sol y cielos despejados, paisaje que nada hacía presagiar que cambiaría en un futuro inmediato, pues su proyecto mas inminente era el inicio de la grabación de su próximo disco, primero con su nuevo sello, que habría de llevar por titulo "Jack Daniels".
Pero el destino, que es caprichososo y no obedece a los simples mortales, que es lo que, por muy talentosos que seamos y mucha que sea nuestra capacidad para hacer felices a los demas, somos a ojos de este despiadado arbitro de principios y finales, truncó no solo la carrera, sino la vida de un joven de 29 años con mucho que ofrecer al mundo tanto a nivel artístico como a nivel personal.
Marc Bolan, un enamorado de los coches, que en cambio no conducía nunca, tubo que encontrar el final de sus días en el interior de uno de sus automoviles un 16 de septiembre de 1977, al sufrir un accidente del que salió malherida su pareja Gloria Jones que era la que conducía el vehículo. Su pareja se recuperó y cuido del hijo que ambos tuvieran en 1975 y poco mas se supo artísticamente de ella.
La muerte prematura, como suele ocurrir en el mundo del rock convirtió a Marc Bolan en una leyenda mas del firmamento de Rock, siendo recordado con cariño y admiración por generaciones venideras, incluso para los componentes del emergente movimiento punk era una figura respetada y querida. Con los años se ha puesto, mas si cabe, de manifiesto la importancia de su legado, no solo como obra musical genérica, sino como fuente de inspiración e influencia sobre otros artistas que vieron en el un ejemplo de evolución musical y estilística, será recordado además por lo que siempre fue, el y no otros, "El Rey del Glam"

















martes, 27 de marzo de 2012

Paul McCartney Reedita "Ram" (1971).

Una nueva reedición se divisa en lontananza, se trata nada menos que del segundo disco del ex-Beatle "Ram", único firmado como Paul & Linda McCartney y que fue publicado en 1971.
Viene a sumarse a las reediciones ya conocidas de "McCartney", "McCartney II" y "Band on the Run".

Se publicará el próximo 21 de mayo y se podrá adquirir en diferentes formatos

  • Edición Standard con el Lp tal cual remasterizado.
  • Edición especial con 8 temas extras además de un segundo CD que incluirá el single "Another Day" (que ya estaba presente en la edición en CD de 1993), mas caras B y "rarezas".
  • Edición de lujo presentada en una caja de 4 CDs, un DVD y un código de descarga que incluye la versión mono del álbum, un documental, un libro de 112 páginas, fotografías inéditas etc...
  • Dos ediciones en vinilo, una del Lp en formato mono y otra doble que incluye código de descarga.

También estará disponible en diversas descargas. Servidor no suele ser demasiado amigo de estas ediciones y las estudia con meticulosidad, pero confieso que esta edición de lujo me ha tocado el corazoncito, y es que mi amor por este disco va mas allá de lo musical para adentrarse en el terreno de lo sentimental y lo nostálgico, es sin duda mi trabajo favorito de Macca.

No puedo evitar escuchar algún tema de esta obra maestra del querido Sir Paul McCartney:



Fuente: http://www.efeeme.com/en-mayo-se-reeditara-ram-de-paul-y-linda-mccartney/

Albert King - "Born Under a Bad Sign" (1967)

Como todos sabéis, tres son los reyes en el mundo del blues, bueno, evidéntemente hay mas de tres, pero digamos los Kings del mundo del blues en cuanto a apellido se refiere, si son tres: Albert, B.B. y Freddy.
Hoy vamos a hablar un poco del primero de ellos, y digo primero basándome únicamente en un criterio alfabético, Albert, con A.
Cada uno tiene sus características particulares como es lógico, por resumir diríamos que siendo los tres grandiosos guitarristas, y estupendas voces, B.B. es posible que sea el mas fino y enraizado bluesman de los tres, Freddy el mas fiero y clavado al asfalto de Chicago y Albert el capaz de hacer un blues vivo, tan vivo que por sus arterias blueseras corre el soul a toda velocidad.
De ese blues con sabor a pureza y olor a soul, este enorme artista nos dejó un disco que es un disco...De esos. De esos impermeables a la erosión de los años, de esos que nunca terminas de escuchar, de esos que cada día resucitan un poco mas, pareciendo cada día mas grandes y deslumbrantes, de esos que son tan perfectos que ni siquiera pecan de perfección. Una Obra Maestra que traspasa géneros, y décadas, y generaciones, una obra maestra que se regenera a cada segundo, un disco que se publicó en 1967 y que fue agraciado con el nombre de una canción, la que abre este libro de sueños, que de tan legendaria parece que es un poco nuestra, que todos de tanto amarla creemos que hemos aportado un segundo, una inflexión, un suspiro que solo nosotros escuchamos... "Born Under a Bad Sign".
El primer disco que grabó albert king con la discográfica Stax, en cuyo seno nos dejaría sus mas colosales obras grabadas, fue este inconmensurable disco que hoy nos ocupa, compuesto de los sencillos que había grabado en los últimos meses, supone una colección de canciones tan perfecta que decantarse por alguna sería, mas que una injusticia, una tontería.
El álbum, producido por Jim Stewart, contó con la vital participación de Booker T. and The M.G's. como banda de acompañamiento a la voz y guitarra solista de Mr. King, esta participación es crucial para conseguir el sonido elegante y redondo de todos y cada uno de los temas que nutren los surcos de esta obra maestra, sirviendo de clara influencia para innumerables artistas precedentes, tanto blueseros como rockeros.
El mejor comentario es escuchar alguna de estas joyas, con calma y dejando que el sonido entre por los poros de la piel mas que por los oídos, que estos a veces están pensando en otras cosas.

El tema que da nombre al álbum en la famosa colaboración de King con otro grande: Steve Ray Vaughan:





Otra delicatessen incluida en este tesoro: "Oh, Pretty Woman"



La no menos mítica "Kansas City" de Leiber y Stoler.






lunes, 26 de marzo de 2012

Los Lunes al "Song" - "Let's Stay Together" - Al Green

¿Y si empezamos con un tema de amor esta semana?...
No parece que los tiempos estén para estos líos,¡ pero no!, precisamente en estos tiempos es cuando mas necesitamos estos líos que a veces parecen tan raros, líos como el cariño, el romanticismo y el amor.
Líos que suenan a gloria en la voz de Al Green, interpretando este clásico entre clásicos, inmejorablemente acompañado en esta ocasión.
Buena semana a todos!!!


viernes, 23 de marzo de 2012

El Crack del Mes, Marc Bolan (IV) - Marzo 2012

El año 1972 saludaba a un Marc Bolan convertido definitívamente en una Rock-Star de primer orden, capaz de convertir en éxito, y en consecuencia en oro, todo lo que componía y cantaba, es mas, cualquier ropa que se pusiese pasaba a ser el último grito de la modernidad y reclamo para los mas vanguardistas de la época, además de irrefrenable capricho para los imitadores.
Otros dos números uno consecutivos seguirían dando fuerza a este imparable vendaval, los singles "Telegram Sam" y "Metal Guru" alcanzaron la cima de las listas en cuanto vieron la luz, abonando su incipiente nuevo disco al éxito masivo y a las ventas extratosféricas. Así fue sin duda, y el 21 de julio de 1972 se pondría a la venta el que ya era nuevo éxito de T.Rex, el magnífico "The Slider".

"The Slider" (1972)

La característica principal de este extraordinario disco es la continuidad, la brillante continuidad con respecto a su antecesor, el grandioso "Electric Warrior". Las claves musicales aquí no difieren practicamente en nada con la entrega anterior, así volvemos a disfrutar con esos fibrosos riffs de enervada electricidad distorsionada, los pegadizos estribillos, las baladas de suave melodía y espacial ambientación, los arreglos orquestales de elegante textura y los magníficos coros, nuevamente confiados a los ex-Turtles: Howard Kaylan y Mark Volman que vuelven a estar antológicos en su cometido, además de la sensualidad inherente al fraseo de un Bolan absolutamente entregado a unos temas sin fisuras en su construcción melódica, todo ello perféctamente dirigido desde los controles, una vez mas, por la perfecta producción de Tony Visconti.
Curiosamente este disco, al igual que "Exile on Main Street", del mismo año, fue grabado en Francia por motivos, igual que en el caso de los Stones, de impuestos, problemas con el fisco británico y su fama de ser absolutamente voraz con sus estrellas musicales, algo tendría el país galo para facturar al mismo tiempo practicamente dos obras de semejante magnitud.
Otra curiosidad es la portada, famosa donde las haya, y que nos muestra a un Bolan ataviado con un sombrero de copa, en un agresivo primer plano, desenfocado y en blanco y negro, fotografía hecha por su amigo y admirador Ringo Starr, quien también se encargaría de filmar el documental sobre el grupo "Born to Boogie".
En cuanto al contenido del álbum, 13 temas sin demasiados altibajos, que rozan cuando no abordan abiertamente la excelencia, sujetos a las características ya comentadas y que forman un sensual, sexual, sugerente y adictivo Lp.
"Metal Guru" es uno de los grandes éxitos de la banda, un tema de elegantes arreglos orquestales y ácidos coros, con un ritmo machacón y endiablado que fue número uno antes de la publicación del disco.
Elegante y acústica, "Mistic Lady" es interpretada con sensualidad por la aterciopelada voz de Bolan, "Rock On" cuenta con una guitarra distorsionada cuyo riff se combina con los, nuevamente, perfectos coros, en un tema básico, sencillo pero elegante y sugestivo. El tema que da título al disco es el siguiente, "The Slider" es un medio ritmo cantado de forma contenida por un Marc Bolan que hace de la sugestión su mejor arma. "Baby Boomerang" es una suerte de boogie, con los apoyos vocales cogiendo el protagonismo por momentos, fluido y digerible tema. "Spaceball Ricochet" es la quintaesencia del Glam-Rock, con su elegancia y sus acústicas que hacen de acompañamiento junto a una perfecta linea de bajo a la susurrante voz de nuestro chico, los coros como en todo el álbum en su sitio, perfecta. Agresivo riff de guitarra el que apuntala la brutal "Buick Mackane", clara predecesora de futuros temas de mayor intensidad rockera como "Children of the Revolution". Otro de los temas míticos de T.Rex es "Telegram Sam", pegadiza y popera, con una guitarra entusiasta y una construcción melódica perfecta, un gran tema, abanderado de estilo y elegancia glam.
Suave y acariciante melodía adornada por una arrebatadora guitarra y el siempre sensual acento de Bolan hacen que este "Rabbit Fighter" pase como un suspiro. "Baby Strange" cuenta con el riff mas poderoso y pegadizo del disco, el cual subraya practicamente toda la canción. Mención a parte merece "Ballrooms of Mars", nuevamente ecos cósmicos para una balada de bella melodía y sugestiva letra, que cuenta con una lírica interpretación vocal por parte de Marc Bolan, quien se gusta y rebusca en todos los recobecos de esta perfecta melodía, grandioso tema sin duda, y como curiosidad, comentar que fue además versionado por Radio Futura cuando empezaban su carrera con resultados mas bien discretos, para los que desconozcan la versión de los madrileños y tengan curiosidad la encontrarán en el primer disco de Radio Futura bajo el titulo de "Divina". Ritmo enloquecido y glam puro y duro, con impagables coros de nuevo en "Chariot Choogle", el disco se cierra con "Main Man" susurrante tema, de carácter lírico y relajado que da el cierre a un extraordinario disco, mítico y que representa la cima creativa y de  popularidad de un Marc Bolan que consolida su sonido como fuente de influencia sobre innumerables artistas en los próximos años y que aún hoy, casi 40 años después suena fresco y moderno.



El Glam-Rock estaba en pleno apogeo, las apariciones televisivas de Marc Bolan eran frecuentes y por supuesto espectaculares, ataviado con botas de plataforma y trajes de leopardo, colores chillonas en su vestimenta y maquillajes, sombreros de copa y accesorios que sugerían una ambigúedad en el ámbito sexual que resultó tan atrayente para el publico que termino creando una corriente denominada "T-Rextasy" y que fue adoptada por otros artistas como Slade, The Sweet o David Bowie.
Marc Bolan junto a Gloria Jones
En este estado de cosas el año 1973 se planteaba como un año crucial en la carrera de T.Rex, (o lo que es lo mismo, Marc Bolan), la aparición de un nuevo single de éxito "Children of the Revolution" que alcanzó el numero 2 de las listas británicas parecía mantener la maquinaria perfectamente engrasada, un nuevo éxito con "Solid Gold Easy Action", que repetía puesto en listas daría el espaldarazo necesario a su nuevo disco, el estupendo "Tanx", no se vislumbraba forma de parar ni a T.Rex, ni el Glam-Rock.
Para este disco Bolan incluyo un coro femenino que incluía a la solista soul Gloria Jones, que además se hizo cargo de los teclados, así como del corazón de Marc Bolan, pues rápidamente pasó de corista a novia de la estrella del Glam.
"20th Century Boy", el nuevo sencillo de la banda que ocupo el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido fue la antesala al lanzamiento el 16 de marzo de 1973 de "Tanx".




"Tanx" (1973)

Producido, nuevamente por Tony Visconti, Bolan decide dar un paso mas en su propuesta musical con este "Tanx", llama la atención que ninguno de los singles publicados con anterioridad a la salida al mercado del larga duración fuesen incluidos en el definitivo tracklist del Lp, indicador tal vez de que el músico pretendía dar con esta grabación una vuelta de tuerca mas al sonido y carácter de sus composiciones.
Y algo de eso hay en este "Tanx", sin abandonar el sendero del Glam-Rock, en esta colección de canciones no faltan los riffs nervudos de sus anteriores entregas decorados con gloriosas melodías de pegadiza sonoridad y enérgicas descargas rockeras como puedan ser "Shock Rock", la poderosa "Country Honey" o la mas ácida "Mad Donna", no obstante el tratamiento de las guitarras se muestra mas clásico y menos aposentado en la liturgia glam de sus dos precedentes.
Además este álbum nos ofrece baladas pop, mucho mas alejadas del festivo y cósmico ambiente glam como la estupenda "Broken Hearted Blues", con un triste saxo endulzando el tema desde la lejanía. "The Street and Babe Shadow", precioso tema de sofisticada melodía que bien podría incluirse en cualquier disco de los primeros Roxy Music y la elegante y popera melodía de "Highways Knees" cantada con dulzura y sobriedad, acariciando la extraordinaria melodía, mi favorita del disco. "Left Hand Luke And The Beggars Boys" cuenta con coros soul a cargo de su pareja la cantante Gloria Jones, con una estructura orquestal mucho mas clásica y menos colorida que antaño, y una guitarra menos agresiva y mas sentimental, contando además con la colaboración al saxo de David Bowie, un tema extraordinario.
Un disco que, si bien no significa una despedida del Glam-Rock si que denota una intención de ir mal allá por parte de Marc Bolan, un artista creativo e inquieto que facturó un álbum menos digerible que sus dos obras maestras, pero al que le sobran motivos para ser disfrutado por cualquier aficionado.



Y aquí lo dejamos de momento, con un Marc Bolan convertido en una imparable estrella, en la cima de su fama y de su creatividad, buscando nuevos caminos de expresión musical. El futuro musical y vital de la, por siempre Glam-Rock star, en la próxima y última entrega.
Saludos!!!


Hemos hecho obra...


Así es, Addison se encuentra en plena crisis de los cuarenta y ha decidido actualizar su aspecto y el de su humilde casa, con mas color y glamour, es lo que tiene la famosa crisis, a unos les da por meterse en discos de moda a intentar ligar con muchachas de 20, y a otros nos da por mirarnos al espejo e intentar vernos mas jovenes de lo que realmente somos, (creo que no lo conseguimos), y convertir nuestras moradas en lugares mucho mas chic.
Eso y que mas de uno me ha dicho lo poco agraciado que resulta mi despacho. Cierto que últimamente lo veía un pelín desangelado.
Espero que os guste.
¡Saludos afectuosos a todos!
P:D. Por supuesto, y como siempre, se admiten (y agradecen) todo tipo de ideas y sugerencias...

miércoles, 21 de marzo de 2012

Discos en la lengua de Cervantes, "El Fin de la Década" (1979) - Burning

El otro día dando un vistazo al blog caí en la cuenta de que en mas de dos meses que llevo con el, apenas había dicho una palabra de ninguno de los solistas o bandas que han hecho rock en este país o en otros de habla hispana. Cierto que de unos años a esta parte, en mi interés han ido creciendo las bandas anglosajonas y perdiendo enteros las mas cercanas geográfica e idiomáticamente, pero eso no quita que gran parte de mi formación musical en mis primeros años como melómano practicante se dio con grupos de rock y pop patrios casi en exclusiva, con aquellos discos, principálmente de los ochenta de toda aquella gente que salió en tromba y que fueron bautizados, mas tarde, como "Movida Madrileña", un movimiento sobre el que a día de hoy no se muy bien que pensar pero que dejaron un buen número de discos extraordinarios, y de artistas de incuestionable calidad, e incluso en algún caso de auténtica genialidad que aún en nuestros días siguen dejando chispas de brillantez rockera en algunos proyectos, cierto, que cada vez mas esporádicos.
Se me ocurrió que no sería mala idea crear una sección dedicada a comentar discos y artistas del rock y pop nacional, hablar de otros géneros es cuando menos complicado, aunque algo hay por ahi que se defiende como puede, dados los medios y facilidades, en palos como el blues o el mod.
Creo que además puede servir para recordar discos que a lo mejor hoy nos resultan mejores de lo que creíamos, y en última instancia, a los que contamos con una cierta edad, a ponernos tontorrones con los recuerdos de nuestros años mozos, cuando nos creíamos indestructibles, y quizás, lo fuésemos.
Aquí nace entonces la sección sobre el rock hispano de Addison de Witt: "Discos en la lengua de Cervantes", tampoco era cuestión de ponerse demasiado original con el título.

"El Fin De La Década" (1979)

¿Y con qué empiezo?... vaya pregunta tu... La cosa es que se me han venido a la mente como pitufientosmil discos, varios ciertamente apetecibles de comentar, porque así los tengo que revisitar y de repente me ha apetecido revisitarlos todos, que cosas...
Pero creo que es de justicia torera empezar por los Burning (con "u"), y ¿por que?... Pues porque llevo media vida diciendo que es la banda de rock and roll mas grande de este país, que si los Stones hubiesen nacido en un barrio de Madrid, se llamarían Burning (con "u"), que nadie ha vivido mejor el rock and roll en España que ellos, tampoco nadie a muerto de rock and roll mejor que ellos...
Que siempre he sentido debilidad por los de La Elipa vaya!!!
¿Y el disco?... Esta es otra movida, Su primer trallazo, aquel "Madrid", o el último grabado por Pepe Risi antes de dejar mudas las calles nocturnas de Madrid para siempre, y que tal vez sea mi favorito, el magnífico "No Mires Atrás", o el primero que grabaron Risi y Johnny sin Toño, el sucio y nocturno "Noches de Rock&Roll"...
Finalmente me decanto por "El Fin de la Década" por varios motivos, porque en él se encuentra el tema que les identifíca por encima de ningún otro, el célebre "Que Hace una Chica Como tu en un Sitio Como Este", porque aún esta la formación mas original, una original realmente no ha existido nunca, pero estaba Toño, Risi y Johnny a pleno rendimiento, con todo el veneno de la juventud, pero sin la inercia que su fanatismo por los Stones les hacía parecerse "demasiado" a sus Satánicas Majestades como ocurría en su álbum debút, y porque aquí son gamberros, barriobajeros, golfos, excesivos y viciosos adictos a la noche, pero empiezan a tener clase, esa clase que se aprende en los sitios donde la clase es un mal a erradicar, esa clase que solo los que no la han conocido tienen, la clase de la gente que es de ley... Esa clase que tiene la gente de barrio.
En "El Fin de la Década" podemos encontrar todos los elementos que conforman la personalidad humana y musical de Burning, y es que es evidente, solo con escucharles, que ambas personalidades son una, ellos no hacen rock and roll, ellos respiran rock and roll, sudan rock and roll, sueñan rock and roll... y el rock and roll huele a bocadillo de calamares cuando sale de los amplis de los de La Elipa, el rock and roll arrastra sus pies cansados por las desvencijadas aceras del barrio cuando se junta hasta altas horas de la madrugada con estos héroes de la vida al filo del bien y del mal, el rock and roll adquiere un deje castizo de barrio taurino y rumbero cuando se sienta en la terraza del bar de la esquina a tomar unos bourbons con Risi y compañía... Esa conjunción que se establece entre el rock and roll y los Burning es lo que se escucha en los temas de este "El Fin de la Década".
El disco se abre con "Mueve tus caderas" tema de rock clásico, deudor del modus operandi del gran Chuck Berry, con una historia romántico-callejera de cuando los domingos se hicieron para bailar. "¿Que hace una chica como tu en un sitio como este?" es el tema bandera de la banda, aunque a Burning con este tema les pasaría como a Conan Doyle con su gran personaje Sherlock Holmes, que nunca el autor pudo ser tan popular como el personaje por él creado, hasta el punto de resultar para mucha gente un auténtico desconocido el señor Doyle, algo parecido ocurre en el caso de Burning y este tema. La aparición del mismo en el film del mismo título de Fernando Colomo hizo del tema un éxito inmediato y convirtio esa triste y marginal historia en un clásico del rock español, un tema perfecto, texto y música se funden en el mas crudo retrato de la marginalidad y la derrota en la edad madura que se ha escrito en la música española y de otros países, grandiosa.



"Un poquito nada mas" es el tema mas flojo del disco, cantada con suavidad y socarrón desparpajo por Toño, cuenta con una letra divertida y ligera sobre los chicos del grupo y sus amigas, un pelín machista, pero es que ellos eran así.
El piano de Johnny da entrada a un Stoniano tema, al gusto del "Goat's Head Soup", el inquietante "Bajo los Focos", crítica feroz a una estrella de rock, deslumbrante bajo los focos aunque vacía moralmente y que artísticamente solo es fachada, Toño canta como un auténtico demonio en este tema, combinando sensualidad y reproche, gran tema, (¿Habla este tema de Mick Jagger?...).



Recién muerto el dictador y con el sus continuos atentados a la humanidad y a la libertad incluso para soñar y sentir, no sé como mucha gente reaccionaria ante una letra como esta, "Puedes Sentirlo" habla de sexo, sin tapujos, el ritmo es como un coito desesperado de final de adolescencia, con una guitarra frenética y un teclado que en cualquier momento parece estar a punto de fundirse, rápida y osada, joven y lujuriosa, fantástica canción.
"Seducción" es la historia de una prostituta de Barcelona, que quita el sueño de estos chicos tan duros por fuera, un rock and roll, con un bajo atronador y una guitarra chillona y desesperada, Toño como siempre canta con el tono justo, la entonación perfecta y esa sensualidad que ningun otro cantante ha tenido en este país.



Las Chicas del Drugstore" es una balada memorable, cantada de forma magistral por Toño, que parece estar viviendo la historia ajeno a que le acompaña la música, ajeno a todo lo demás, encerrado en sus ensoñaciones, a sus amores onerosos con esas chicas que ya sabemos como son, la guitarra de Risi es el contrapunto perfecto al sensual y adormecido canto de Toño, un tema absolutamente inconmensurable.



Otra balada magistral es "Lo que el tiempo no borro", donde los recuerdos de Paula atormentan a Toño que torna su entonacion en una queja, las lagrimas llegan al final, aunque es la "negrita" de Risi la que provoca el llanto con el tembloroso extremecimiento de sus cuerdas, fundidas con los gritos de dolor de Toño llamando una y otra vez...Paula, Paula...
Y termina este disco absolutamente histórico con otra balada, "Balada para una viuda", un tema en el que el sexo del testosterónico cantante de La Elipa vuelve ha hacer las delicias en este caso de una lasciva y necesitada viuda, sexo urgente en un portal bajo las notas de un piano que oficia de principal testigo del fugaz episodio nocturno, magnifico tema.



Grandioso álbum, en el que se reunen todos los ingredientes que forman el rock and roll español, un rock sin Peggy Sues, ni cadillacs, siendo estos y aquellas sustituidas por chicas tristes y seats 127.

martes, 20 de marzo de 2012

El Crack del Mes, Marc Bolan (III) - Marzo 2012

Era el año 1970 cuando Tony Visconti, viendo los cambios que se estaban operando en la tendencia sonora y compositiva de Marc Bolan sugirió al dúo acortar el nombre del grupo, dejándolo simplemente en T.Rex, los dos músicos accedieron, y ese fue, además, el título que tendría el primer disco de la banda después del cambio de nombre.
Era mas que evidente que Bolan se estaba distanciando cada vez mas de sus iniciales influencias folks para adentrarse en una escritura mucho mas eléctrica, directa y potente, influenciada por el rock y el pop clásico de la invasión británica, haciendo incapié en un clima mucho mas sexual en sus textos y un sonido mas distorsionado en sus guitarras, además de unos arreglos cada vez mas barrocos y de carácter a veces casi orquestal. Bajo estas premisas sería concebido su siguiente disco "T.Rex" (1970).
El primer disco del grupo con su nueva marca comercial tubo una notable aceptación de crítica y público, llegando al nº 13 de las listas británicas, pero fue el single que precedió al lanzamiento de este álbum, y que no sería incluido en el mismo, el que convirtió a T.Rex en las nuevas estrellas de la música británica, "Ride The White Swan" alcanzó el nº 2 en las listas de las islas convirtiendo a T.Rex en la nueva sensación musical del país.

"T. Rex", (1970)

Este primer disco de la banda de Marc Bolan firmando como T.Rex significa un acercamiento ya claro a lo que habría de ser el sonido definitivo que daría lugar al Glam-Rock, producido por Tony Visconti, lo cierto es que en este estupendo disco aún están presentes en muchos temas las influencias mitológicas propias del universo del creador de "El Señor de los Anillos", y también el sonido acústico mas propio todavía del folk que del rock, continuaba esa visión lisérgica y romántica que había presidido el espíritu de la música de Bolan hasta ese momento, pero empezaban a asomar trallazos guitarreros y efusividades rockeras que evidenciaban lo que estaba a punto de llegar. Así, temas como el fenomenal "Jewel", el interesante: "Beltrane Walk" o el rockero: "One Inch Rock" ya dan una idea mas que evidente de lo que sería el devenir sónico de la banda. El disco incluye además una revisitación eléctrica del tema que años antes grabase Bolan con John's Children: "The Wizard".
En cuanto a los textos aún hay predominio de historias que hablan de elfos, magos o extrañas mujeres pájaro, desarrolladas en reinos mitológicos.







El siguiente single de la banda fue el ultra éxito "Get It On", tema que catapultaría al grupo al estrellato definitivo, y que además abriría las puertas para Bolan de U.S.A., aunque de manera bastante efímera, pues por mucho que lo intentó nunca llegó a triunfar de modo claro y definitivo en el país del Tío Sam.
En la grabación de "Get It On" ya intervinieron los dos nuevos miembros de la banda Steve Currie (bajo) y Bill Legend (batería), pasando T.Rex de dúo a cuarteto.
En estos momentos, los de mayor popularidad del grupo, empezaron los problemas de Bolan con el que había sido su sello discográfico en los últimos tiempos: Fly. Las desavenencias nacieron al no ponerse de acuerdo sello y músico en la elección del que sería próximo single de la banda. Finalmente Fly se saldría con la suya y el tema elegido como single fue "Jeepster", que supuso un nuevo éxito para Bolan y sus chicos, alcanzando el número dos, este hecho sin embargo no calmó el enfado de Bolan que abandonaría Fly tras la publicación del mega éxito en formato Lp, el grandioso "Electric Warrior", creando su propio sello llamado T.Rex Wax Co.




"Electric Warrior", (1971)


Se puede decir sin miedo a equivocarse que este soberbio disco da el pistoletazo de salida al género que fue conocido como Glam-Rock y al que tras los cimientos aqui presentados se adhirieron otros artistas, algunos tan prominentes como David Bowie o el grupo Slade.
Es por tanto Marc Bolan, y no cualquier otro artista, el que debe ser considerado si asi se quiere, como creador del Glam-Rock, corriente basada en la exposición histriónica de excesos sónicos que oscilan entre la furia guitarrera mas eléctrica y despiadada, hasta el suave discurrir acústico de baladas de nutrida melodía, siempre con la presencia de pegadizos estribillos llenos de ritmo y cuidadas composiciones que recuerdan al pop propio de la anterior década. Visualmente el histrionismo es también base fundamental del Glam, caracterizado por agresivas combinaciones de colores y texturas aderezadas con furiosos maquillajes que dejan en el aire una duda de caracter sexual que es dato imprescindible para mantener esa ambigúedad sexual que arrastra el género como elemento firma de la casa.
Y estos elementos son, ni mas ni menos, los que destila este imprescindible trabajo pleno de creatividad, originalidad y belleza melódica y sonora, que cuenta con la irrefenable sensualidad en el fraseo de Bolan a la hora de cantar todos y cada uno de los magníficos cortes que completan este histórico álbum.
Mención a parte merece la perfecta producción de Tony Visconti, quien dá en todo momento con las texturas justas para la feliz finalización de cada maniobra sonora que nace de la efervescente imaginación de Marc Bolan, destacable también el gran trabajo de apoyo vocal de los ex-Turtles Howard Kaylan y Mark Volman que secundan de modo efectivo y ajustado cada inflexión vocal de Bolan a lo largo de todo el disco.
Por destacar algún tema, lo que supone una injusticia por que aqui no hay tema menor, se puede destacar "Mambo Sun", o la recreación gráfica de lo que "es" el estilo Glam-Rock, con un canto sensual y unos coros efectistas, un tema redondo. La galáctica y acústica "Cosmos Dancer", con una mimada melodía conducida por unos arreglos orquestales de auténtico ensueño, que combinan con la acústica de Bolan que subraya la linea de canto de este, absolútamente sublime. La electricidad se desborda en el medio ritmo geniálmente apoyado por los coros en "The Motivator", y es que ¡como suenan esos coros!..., "Girl", es una balada de una melodía dolorosa por lo hermosa, tan grande que puede competir con la otra "Girl", aquella obra maestra que vive escondida entre los "hits" del "Rubber Soul" de los de Liverpool, y que rasga el aire, como esta, con su belleza. O la furibunda "Rip Off" que cierra esta obra maestra de la ingeniería sonora que va mas allá de etiquetas, aunque haya sido por una, el Glam-Rock, por lo que será siempre recordada.







lunes, 19 de marzo de 2012

Los Lunes al "Song" - "Isn't She Lovely" - Stevie Wonder

Aunque para mucha gente hoy es fiesta, para otros hoy es un día normal, es decir que no es fiesta, osea que nos toca currar, para otros por desgracia es un día mas, les toca 'no currar', en cualquier caso es lunes y toca canción de buen rollito para empezar la semana.
Os propongo este tema optimista y vitalista del Stevie Wonder de su época dorada, tema que me vais a permitir que dedique a la brujita avería esta que suele colarse por aquí de vez en cuando porque creo que el tema le traerá algún buen recuerdo, y también a todos los papas de la blogosfera, además de a todos los Joses, Pepes, Pepas etc...
A pasar buena semana, o al menos a intentarlo.

viernes, 16 de marzo de 2012

Los tres primeros discos de Dio en edición de lujo.


Desde el martes y trece reciente, es decir desde este último martes, podemos contar con una nueva reedición de lujo lanzada por "Universal", se trata en este caso de los tres primeros álbumes que editó en la primera mitad de los ochenta el añorado y querido Ronnie James Dio en su proyecto en solitario bautizado como Dio.


Los discos, los exitosos , "Holy Diver" (1983), "The Last in Line" (1984) y "Sacred Heart" (1985), vienen en una entrega de lujo en la que al Lp original acompaña un segundo CD que porta caras B y grabaciones en directo, además de un libreto con nuevos textos a cargo de Malcom Dome, el famoso escritor y periodista especializado en el rock mas pesado.

A nadie se le escapa la grandeza de la voz de este caballero, tipo ademas muy querido por lo que, según dicen todos los que le conocieron, (incluido Ozzy), era un personalidad entrañable y de gran humanidad.

Y en esta ocasión no puedo resistirme a poner un videoclip del que fue el primer single de su segundo disco "The Last in Line" y que llevaba el mismo título, un videoclip genial que a punto estuvo de fundir el viejo vídeo Beta de casa de mis padres en aquellos ochenta por las incontables veces que lo visione.


Robert Cray, "Twenty" (2005) - Historia de un Soldado.



Robert Cray (Columbus, Georgia 1957), es un excepcional músico de blues, un magnífico guitarrista, limpio y fino, aunque es como cantante donde me resulta absolutamente emocionante, dotado de una preciosa voz y de un fraseo aristocrático y fluido.
Además de su incuestionable prestigio en el mundo blues, aprendió el "oficio" de manos de profesores como "Muddy" Watters, John Lee Hooker o Albert Collins y ha grabado junto a maestros de la talla de Steve Ray Vaugham o Eric Clapton, se ha destacado como un convencido antimilitarista y pacifista.En el año 2005 grabó el álbum "Twenty", claramente concebido bajo la sombra de la guerra de Irak, estupendo disco en el que destaca este inquietante, conmovedor y hermoso tema, el que da título al Lp, "Twenty". En el Cray nos narra la historia de un joven soldado, veterano de la guerra de Irak, que desencantado, decide actuar contra la guerra homicida en aquel país, pero es asesinado antes de llevar a cabo su propósito.
Para ello grabó un tremendo vídeo clip dirigido precisamente por su esposa Susan Turner-Cray, y en el que colabora además un veterano de esta guerra Alain Delgado.
Os dejo constancia del vídeo, que recomiendo no os perdáis y de la letra de la canción en ingles y castellano.





When you're used up, where do you go
Soldier
Mother dry your eyes, there's no need to cry
I'm not a boy, it's what I signed up for

When you're used up, where do you go
Soldier
I can't take the heat, and I hardly sleep anymore
What'd we come here for

Standing out here in the desert
Trying to protect an oil line
I'd really like to do my job but
This ain't the country that I had in mind
They call this a war on terror
I see a lot of civilians dying
Mothers, sons, fathers and daughters
Not to mention some friends of mine
Some friends of mine

Was supposed to leave last week
Promises they don't keep anymore
Got to fight the rich man's war

When you're used up, where do you go
Soldier
Late in 2004
Comes a knock at the door
It's no surprise
Mother dry your eyes

Mother don't you cry, no, no
Someone told you a lie
Yes they did, why
Mother don't you cry, oh no
Mother don't you cry

When you're used up, where do you go
Soldier.


Cuando estas agotado, ¿a donde vas
soldado?
Madre seca tus ojos, no hay necesidad de llorar
Yo no soy un niño, es en lo que me inscribí

Cuando estas agotado, ¿a donde vas
soldado?
No puedo soportar el calor, y me cuesta dormir.
Para que hemos venido aqui.

Nos destacan aqui, en el desierto.
Para tratar de proteger una linea de petroleo.
Realmente me gusta hacer mi trabajo, pero
este no es el país que yo tenía en mente.
Ellos llaman a esto una guerra contra el terror,
veo un montón de civiles, mueren
las madres, hijos, padres e hijas,
por no hablar de algunos de mis amigos,
Alguno de mis amigos.

Se suponía que al salir la semana pasada,
las promesas no se mantienen más.
Tengo que luchar contra la guerra del hombre rico.

Cuando estás agotado, ¿a donde vas
soldado?
A fines de 2004
llega un golpe en la puerta, no es ninguna sorpresa,
Madre seca tus ojos.

Madre no llores, no, no
Alguien le dijo una mentira,
si lo hicieron, ¿por que
Madre?, no llores, oh no
Madre no llores.

Cuando estás agotado, ¿a dónde vas
soldado?

miércoles, 14 de marzo de 2012

Obras "Menores" de Artistas "Mayores": "Mind Games" (1973) - John Lennon

De todos es conocida la espiral de activísimo político en la que John Lennon se vio inmerso entre los últimos años 60 y los primeros 70, espiral que terminaría coincidiendo con la publicación de este "Mind Games" (1973), que significó la ruptura de John con varias de las constantes que habían sido su principal motivación personal y artística en al menos el último lustro.

Aquí son solo dos los temas de conciencia política y social:"Bring on the Lucie (Freda Pepple)" y "Only People", hecho este que hace que el disco pierda esa vitola de autenticidad y honestidad hecha música que hasta ahora gozaban popularmente los izquierdistas discos de John. El disco además corta también con el que había sido productor de referencia para John, Phil Spector, y es el propio John el que se encarga de la producción junto a su "secretaria", May Pang, este detalle también contribuyo a experimentar un recibimiento por parte de la crítica de desconfianza, después de la labor que Spector haría en dos obras maestras absolutas como son sin duda: "Imagine" y "Plastic Ono Band" y que habían abierto la carrera en solitario del ex-Beatle.
Foto homenaje a mi hermano Arthur
Pero la ruptura mas significativa fue sin duda la ruptura con Yoko, ruptura que es plausible en varios temas de este disco, temas en los que John se expresa en un oscuro tono de arrepentimiento, expresando en ocasiones incluso una disculpa nada velada a la que fuese su musa durante mas de media decada: "Aisumasen (I'm Sorry)", "One Day at a Time", "Out the Blue" y "You are Here" son los temas en los que queda reflejado este estado anímico de Lennon con respecto a su esposa de una manera mas evidente. A pesar de que la producción de John no difiere demasiado de la que practicase Spector en sus primeros discos, en especial en "Imagine", la linea sónica del disco es mas pop y menos rock que en estos, careciendo de un tema de auténtica fuerza rockera que pudiese convencer a los fans mas pegados al ritmo de sus producciones mas asperas.
Detalles que, junto con una cierta irregularidad, en especial estilística, hacen que este disco ocupe un lugar tenue e incluso algo olvidado en la discografía de John Lennon.
No seré yo quien ponga este disco a la altura de "imagine" o "Plastic...", pero si entiendo que es posible que después de estos sea el mejor y mas delicioso disco de John, repleto de temas de fina sensibilidad, hermosas voces y letras de pesaroso sentido de culpa.
Además del tema homónimo, conocido por todos y que es una suerte de deseo onírico que tanto gustaba evocar a Lennon, dotado de una bella melodía transportada por un piano y unos brillantes teclados que dulcifican la linea melódica, destacan con sobradas dosis de calidad: "Aisumasen (I'm Sorry)", esta es una pieza de una sensibilidad infinita, cantada de forma susurrante por el ex-Beatle y rubricada por un bonito punteo de guitarra, perfectamente interpretado por David Spinozza, un gran tema. El falsete es lo mas destacable, junto a la belleza de la melodía en el siguiente corte "One Day (At a Time)", con saxo incluido. El ritmo saltarín y medio funky de "Intuition" hacen de ella un disfrutable corte bastante alejado de la tradición de John. "Out of Blue" comienza con la voz de Lennon acompañada únicamente por una acústica y un tono pesaroso en la voz, pronto el piano toma el relevo y elevan la intensidad redondeando un bonito tema tremendamente cantado por el maestro. Un folk acústico mas cercano a Paul que al propio John es "I Know", un tema desnudo con la voz de John por momentos a punto de quebrarse, denotando fragilidad y cansancio, pero que resulta efectista, un tema extraño que gana con las escuchas. "You are Here" es un aburrimiento total, con una still guitar danzando de fondo y un canto recitativo, una lata de tema. Aparece la influencia de Bob Dylan en "Tight As", un corte folk-rock, que es de lo mejor del álbum, álbum que se cierra con la mas vigorosa y rockera canción del disco, la fantástica "Meat City", el disco se completa con la política "Bring on the Lucie (Freda Pepple)" un tema que discurre entre aguas reggae y funky y el himno a Nutopian, nación imaginada por John y Yoko en la que la paz es perpétua y cuyo himno aqui incluido es un silencio de 3 segundos, una ida de olla de esas a las que el gran John Lennon nos tenia acostumbrados de vez en cuando, y la danzarina "Only the People", animada y anclada al espíritu beatle.

En definitiva, un disco irregular en cuanto a su realidad estilística, que quizás adolezca de algo de "chicha" en algunos momentos, en el que percibimos a un John dubitativo ante los cambios que esta experimentando su vida y que le llevarn al famoso "Lost Weekend" en compañía de Elton, David, Keith y demas compañías de dudosa conveniencia para el bueno de John, pero que cuenta con temas mas que meritorios, que si no lo comparamos con otros discos anteriores merece ser considerado un extraordinario trabajo de un genio en toda regla como fue John Lennon.

lunes, 12 de marzo de 2012

Los Lunes al "Song" - "You Can Have Her" - Dickey Betts & Great Southern


Esta semana voy tardísimo pero, ¿Que os parece trasladarnos a las afueras de Atlanta?...
Feria del pueblo, comida, por ejemplo en "Los Doce Robles" degustando las tartas de las damas locales, con los Wilkes  como anfitriones, calor, construcción del granero por supuesto, baile... y por la noche: tabaco de mascar y unos tragos de bourbon al ritmo de la guitarra de este monstruo y sus compinches...¡A que mola!, pilas cargadas fijo...
Pues imaginemos, imaginemos...

domingo, 11 de marzo de 2012

Hoy me dió por recordar. "las Noches de Insomnio de Addison" (II)

Algunas veces, vaya usted a saber porque,  la memoria juega con nosotros al gato y al ratón. Nos manda globos sonda sobre lo que a ella le interesa que recordemos y como le interesa que sean esos recuerdos. Remembranzas que muchas veces creías ya olvidadas y que afloran de algún lugar recóndito de su ser, haciéndote fijar tu vista en lugares que a veces ni siquiera existen físicamente ya.


Eso es lo que mi memoria esta haciendo conmigo esta madrugada de sábado a domingo. Mantenerme anclado a las luces primaverales de un tiempo pasado, a los abriles y mayos de un año perdido en un viejo calendario. Los ochenta, mis adolescentes ochenta, Cuando todo empezaba, lo bueno y lo menos bueno... y lo malo seguramente, también.
Los recuerdos llegan orgullosos, seguros de si mismos, ligeros y silenciosos como el vuelo de un avión de papel. Como un avión de papel que se queda atrapado en los recovecos de tu cerebro, y del que no puedes o no quieres deshacerte y que te hace sentir bien y por momentos también mal. Que hace que los minutos vuelen con tu mente detenida en el pasado, rememorando un tiempo que no debería tener ya influencia en uno porque: ¿para qué darle mas vueltas?, ya no tiene remedio, ni para lo bueno ni para lo malo. Eso si, si fue hermoso, ¿quién se resiste a recordar?,¿a quién le importa no dormir?.
En este país, los canales de TV no son dados a programas de entrevistas. Pero cuando algún programa de esta especie ha asomado a nuestras pantallas, el entrevistador antes o después termina haciendo una pregunta típica y tópica:
- ¿Te arrepientes de algo de lo que has hecho?. ¡Joder!, creo que siempre he oído la misma respuesta.
- No!!!, si volviese a nacer haría todo exactamente igual a como lo he hecho, no me arrepiento de nada.
¡Manda huevos!, ¡que suerte!, y yo que me arrepiento de un buen montoncito de cosas que he hecho. Bueno y de un montonazo de cosas que no he hecho, que he dejado sin hacer, que ojalá hubiese, al menos, intentado.
En éstas me encuentro esta madrugada, sometido a la dictadura de la memoria que me tiene atrapado en un recuerdo cíclico del que no consigo zafarme. Una imagen nublada que me tiene recorriendo los pasillos del instituto. De  aquel instituto de mi adolescencia. Incluso parece que puedo escuchar los sonidos, las voces y los nombres, algunos que creía olvidados, de quienes formaban parte de mi vida en aquellos años de no pensar demasiado en el futuro.
Si, si, mucha memoria pero: ¿cómo se llamaba aquella profesora de ciencias?. Imposible, no puedo recordarlo... era una hippy de mucho cuidado, no creo que tuviese mas de 30 entonces, aunque a mi me hacía gracia, por lo cachonda que era a pesar de su edad, ¡de su edad!!!. Se llevaba conmigo de cine, era una tía cojonuda.
Yo tenía una camiseta que me encantaba, negra con el nombre de Sting serigrafiado a la altura del pecho, hacia el lado izquierdo y con los mismos caracteres de letra que aparecían en su último álbum, que era el primero de éste en solitario, aquel: "The Dream of the Blue Turtles", creo que sigue siendo lo mejor que ha hecho Sting. Me encantaba el tipo, me hice fan un poco antes con la salida del "Syncronicity" de The Police... Sting, The Police, hacía años que no pasaban por la recicladora de mi cerebro: "If you Love Somebody, Set Them Free", vaya titulo.



La cosa, que me lío, es que a la tía, a la maestra de ciencias digo, también le gustaba el rock. Se acercaba a mi, y me hablaba de The Police. ¿Y Bruce?, A mi aún no me había conquistado Bruce, y eso que sonaba "Dancing in the Dark" en todas las emisoras de radio. Y aquel vídeo.



Me hablaba también de Joe Cocker. No recuerdo si el borrachín estaba ya en la cresta de su fama con aquel "You can leave your hat on" del terrible film "9 Semanas y 1/2".



A mi me gustan los Beatles, le decía yo. Y es que los Beatles ya habían abordado mi corazón, y habían clavado su bandera en él. Esa bandera pirata que en lugar de una calavera y dos tibias tenia una manzana, como aquella que Eva diese a Adan, Cantaba entonces Sabina: "Todo empezó cuando aquella serpiente, me trajo una manzana y dijo prueba... yo me llamaba Adan, seguramente tu te llamaras Eva..." .



Y es que en aquella adolescencia mía, también me gustaba Sabina. Entonces Sabina era otro Sabina. El rock cabalgaba por sus venas, mas rockero y menos poeta, o lo que sea hoy Sabina. Lo que está claro es que hace años que el rock no cabalga por sus venas. Por las venas de Miguel Ríos cabalgaba el rock and roll tempranero de este país. El rock and roll, y otros caballos, como aquel que se llamaba muerte.



El parque de Doña Casilda de Bilbao estaba en obras. Estaban haciendo la pérgola del mismo, y los viernes quedábamos para ir allí, litronas en ristre, compradas en el super de Pozas, Por cierto cuando devolvías los cascos te llegaba para pillar una o dos mas. Había un chico mayor, nos parecía maduro y vivido, -siempre hay un chico de estos-. Lo cierto es que tenía un par de años mas que el resto y eso era un mundo. Era hippy, bueno, unos meses después era rockabilly, y después fue otra cosa. Pero entonces era hippy, se quedaba hablando, sin soltar la litrona ni un momento, hablando de Joan Baez y de Bob Dylan. Hablaba de un disco: "Desire", y de una canción:"Sara" Gracias a él conocí a Dylan... ¿Qué habrá sido de él?, creo que no acabó demasiado bien, ¿qué habrá sido de él?...



Terminábamos siempre igual. Sentados en un banco cantando, bueno eso o intentando ligar con alguna de las chicas. Alguna vez lo conseguimos de hecho, y ellas lo mismo claro, que eso es cosa de dos. Pero normalmente cantando, y que trascendentales nos poníamos cuando cantábamos aquella, que aún hoy me pone los pelos de punta.



Al final termino en el mismo puerto de siempre: La música... estoy marcado. Abro la persiana y veo que la luz ya proyecta una nueva esperanza sobre el mundo, ¡joder si son ya las siete y media!. ¿Cuánto tiempo llevo aquí escribiendo, recordando?. Ha pasado rapidísimo. Las primeras luces de la mañana han actuado con mis recuerdos como el sol con los vampiros, han hecho que huyan aterrados, claro, un nuevo día es lo que menos necesitan los recuerdos para perdurar. Habrán ido a esconderse en su escondrijo, ese que seguro que tienen en algún lugar del alma, o del corazón, o yo que se donde.
Al final ha molado recordar. Esta noche dormiré mejor, seguro.
Bueno, empieza un nuevo día. Algo pasará, seguro. En cualquier caso y como decían aquellos cuatro locos que menearon el mundo hace unos años, será como mínimo: "Just... A Day in the Life", que no es poco.
Feliz domingo...